PEOPLE IN TUNE – AFRICAN VIBES: WARSZTATY

People in Tune to nowy, łódzki festiwal muzyczny, którego celem jest propagowanie wartości kulturowych i artystycznych. To podróż przez różne odmienne gatunki i formy muzyczne, integrująca osoby z różnych środowisk i pokoleń wokół muzyki z różnych stron świata. W tym roku będzie miała miejsce 2. edycja festiwalu.

Tegoroczny festiwal People in Tune odbędzie się pod hasłem „African Vibes”. Motyw przewodni to kontynent afrykański.

Warsztaty
Autorskie warsztaty prowadzone przez czołowego specjalistę w kraju, założyciela pierwszej w Polsce profesjonalnej szkoły bębniarskiej „City Bum Bum”, Wojtka Pęczka!

10:00 – 11:00 Baby Bum Bum (od 3 do 10 lat)
Baby Bum Bum to zajęcia muzyczno-rytmiczno-edukacyjne, na których staramy się zaszczepić w dzieciach miłość do aktywnego udziału we wspólnym wykonywaniu muzyki. Nie jest to typowa nauka gry na bębnach czy śpiewu – raczej wspólne przeżywanie radości z przebywania ze sobą i tworzenia muzyki. Poprzez zabawę uczymy afrykańskich rytmów i piosenek oraz opowiadamy o życiu w Afryce. Zajęcia pomagają budować pozytywne relacje między dzieckiem a rodzicem, rozwijać umiejętności współpracy w grupie, uczą rozpoznawać emocje, budować pozytywny obraz siebie, a przede wszystkim pozwalają pokochać muzykę i odnaleźć radość w tańcu, śpiewie i rytmie.

11:00 – 12:30 Warsztaty plastyczne (dla wszystkich, bez ograniczeń wiekowych)
Autorska propozycja warsztatów rękodzielniczych, w których mogą wziąć udział zarówno dzieci, jak i osoby dorosłe. Wykorzystując materiały ekologiczne, takie jak m.in. paper marche czy rafia, uczestnicy zajęć tworzyć będą maski inspirowane tradycją Afryki Zachodniej. Praktyczny aspekt rękodzielniczy warsztatów łączy się z warstwą werbalną, czyli z historiami o znaczeniu, pochodzeniu i wykorzystaniu rytualnym afrykańskich masek. Zapewniamy proste, ekologiczne materiały dla uczestników zajęć.

12:30 – 14:00 Warsztaty bębniarskie dla młodzieży i dorosłych (od 12 lat)
Zajęcia są pełnym energii, radości i pasji wprowadzeniem w świat zachodnioafrykańskiej muzyki perkusyjnej, która jest przyjazna i dostępna każdemu człowiekowi bez względu na umiejętności muzyczne czy wiek – w trakcie sesji odbywamy niezwykły proces grupowy, który pokazuje, że niemożliwe jest możliwe: grupa ludzi nie mających wcześniej bliższego kontaktu z muzyką zaczyna wykonywać i prezentować tradycyjny rytm z Afryki Zachodniej – każdy odkrywa w sobie naturalne poczucie rytmu i talent, o jaki być może wcześniej nie podejrzewał siebie. Zapewniamy tradycyjne bębny z Afryki Zachodniej: djembe i basowe dunduny. Opowiadamy o kulturze, z jakiej się wywodzą, a którą znamy z podróży i bezpośredniego z nią kontaktu. Grupa poznaje technikę gry na djembe, uczy się języka bębnów i każdy staje się „djembefola” – tym, kto sprawia, ze bęben djembe zaczyna mówić. Uczestnicy zajęć poznają akompaniamenty afrykańskich rytmów, uczą się relacji między instrumentami akompaniującymi, basowymi i solowymi. Wprowadzamy tradycyjną aranżację rytmów; grupa dzieli się na kilka mniejszych zespołów, które przez powtarzanie różnych akompaniamentów scalają się w jeden organizm.

14:30 – 16:00 Warsztaty tańca afro (dla wszystkich, bez ograniczeń wiekowych)
Taniec afrykański jest niezwykle energiczną i żywiołową formą ekspresji, wyraża radość życia i afirmację świata. Wyzwala w nas radość, spontaniczność, pozwala odprężyć się i wyrazić siebie. Dzięki niemu zbliżamy się do naszej prawdziwej natury, do naturalnej potrzeby KONTAKTU z ZIEMIĄ. Taniec w rytm bębnów jest naturalnym odruchem. Muzyk i tancerz stanowią nierozerwalną część, uzupełniają się i wypełniają nawzajem. Ich „rozmowa” wyrażona przez taniec i muzykę jest najpiękniejszą rozmową bez słów. Zajęcia odbywają się przy żywej muzyce wykonywanej na bębnach djembe i dundun przez muzyków. Tradycyjne afrykańskie rytmy mają bowiem swoje znaczenie kulturowe, a każdy ma rytm ma przyporządkowany sobie charakterystyczny taniec. Oznacza to, że kroki taneczne są idealnie zsynchronizowane z muzyką, a siła bębnów daje tancerzom energię i inspirację.


SOUNDEDIT 2024: NIEMEN ZNANY I MNIEJ ZNANY

Soundedit’24 – „Niemen znany i mniej znany” (Natalia Niemen, Wojciech Waglewski, Krzysztof Zalewski), Matylda/Łukasiewicz

Soundedit ’24 – Hołd dla Niemena i duet Matylda/Łukasiewicz „Niemen znany i mniej znany” – to projekt zainicjowany przez córkę Czesława Niemena, Natalię. Artystka pragnie przybliżyć szerszej publiczności twórczość swojego taty, tę mniej znaną, mniej rozpowszechnioną. Festiwalowy piątek (25 października) będzie bogaty w wydarzenia związane z Niemenem, niewątpliwie jednym z najwybitniejszych i najważniejszych polskich artystów. Tego dnia również na scenie klubu Wytwórnia wystąpi niezwykle ostatnio popularny duet – Matylda/Łukasiewicz.

Koncert poświęcony Niemenowi wypełnią utwory, które powstawały na przestrzeni lat i znalazły się na takich albumach jak: „Terra Deflorata”  czy „Spodchmurykapelusza”. To również prawdopodobnie pierwsza próba przełożenia tych wybitnych kompozycji i aranżacji na język zespołu instrumentalistów, który utworzyła Natalia. Od lat 80-tych Czesław Niemen był bowiem samowystarczalnym multiinstrumentalistą, a do tworzenia i wykonywania swojej muzyki zatrudnił, jak sam ją nazwał – robotestrę, czyli zaawansowaną, cyfrowo-analogową „machinerię” instrumentów. Podczas koncertu nie zabraknie też kilku największych „hitów” Czesława Niemena: „Jednego serca”, „Dziwny jest ten świat” czy „Płonąca stodoła”. Natalia Niemen na występ podczas Soundedit zaprosiła Krzysztofa Zalewskiego i Wojciecha Waglewskiego. Przed koncertem Piotr Metz poprowadzi rozmowę, dotyczącą życia i twórczości Niemena. Do Natalii, Krzysztofa i Wojciecha dołączy Małgorzata Niemen. Czesław Niemen zostanie również (pośmiertnie) uhonorowany nagrodą Festiwalu Soundedit -„Człowieka ze Złotym Uchem” w uznaniu za „pionierskie dokonania w dziedzinie produkcji muzycznej.

Tegorocznej edycji Festiwalu towarzyszyć będzie również wystawa zdjęć autorstwa Małgorzaty Niemen. W 2022 Matylda Damięcka i Radek Łukasiewicz zmierzyli się z tematem przemijania, śmierci i żałoby na płycie Polskich Znaków. Matylda użyczyła swoich umiejętności wizualnych (wideoklipy) oraz wokalnych. Radek jest znany z zespołów Pustki czy Bisz/Radex, ale także z pisania dla innych m.in.: Brodki, Artura Rojka, Piotra Zioły. Teraz kontynuują współpracę, mają gotowy album i wystąpią na Soundedit. “Razem zastanawiamy się, jak żyje się kobiecie i mężczyźnie we współczesnym świecie, pełnym oczekiwań i społecznej presji. Zwykłe życie, niezwykła forma” – mówią o swojej współpracy.

Projekt „Niemen znany i mniej znany” oraz duet Matylda/Łukasiewicz pojawią się na scenie Klubu Wytwórnia (Łódź, ul. Łąkowa 29) 25 października (piątek) podczas 16. edycji Międzynarodowego Festiwalu Producentów Muzycznych Soundedit.

ROCKOWISKO

Łódzkie Stowarzyszenie Muzyczne „Ocalić Od Zapomnienia” serdecznie zaprasza na niezwykłe wydarzenie muzyczne tej jesieni: 12 października 2024 w klubie Wytwórnia odbędzie się pierwsze, od prawie czterdziestu lat, Rockowisko. W ramach naszej działalności pragniemy przywrócić do łódzkiego kalendarza koncertowego tę legendarną imprezę, która przed laty gromadziła tysiące fanów z całej Polski. Tegoroczny koncert będzie formą retrospekcji, a wystąpią w nim legendarni dziś wykonawcy, którzy w latach osiemdziesiątych XX wieku byli niekwestowanymi gwiazdami krajowej sceny rockowej. Dzisiaj wracają w różnych składach personalnych, ale za to w doskonale znanym, przebojowym repertuarze. Gorąco zapraszamy do powrotu do przeszłości przedstawicieli wszystkich pokoleń.

Zespół TURBO gościł na łódzkim Rockowisku trzykrotnie (w latach 1981, 1982 i 1985). Od ponad czterdziestu lat rozgrzewają polską scenę rockową swoimi doskonałymi koncertami.  Ostatnia pozycja w dyskografii to „Greatest Hits”,  wydana na 40-lecie zespołu. Aktualnie trwają prace nad nowym albumem. Na Rockowisku 2024 zespół zagra swoje największe hity z płyt „Dorosłe Dzieci” i „Smak Ciszy”.

Wojciech Hoffmann

Bogusz Rutkiewicz

Tomasz Struszczyk

Przemysław Niezgódzki

Mariusz Bobkowski

TSA  (Michalski, Niekrasz, Kapłon, Wester, Lekki) – to skład, który w wyniku perturbacji personalnych wyłonił się z oryginalnego, legendarnego TSA. Jedyny zespół, który zagrał we wszystkich edycjach „Rockowiska” od 1981 roku. W 2023 roku zespół wydał bardzo dobrze przyjęty na rynku album „Niezwyciężony”. Aktualne koncerty zespołu, to mieszanka starych przebojów TSA, takich jak „Massmedia”, „51”, „Chodzą ludzie”, „Maratończyk” i utworów z nowej płyty. 

TSA – MNKWL

Marek Kapłon

Janusz Niekrasz

Damian Michalski

Maciej Wester

Piotr Lekki

Jary Odział Zamknięty to projekt wokalisty legendarnego „Oddziału Zamkniętego”, Krzysztofa Jaryczewskiego. Po powrocie na scenę artysta zaangażował do współpracy swoich przyjaciół i utrzymuje ducha OZ, dając doskonałe koncerty. Oddział Zamknięty wystąpił na Rockowisku dwukrotnie (w roku 1982 i 1983). Koncert, który zagrają w październiku, będzie zawierał wszystkie największe hity, takie jak „Ten Wasz świat”, „Obudź się” czy „Party”. Ten „Oddział jeszcze jest otwarty”.

Krzysztof „Jary” Jaryczewski

Zbigniew Bieniak

Dominik „Nick” Swat

Andrzej „Pierwiastek”

Michał Biernacki

ZBIGNIEW HOŁDYS

Tegoroczne „Rockowisko” otworzy swoim koncertem Zbigniew Hołdys. Legenda polskiej sceny rockowej, twórca zespołu Perfect i autor słynnego projektu I-Ching, zrzeszającego najwybitniejszych polskich muzyków początku lat osiemdziesiątych. Z „Perfectem” Zbyszek zagrał na Rockowisku tylko raz, w 1981 roku. Dlatego na październikowym koncercie możemy się spodziewać ciekawej setlisty.

ALL STARS BAND :

Jerzy Styczyński – Gitarzysta zespołu DŻEM, współpracujący również z Tadeuszem Nalepą i Martyną Jakubowicz. Absolutnie genialny muzyk, mający na koncie udział w nagraniach ponad stu płyt różnych artystów polskiej sceny muzycznej. 

Mieczysław Jurecki – basista grupy Budka Suflera, multiinstrumentalista i muzyk uczestniczący w dziesiątkach projektów muzycznych w naszym kraju. Artysta uczestniczył w nagraniach ponad dwustu płyt o bardzo różnych zabarwieniach muzycznych. 

Artur Malik – wieloletni perkusista zespołu Lombard. Wykładowca krakowskiej Akademii Jazzu i Muzyki Rozrywkowej. Współpracował również z zespołami: Chłopcy z placu Broni, Pudelsi, Zanderhaus, Pod Budą oraz Jarosławem Śmietaną, Urszulą, Krzysztofem Zalewskim. 

Ex MAANAM

Repertuar koncertowy zespołu, to perfekcyjnie wykonane, doskonale znane największe przeboje Maanamu w ich oryginalnym brzmieniu, co niewątpliwie jest zasługą gitarzysty Ryszarda Olesińskiego i perkusisty Pawła Markowskiego – muzyków, którzy wraz z Korą i Markiem Jackowskim uczestniczyli przez prawie ćwierć wieku w największych sukcesach grupy, współtworząc tak legendarne albumy, jak „Nocny Patrol” , „Mental Cut” czy „Derwisz i Anioł”.

Karolina Leszko

Waldemar Dąże

Ryszard Olesiński

Tomasz Kupiec

Paweł Markowski

JAKUB JÓZEF ORLIŃSKI & ALEKSANDER DĘBICZ

Jakub Józef Orliński i Aleksander Dębicz prezentują projekt #LetsBaRock

Muzyka barokowa często kojarzy się z czymś niedostępnym i archaicznym. Wybity polski kontratenor – Jakub Józef Orliński oraz niezwykle utalentowany pianista i kompozytor – Aleksander Dębicz postanowili zmienić ten wizerunek i przełożyć muzykę barokową na język współczesny. Efektów ich współpracy będzie można posłuchać podczas trasy #LetsBaRock, która tej jesieni odwiedzi dziewięć polskich miast.

W projekcie #LetsBaRock Jakub Józef Orliński i Aleksander Dębicz wynoszą muzykę barokową na zupełnie nowy poziom, prezentując jej ponadczasowość. Wspólnie stworzyli „covery” utworów barokowych, osadzając je w kontekście współczesnego popu. Aby jeszcze lepiej podkreślić ten nowoczesny sznyt, Orliński i Dębicz zaprosili do współpracy najlepszych muzyków polskiej sceny rozrywkowej: Marcina Ułanowskiego (perkusja) i Wojciecha Gumińskiego (bas). W tym czteroosobowym składzie, w legendarnych przestrzeniach Church Studios w Londynie, wypracowali niepowtarzalne brzmienie „nowego baroku”. Projekt #LetsBaRock uzupełniają trzy autorskie kompozycje Aleksandra Dębicza.

Tej jesieni trasa #LetsBaRock odwiedzi dziewięć najpiękniejszych sal koncertowych w Polsce. Artyści pojawią się w Poznaniu (27 września, Sala Ziemi), Katowicach (28 września, NOSPR), Krakowie (29 września, ICE Kraków), Wrocławiu (30 września, NFM), Warszawie (1 października, Muzeum Historii Polski), Bielsku-Białej (3 października, Cavatina Hall), Łodzi (5 października, Wytwórnia), Szczecinie (6 października, Filharmonia Szczecińska) i Gdańsku (7 października, Filharmonia Bałtycka). Bilety na wydarzenia dostępne na eBilet.pl.

Materiał ukaże się także na albumie. Data premiery wydawnictwa została zaplanowana na

20 września 2024 roku.

MACIEJ MALEŃCZUK

Niektórych artystów można opisać krótko i w kilku zdaniach. Maciej Maleńczuk zdecydowanie do nich nie należy, a szybki opis jego pracy artystycznej jest absolutnie niemożliwy. Z pewnością można powiedzieć, że to jeden z najważniejszych, najbardziej charyzmatycznych, a przy tym kontrowersyjnych artystów ostatnich czterech dekad. Pieśniarz obdarzony świetnym głosem i darem pisania tekstów pełnych ciekawych obserwacji – nie zawsze miłych.

Klauzula Sumienia nakazuje więcej nie mówić i słuchać.

ANNA MARIA JOPEK – SOBREMESA

„Sobremesą istotnie delektuje się jak deserem lub portugalskim winem i krew zaczyna tętnić w rytmie fado. Smutek i melancholia mieszają się z lekkim pulsem wynikającym bezwiednie z piękna Lizbony.” Napisała bezimienna posiadaczka tej płyty dzieląc się swą reakcją na profilu kiedyś największej w kraju księgarni z płytami. I rzeczywiście, Sobremesa to deser po wspaniałym posiłku, ale to także obrus i stół, i gorące, przyjazne rozmowy po tej uczcie, jej podsumowanie i wymiana myśli z przyjaciółmi o wszystkim ważnym i nie tylko. Sobremesa to bodajże najczęściej powracająca w kuluarowych rozmowach na Siesta Festiwalu muzyka, która dla wielu była początkiem, a dla wielu innych zbiorem ścieżek ku miłości do luzofonii.

Sobremesa to zbiór ukochanych piosenek AMJ ze świata kultury portugalskiej, z „Luzofonii” i bez dwóch zdań jedna z piękniejszych i najważniejszych płyt w jej dorobku. To spotkanie z wielkimi postaciami muzyki luzofońskiej. Z Portugalii, Brazylii, Cabo Verde, Angoli…, to lekkość, wdzięk, czar muzyki zmysłowej, plażowej, chwilami nostalgicznej, zawsze pełnej światła. Wraca Yami, wraca lizboński zespół, wraca Anna Maria Jopek. Każde w innym miejscu swego życia, każde z większym bagażem doświadczeń, przemyśleń, nagród i zaszczytów, co tym bardziej wzmaga ciekawość

Anna Maria Jopek – głos
Yami – gitara basowa
Victor Zamora – fortepian
Tiago Oliveira – gitara
Vicky Marques – perkusja 

LAJ: STUDIO JAZZOWE POLSKIEGO RADIA

20-osobowa orkiestra pod batutą Nikoli Kołodziejczyka przypomni legendarny zespół założony przez Jana Ptaszyna Wróblewskiego w 1968 r. Koncert jest efektem współpracy pomiędzy organizatorami LAJ a Polskim Radiem Dwójką. Po raz pierwszy zespół ten został zaprezentowany podczas serii koncertów Radia pod nazwą „Jazz.PL”. To wyjątkowe przedsięwzięcie zasługuje na kontynuację i wspólnie postanowiliśmy zaprezentować kolejną odsłonę projektu podczas 17 edycji Letniej Akademii Jazzu.

To bezprecedensowe wydarzenie, w ramach którego 20-osobowa orkiestra zagra dawne kompozycje Studia Jazzowego Polskiego Radia, które skupiało najważniejszych muzyków jazzowych takich jak Tomasz Stańko, Michał Urbaniak, Tomasz Szukalski, Zbigniew Namysłowski, Zbigniew Seifert, Adam Makowicz, Wojciech Karolak, czy Andrzej Trzaskowski. Skład ten łączył najwybitniejszych polskich improwizatorów z najlepszymi radiowymi muzykami bigbandowymi. W ramach 17 edycji LAJ pragniemy przypomnieć historię tego niezwykłego składu, którego rola w historii polskiego jazzu jest nieoceniona. Podobnie jak w tamtych latach, PR 2 stworzyło zespół, w którego skład wchodzą najlepsi polscy instrumentaliści, wyróżniający się absolwenci polskich uczelni muzycznych o profilu klasycznym i jazzowym.

Partytury utworów, które złożyły się na repertuar jubileuszowego koncertu, zostały wydobyte z archiwum Polskiego Radia. Zdecydowana większość wybranych na ten wieczór kompozycji nigdy nie została wydana i teraz, po latach, można je będzie usłyszeć na żywo.

Zespół poprowadzi Nikola Kołodziejczyk. Urodzony w 1986 r. w Krakowie. Jest pianistą, kompozytorem i dyrygentem. Gra na fortepianie od 4. roku życia. Miał zaszczyt uczyć  się od legendy polskiej pedagogiki  fortepianowej prof. Ireny Rolanowskiej. W roku 2005 Nikola rozpoczął naukę na Akademii Muzycznej im. Karola Szymanowskiego w  Katowicach w Instytucie Jazzu i Muzyki Rozrywkowej w klasie wybitnego polskiego pianisty dr Wojciecha Niedzieli. Wtedy również rozszerzył swoje poszukiwania kompozytorskie na orkiestry  smyczkowe, zespoły mieszane trzeciego nurtu, nietypowe zestawienia instrumentów i postanowił  dogłębnie zrozumieć proces powstawania dźwięku studia nagraniowego. Założył zespół mający  wykonywać te pomysły i stanowić bazę dla eksperymentów instrumentacyjnych –  Nikola  Kołodziejczyk Orkiestra. Ciepłe przyjęcie przez publiczność materiału, który  przygotowywał i doświadczenia studyjne zdobyte podczas nagrywania płyt tych zespołów wyrobiły w  nim pasję prowadzenia, dyrygowania i komponowania dużych składów instrumentalnych, czego uczyć  mógł się niebawem pod okiem człowieka o wielkiej renomie, specjalisty muzyki big­bandowej w  Europie – ucznia Boba Brookmeyera: Amerykanina prof. Edwarda Anthony’ego Partyki.  Otrzymując dyplom z wyróżnieniem na specjalności pianistyka jazzowa Nikola mógł pochwalić się  szeregiem nagród dla jego zespołów, jak również pierwszą godzinną suitą na orkiestrę jazzową – „Extreme Conditions” napisaną na rozszerzony big band z koncertującym fortepianem.  Nagranie koncertowe suity „Extreme Conditions” było katalizatorem zamówień kompozytorskich z  różnych źródeł: Filharmonia Wrocławska i Festiwal Jazztopad, Regensburg Jazz  Orchestra –  unikalny konglomerat gigantów europejskiej sceny big­bandowej. W tym samym czasie otrzymywał nagrody jako pianista i kompozytor – na festiwalach w Bielsku,  Jeleniej Górze, Krakowie, Warszawie. Był półfinalistą Bosendorfer Solo Piano Competition na Montreux  Jazz Festival, zdobył Stypendium Berklee College of Music World Scholarship Tour, wyróżnienie na Transatlantyk Instant Composition Competition. Jako pianista został zaproszony do zagrania trasy koncertowej przez berlińską orkiestrę EPJO. Aranżował dla Richarda Bony i Metropole Orkest prowadzonej przez Vince’a Mendozę, dla Tomasza  Kukurby i Orchestra of Live Strings Nigela Kennedy’ego, oraz orkiestry L’Autunno.

GO! ON STAGE FESTIVAL

COALS to młody duet, w którego skład wchodzą Kacha i Lucassi. Zespół szybko zdobył uznanie wśród słuchaczy dzięki domowym nagraniom, które wrzucali na YouTube kilka lat temu. Muzyka Coals często charakteryzuje się różnorodnością gatunków (dream pop, chillwave, cloud rap czy glitch pop…), ale zespół nie lubi ograniczać się do konkretnych szufladek. Zamiast tego, stara się tworzyć eklektyczną muzykę, a sami mówią, że to co robią to „cold pop”.Duet wystąpił na wielu międzynarodowych festiwalach, m.in. na Positivus, Pohoda, Primavera Sound, MENT, Eurosonic, czy Iceland Airwaves. Co ciekawe, podczas pobytu w Reykjaviku, Coalsi nagrali wideosesję dla legendarnego radia KEXP w Kex Hostel. Poza tym, duet miał okazję wystąpić na ważnych, polskich festiwalach, takich jak Open’er (czterokrotnie), OFF (dwukrotnie) oraz Fest.

HUBERT. – artysta młodego pokolenia pochodzący ze Szczecina. W ostatnich latach wydał niezależnie trzy cyfrowe albumy: dzieci śmieci, pttk i święty spokój, które również sam w całości wyprodukował. Dzięki krążkowi święty spokój zdobył popularność m.in dokumentując swoje wędrówki od miejskiego zgiełku. Mimo dystansu do nadmiernej ekspozycji, jego niszowa aktywność na TikToku przyciągnęła uwagę wielu słuchaczy.Dotychczasowa twórczość zachwyciła nie tylko słuchaczy, ale również media. Portal newonce docenił go kilkukrotnie, publikując jeden z pierwszych wywiadów z artystą, a także umieszczając album „święty spokój w zestawieniu” TOP 10 najlepszych polskich albumów pierwszego kwartału 2023 roku. Efektem świętego spokoju była trasa koncertowa artysty, gdzie „sold out” stał się częścią nazwy każdego wydarzenia na facebooku.

18. Letnia Akademia Jazzu – Polsko-Francuska Noc Jazzowa

Zapraszamy na wyjątkowy koncert inaugurujący 18. edycję Letniej Akademii Jazzu – Polsko-Francuską Noc Jazzową, będącą owocem współpracy dwóch czołowych festiwali jazzowych w Europie: Letniej Akademii Jazzu z Łodzi oraz Jazzdor ze Strasburga.

Wykorzystując okazję, jaką jest polska prezydencja w Radzie Unii Europejskiej, ten wyjątkowy projekt łączy siły trzech premierowych polsko-francuskich zespołów. Usłyszymy zarówno uznanych instrumentalistów, jak i przedstawicieli młodego pokolenia muzyków, którzy wspólnie stworzą nowe muzyczne konfiguracje i niepowtarzalne brzmienia.

W programie wieczoru:

DOMINIK WANIA & CHRISTOPHE MONNIOT DUO
Polska + Francja
Dominik Wania (Polska) – fortepian
Christophe Monniot (Francja) – saksofon

ÄETHER STRING 4ET
Polska + Francja
Amalia Umeda (Polska) – skrzypce
Aleksandra Kryńska (Polska) – skrzypce
Maëlle Desbrosses (Francja) – altówka
Adèle Viret (Francja) – wiolonczela

CIECHELSKI, DĄBROWSKI, DRABEK, BER
Francja + Polska
Léa Ciechelski (Francja) – saksofony
Tomasz Dąbrowski (Polska) – trąbka
Kamila Drabek (Polska) – kontrabas
Samuel Ber (Francja) – perkusja

Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach Programu kulturalnego polskiej prezydencji w Radzie Unii Europejskiej 2025 w ramach programu dotacyjnego SYNERGIE.

WSTĘP WOLNY. Liczba miejsc jest ograniczona. Obowiązują zapisy: biuro@wytwornia.pl Decyduje kolejność zgłoszeń. Potwierdzenie udziału wyślemy do 14 dni przed wydarzeniem na adres e-mail podany w zgłoszeniu.  Gwarancja miejsc dla posiadaczy karnetów na 18. Letnią Akademię Jazzu.

LAJ: UMLAUT BIG BAND

Umlaut Big Band to jedna z najlepszych francuskich formacji jazzowych, która wystąpi po raz pierwszy w Polsce – podczas 17. Letniej Akademii Jazzu! 14-osobowa orkiestra pod batutą Pierre-Antoine’a Badaroux prezentuje jazz swingujący z przełomu lat 20., 30. i 40.  Muzycy wydobywają na światło dzienne  zapomniany repertuar kompozytorów i aranżerów jazzowych z XX wieku. Wykorzystują archiwa rękopisów, aby zrekonstruować utracone dźwięki. W swoim dorobku mają 5 płyt i ponad 200 utworów! Orkiestra wspaniale łączy tradycyjne jazzowe dźwięki ze współczesnymi formami tego gatunku.

Koncert Mary’s Idea to projekt, który ma na celu oddanie hołdu oraz ukazanie twórczości Mary Lou Williams – pianistki, aranżerki i kompozytorki, która aranżowała dla Duke’a Ellingtona, Benny’ego Goodmana; była także mentorką i nauczycielką m.in.: Milesa Davisa, Theloniuosa Monka czy Buda Powella. To jedna z pierwszych kobiet, które odniosły sukces w jazzie mimo przeszkód, które napotykała na swojej drodze, jak chociażby rasizm. Mary Lou Williams była bliska młodym muzykom, a całą muzyczną karierę pozostawała w cieniu tych, dla których była mentorem. Po swojej śmierci Artystka pozostawiła jedyne w swoim rodzaju oryginalne rękopisy oraz niepublikowane partytury ukazujące zmieniający się jazz na przestrzeni 50 lat. Organizacja tego koncertu odbywa się we współpracy z Instytutem Francuskim w Polsce.

LAJ: TERCET KAMILI DRABEK | MARCIN MASECKI

Tercet tworzą Kamila Drabek, Marcin Konieczkowicz i Kacper Kaźmierski. Grupa to jeden z ciekawszych i najbardziej docenianych młodych zespołów jazzowych w Polsce. Ich muzyka opiera się o piosenki kontrabasistki i liderki Kamili Drabek. Jest pełna śpiewnych, folkowych melodii wykonanych z rockową energią i młodzieńczym wdziękiem. To jazz zagrany „po polsku” z dużą dozą słowiańskiego liryzmu, ale i z poczuciem humoru. Szczerość i pełen profesjonalizm zapewnił im uznanie krytyków i sympatię publiczności.

Pierwszy album pt. „Muzyka Naiwna”, wydany nakładem wydawnictwa Soliton, miał premierę w lipcu 2019 podczas festiwalu Warsaw Summer Jazz Days. W 2020 płyta uzyskała nominację do nagrody muzycznej Fryderyk w kategorii Debiut Roku Jazz. Tercet koncertował podczas wielu festiwali w Polsce i zagranicą, m.in: V4 Jazz Fest (Praga, Samorin, Budapeszt, Kraków), Bielska Zadymka Jazzowa, Jazz Juniors, Polska Jazz Festiwal (Opus Jazz Club, Budapeszt), czy Summer Jazz Festiwal. W 2020 r. w ramach programu Partnerstwo dla Muzyki 2.0. zespół zrealizował również projekt pt. „Tercet Kamili Drabek gra utwory Jerzego Dudusia Matuszkiewicza”.

Marcin Konieczkowicz – krakowski saksofonista altowy oraz barytonowy; absolwent krakowskiej Akademii Muzycznej w klasie saksofonu oraz saksofonu jazzowego; w ciągu ostatnich lat został laureatem głównych nagród najważniejszych polskich konkursów i festiwali jazzowych m.in.: Jazz nad Odrą, Jazz Juniors, Blue Note Poznań Competition, Jazzowy Debiut Fonograficzny, Ogólnopolski Przegląd Młodych Zespołów Jazzowych Bluesowych Gdyńskiego Sax Clubu. Na codzień prowadzi działalność koncertową głównie na deskach krakowskich klubów jazzowych z zespołami: „Kuba Banaszek Quartet”, „Tercet Kamili Drabek”, „Michał Aftyka Quintet” oraz „Orchestra Dedicated” Wojciecha Groborza.

Kacper Kaźmierski  – to perkusista i artysta reprezentujący grono muzyków określanych mianem polskiej, młodej sceny jazzowej i improwizowanej. Jest laureatem wielu konkursów, o zasięgu ogólnopolskim jak i międzynarodowym, takich jak: Jazz Juniors, Jazz Drummers Competition, Tarnów Jazz Contest, Blue Note Jazz Competition czy RCK PRO JAZZ. Sukcesy te sprawiły, że Kacper w roku 2020 został laureatem programu ministerialnego dla najwybitniejszych artystów „Młoda Polska”.

Koncertując od wielu lat ma bogate doświadczenie sceniczne, występując zarówno w Polsce jak i na całym świecie.

Kamila Drabek – kontrabasistka i kompozytorka, absolwentka Akademii Muzycznej w Krakowie. Prowadzi autorską formację Tercet Kamili Drabek. Zespół wygrał konkurs na jazzowy debiut fonograficzny 2019 i wydał album „Muzyka Naiwna” (nominacja do nagrody Fryderyk 2020 za najlepszy debiut). Współpracowała m.in. z topowym amerykańskim saksofonistą Gregiem Osbym, kubańską formacją Vistel Brothers czy Maciejem Obarą.  Jest laureatką konkursów Blue Note Poznań Jazz Competition, Azoty Tarnów Jazz Contest, Krokus Jazz Festiwal. W 2020 r. wraz z pisarką Anną Malinowską i malarką Polą Dwurnik stworzyły interdyscyplinarne trio na słowo, obraz i kontrabas w projekcie „Unhappy Ending”.

Marcin Masecki – pianista, kompozytor, aranżer, dyrygent, kurator, pedagog. Jego działalność obejmuje szerokie spektrum stylistyczne, a wirtuozowskie łączenie gatunków oraz łamanie granic między sztuką wysoką a rozrywkową to znaki rozpoznawcze. Regularnie koncertuje z repertuarem jazzowym i klasycznym. Jest stałym kuratorem warszawskiego życia muzycznego.

Najnowszy album Marcina Maseckiego „Boleros y mas” to latynoamerykańskie brzmienia w klasycznym stylu. Kultura muzyczna Ameryki Łacińskiej jest ciągle obecna w życiu Artysty. Na najnowszym albumie, w formacie klasycznego tria fortepianowego, Marcin Masecki gra i śpiewa zestaw ulubionych boler meksykańskich, walców wenezuelskich, chorów brazylijskich i tang argentyńskich.

Masecki pisze również muzykę do filmu oraz do teatru. Jest laureatem Orła za muzykę do filmu „Powrót do tamtych dni” Konrada Aksinowicza. Był aranżerem, kompozytorem i konsultantem muzycznym przy filmie „Zimna Wojna” Pawła Pawlikowskiego. Stworzył też ścieżki dźwiękowe do filmów „O zwierzętach i ludziach” Łukasza Czajki, „Fuck for Forrest” Michała Marczaka, oraz „Obce Niebo” Dariusza Gajewskiego.

LAJ: CZEREŚNIE. KONCERT FAMILIJNY

Czereśnie to zespół dla dzieci inny niż wszystkie. To piosenki opowiadające o sprawach najważniejszych: ochronie przyrody, dbaniu o własne zdrowie, miłości do najbliższych, poszanowaniu różnorodności. Skierowane do najmłodszych, ale unikające infantylizacji. Wykonywane w żywiołowej formie, pełnej wspólnych zabaw i interakcji z publicznością. Występy Czereśni to okazja do poznania całej palety instrumentów i ich brzmień: perkusji, bandżo, mandoliny, gitary basowej, a nawet tuby czy klarnetu. Młody odbiorca ma szansę uczestniczenia w prawdziwym koncercie, wykonywanym przez profesjonalnych muzyków ogranych na scenach od Stanów Zjednoczonych, przez całą Europę, po daleką Australię. Sporo w tym jednak zabawy – dzieciaki (oraz dorośli) wciągane są do wspólnego tańca, tupania czy klaskania.

Andrzej Zagajewski, laureat Paszportu Polityki wraz z zespołem Hańba!, stworzył muzykę, która za cel stawia nie tylko dobrą zabawę, ale również pobudzanie rozwoju każdego człowieka, przede wszystkim tego najmłodszego – jego wrażliwości, kreatywności i zdolności.

LAJ: MANIUCHA I KSAWERY | MITCH & MITCH

Maniucha i Ksawery to duet, który w autorski sposób łączy jazzową improwizację z ginącymi pieśniami ukraińskiego Polesia. W swoich kompozycjach przywołują pieśni wiosenne, żniwne, weselne, miłosne, dziadowskie, kolędy i kołysanki, łącząc je w opowieści odwzorowujące cykle przyrody i ludzkiego życia. Wspólnie snują opowieści przekraczając granice czasu i gatunków muzycznych, czerpiąc z wieloletnich podróży Maniuchy do śpiewaczek z ukraińskich wsi i wspólnej muzycznej wyobraźni. Niejednokrotnie sięgają także do archiwalnych nagrań z polskich wsi tego terenu.

Maniucha Bikont i Ksawery Wójciński występowali m. in w Pardon To Tu, otrzymali pierwsze miejsce na Turnieju Muzyków Prawdziwych, organizowanym przez Filharmonię Szczecińską w kategorii Soliści Wokaliści (2015) oraz Nagrodę Specjalną im. Czesława Niemena na Festiwalu Polskiego Radia Nowa Tradycja (2016).

„Maniucha Bikont to wyjątkowa wokalistka. Aby poznać intonację, sposób śpiewania, zdobnictwo, sięgała aż do źródeł. Śpiewa piosenki z różnych miejsc, m.in. Mazowsza i Południa. Wnika też zawsze głęboko w znaczenie, w kontekst, a to też zdarza się bardzo rzadko. Bardzo się cieszę, że nagroda imienia Czesława Niemena trafiła właśnie do niej. Czesław zawsze przykładał dużą wagę do źródeł, lubił wykonawców, którzy byli bliscy swoim korzeniom. Ten duet idealnie spełnia jego kryteria.”

– Maria Baliszewska, Polskie Radio

„Duet wokalno-basowy to rzadkie połączenie. To bardzo odważne i odważne wymyślić materiał koncertowy w oparciu o tak mały zespół. Ci dwaj muzycy odnieśli sukces dzięki swojej dojrzałości, zdyscyplinowanemu minimalizmowi i niesamowitej precyzji. Mam na myśli nie tylko aspekt zawodowy, ale także odniesienia stylistyczne, szczególną estetykę, jaką tworzą, głęboką znajomość źródeł, świadomość kontekstów, do których się odnoszą, powiązań, jakie przekazują. Ich występ jest pełen niuansów i uwrażliwia. Urzekła mnie tak piękna, tak autentyczna i tak przekonująca propozycja.

Bas tworzy tu autonomiczne środowisko, emocjonalny rozwój muzyki duetu. Ksawery jest basistą jazzowym, ale z mocnym wykształceniem akademickim i doskonale zna się na tym, co robi. Opanował różne techniki i wykorzystuje je świadomie. Pomiędzy głosem a instrumentem toczy się nieustająca „rozmowa”. Bas jest immanentną częścią tego dialogu, który powstaje na żywo na scenie i brzmi w naszych uszach. Rezultat jest niezwykły.”

– Olo Walicki, muzyk

Mitch & Mitch to polski zespół, który istnieje na rynku muzycznym od 2002 roku. Debiutowali podczas Festiwalu Kina Niemego z muzyką do filmu „Zaginiony świat”, występowali i współpracowali ze Zbigniewem Wodeckim, czego owocem był świetnie przyjęty album „1976: A Space Oddysey”. W 2016 roku razem ze Zbigniewem Wodeckim zdobyli dwa Fryderyki: Album roku pop oraz Utwór roku.

Mitch & Mitch dwa lata po wydaniu Frisco Moods EP, cztery lata po brazylijskiej przygodzie z Kassinem i sześć lat po obsypanej nagrodami płycie ze Zbigniewem Wodeckim, zabrali się za kompozycje Ennio Morricone. Dzięki inicjatywie Drugiego Programu Polskiego Radia udało się projekt zawiązać, a dzięki inicjatywie Jazzboy Records – utrwalić na płycie.

Na jej repertuar złożyły się utwory z okresu twórczości Morricone w latach 1969-1971, co znających dotychczasową podróż artystyczną Mitch & Mitch nie powinno specjalnie zaskakiwać.

Mitch & Mitch w tym wydaniu występują jako Mitch & Mitch con il loro Gruppo Etereofonico w składzie:

  • Anna Baranetti – waltornia
  • Anna Brachacci – bas
  • Maddalena Gae’Gizza – wokal, flet poprzeczny
  • Maddalena K. Penqala – wibrafon, dzwonki, instrumenty perkusyjne
  • Margherita Sarbacchi – mellotron, klawesyn, fortepian
  • Mitch a.k.a. Michele – gitara elektryczna
  • Mitch a.k.a. Michele – perkusja

LAJ – KARNET

Tegoroczna, 17. Letnia Akademia Jazzu rozpocznie się 4 lipca i potrwa do 29 sierpnia. Co tydzień w naszym Klubie czekają na Was wyjątkowe, jazzowe koncerty. Na scenie pojawią się światowe gwiazdy tego gatunku, awangardowe zespoły a także niezwykle zdolni, debiutujący muzycy.

W tym roku również możecie kupić karnet na wszystkie koncerty! Karnet obejmuje koncerty z cyklu INTL (International Jazz Platform).

Jazzowe lato w Wytwórni! Serdecznie zapraszamy!

LAJ: KOŁYSAŁA MAMA SMOKA. KONCERT FAMILIJNY

Kołysała Mama Smoka

Pełna czarów opowieść z krainy snu. Kołysanki otwierają przed dziećmi nowe obrazy: w półmroku płyną rozświetlone statki, księżyc zasypia w łóżeczku, królewna śni o królewiczu a kotek o myszce. Nie opowiadamy historii, po prostu zanurzamy się w ciepły i szczęśliwy sen.

Słowa to kołysanki naszej ukochanej Joanny Papuzińskiej, ale także po jednej z poetek naszego dzieciństwa, czyli Danuty Wawiłow, Kazimiery Iłłakowiczówny, Ewy Szelburg-Zarębiny, z muzyką Kaji i Janusza Prusinowskich. Scenografię stanowi slajdowisko z akwarelami Kaji do wierszy Joanny Papuzińskiej.

Kaja Prusinowska – śpiewaczka, autorka scenariuszy, melodii i scenografii, pedagog i mama piątki dzieci. Kolekcjonerka dawnych zabaw i wszelkich przejawów folkloru dziecięcego, zbierająca bajkowe wątki i powiązania zabaw z różnych stron świata z pokrewnymi wątkami dawnej Rzeczpospolitej. Kieruje dziecięcą częścią festiwalu Wszystkie Mazurki Świata, czyli Małymi Mazurkami. W 2017 roku Kaja i cały teatr SU zostali wyróżnieni udziałem w niezwykłej wystawie „Patrioci codzienności” w Muzeum dla Dzieci w
Państwowym Muzeum Etnograficznym w Warszawie. Laureatka Grand Prix nagrody krytyków muzycznych „Kropka” za najlepszy tekst o muzyce w 2016 r. Nagrodzonym tekstem był esej o kołysankach “Mama ma, trochę dobra, trochę zła”.

Janusz Prusinowski – skrzypek, lirnik, cymbalista, harmonista, śpiewak, kompozytor i organizator. Prekursor odrodzenia wiejskiej tradycji muzycznej w Polsce .Gry na skrzypcach uczył się u mistrzów – Jana Lewandowskiego, Kazimierza Meto, Piotra i Jana Gaców, Tadeusza Jedynaka, Józefa Zarasia, Jana Ciarkowskiego i wielu innych. Jest inicjatorem i dyrektorem artystycznym festiwalu Wszystkie Mazurki Świata. Prowadzi warsztaty śpiewu, tradycyjnej gry na skrzypcach, tańca i podstaw mazurka. Koncertował w większości krajów Europy, Afryce, Azji i Ameryce Północnej, grając wraz z wielu wybitnymi muzykami sceny etno, jazz i muzyki klasycznej.

Instrumenty: cymbały, skrzypce, flety, saksofon, rożek, bębny, harmonia, kannel, fisharmonia, drumla, gliniane gwizdki i fujarki…

WYSTĘPUJĄ:

Kaja Prusinowska
Janusz Prusinowski
Piotr Piszczatowski
Michał Żak

Dzieci:
Stefan Żak

LAJ: WODECKI TWIST

Wodecki Twist to projekt pod kierownictwem muzycznym Tomasza Szymusia. Na koncercie wystąpią znani i cenieni polscy Artyści: Anna Maria Jopek, Ania Rusowicz, Alicja Majewska, Wiktor Dyduła, Wiktor Waligóra, Włodzimierz Korcz, którzy wykonają utwory Zbigniewa Wodeckiego w specjalnie przygotowanych aranżacjach. Założeniem projektu Wodecki Twist jest nie tylko przypomnienie wspaniałej i bogatej twórczości legendarnego polskiego muzyka – Zbigniewa Wodeckiego, ale także łączenie stylów muzycznych, miejsc, Artystów i publiczności; skracanie dystansu oraz nawiązywanie kontaktu z publicznością. Dzięki temu mamy okazję usłyszeć znane i lubiane przeboje Wodeckiego w zupełnie odmienionych wersjach i interpretacjach. Koncert odbędzie się w ramach współpracy z Fundacją im. Zbigniewa Wodeckiego.

LAJ: PIFF PAW. KONCERT FAMILIJNY

Koncert Piff Paw „Dżdżownica na karuzeli” to piosenki, które rozśmieszą zarówno dzieci jak i dorosłych. Zabiorą na latającym dywanie w krainę wyobraźni, rozhuśtają swingiem i bluesem, zaproszą na muzyczną trampolinę szaleństw przy akompaniamencie nieznanych dotąd instrumentów. Piff Paw zagra i zaśpiewa o tym, co dzieci kochają najbardziej: o rowerach, kąpielach w pianie, kasztanowych ludzikach i żołędziowych konikach, o dżdżownicach, które wychodzą się bawić w deszczowy dzień. Zachęcą do tworzenia własnych instrumentów. Na koncercie dozwolone jest śpiewanie na całe gardło, tańczenie i tulenie się do rodziców.

Piff-Paw tworzą:

Aga Kiepuszewska – głos, dzwonki

Nikola Kołodziejczyk – instrumenty klawiszowe, syntezator Moog’a

Kasia Białorucka – flet poprzeczny, flet altowy

Szymon Białorucki – puzon, baryton marszowy, syntezatory

Kasia Szetela-Pękosz – głos, skrzypce

Maciej Szczyciński – kontrabas

Michał Pękosz – instrumenty perkusyjne, handpany

Autorkami piosenek są Ela Madreiter (teksty) i Aga Kiepuszewska (muzyka), które w czasie pandemii połączyły siły, żeby stworzyć coś bliskiego zarówno dzieciom jak i dorosłym. Nikola Kołodziejczyk – kompozytor i aranżer, dostał misję specjalną zaaranżowania tych piosenek tak, by podobały się dzieciom najbardziej na świecie.

Ela Madreiter zadebiutowała w 1998 roku tomikiem wierszy „Zapach powietrza” nakładem Wydawnictwa Klubu Literackiego Centrum Kultury „Zamek” w Poznaniu. W roku 2005 ukazał się drugi, autorski zbiór wierszy “Drogi okrężne”. Publikowała m.in.: w czasopismach literackich Fraza i Akcent. Jest autorką dwujęzycznych tekstów piosenek do polsko-niemieckiej płyty „emigracja” dla Anny Nova. Zajmuje się również ilustracją, grafiką, instalacją i fotografią. Jest założycielką atelier dziecięcego Es klappt. Obok eksperymentalnej edukacji artystycznej dzieci jest autorką licznych książek dydaktycznych do nauki plastyki w szkole.

Aga Kiepuszewska jest absolwentką kierunków: dyrygentura chóralna oraz wokalistyka jazzowa. Studiowała również kompozycję i muzykę dawną w Conservatorio di Santa Cecilia w Rzymie. Pracowała z chórami dziecięcymi (K40 w podwarszawskim Komorowie), młodzieżowymi (Joyful Voice w Krakowie), jak również chórem gospel dla seniorów (Gospel Wings z Jaworzna). 

Ma na swoim koncie dwie autorskie płyty „Silence” i „Fala”. Występowała w dużych formach wokalno-instrumentalnych: we współczesnej operze Pawła Mykietyn „Czarodziejska Góra”, w spektaklu muzyczno-baletowym „Kryptonim 27”, w oratorium Jerzego Satanowskiego w reżyserii Krystyny Jandy „Pamiętniki z powstania warszawskiego”. Ponadto wystąpiła w premierowych koncertach dzieł Nikoli Kołodziejczyka, m. in. „Koncercie Brzezińskim”,„Śpiewnikach domowych Moniuszki”, „Chord Nation”, Symfonii „Powrót do Macierzy”, „Balladach i romansach”.

Nikola Kołodziejczyk to absolwent kierunków: fortepian jazzowy oraz aranżacja i kompozycja. Zdobywca wielu nagród, m.in.: dwóch Fryderyków — Jazzowy Debiut Roku 2015 za suitę na orkiestrę jazzową „Chord Nation” i Jazzowy Album Roku 2016 za suitę „Barok Progresywny” z udziałem instrumentów ludowych, historycznych oraz improwizatorów. Wraz z Michałem Bryndalem i Maciejem Szczycińskim współtworzy Stryjo — trio poświęcone improwizowanym kompozycjom. Skomponował kilka koncertów instrumentalnych takich jak koncert fortepianowy dla Dominika Wani, koncert na puzon dla Barta van Liera, suitę na orkiestrę smyczkową AUKSO, trąbkę (Samuel Laser) i puzon (Tomasz Dąbrowski). Aranżacje orkiestrowe Nikoli można usłyszeć także na płycie „Czułe struny” Natalii Kukulskiej.

GO! ON STAGE FESTIVAL

Po ponad dwóch latach od wydania świetnie przyjętego przez krytyków oraz środowisko hip-hopowe albumu „Koło”, duet Lordofon prezentuje nowy krążek! „Passé” to zbiór 12 utworów, które sprawnie łączą w sobie cechy gatunkowe indie rocka, punku i rapu. Chwytliwe popowe hity z autoironicznymi, słodko-gorzkimi i mocno nostalgicznymi tekstami piosenek, w których aż roi się od nawiązań do szeroko pojętej popkultury.

Przedpremierowo, latem 2022 roku, artyści mieli okazję zaprezentować namiastkę materiału z „Passé” na scenach OFF Festival, Enea Edison, Stay Wild czy Polish Hip Hop Festival. Materiał stworzony na nowy album chłopaków sprawdzi się nie tylko na najbliższych letnich festiwalach, ale także w klubowym anturażu.

Nowy projekt bazuje na internetowej estetyce lat 00s i 10s. Do pracy nad komunikacją płyty zespół zaprosił grafika Dollar Moda (ĆPAJ STAJL, Szczyl) oraz fotografa Karol Gustavva Małeckiego (Rubens, Daria Zawiałow).

Finał Intl Jazz Platform / JAGA JAZZIST

Część I: Koncert finałowy uczestników

Koncert uczestników wieńczący warsztaty będzie pierwszą częścią kolejnego dnia festiwalowego, kiedy to nie tylko publiczność, ale także organizatorzy przysłuchują się występom z dużą uwagą. Najzdolniejszych i najbardziej zaangażowanych zapraszają w kolejnych edycjach do udziału w koncercie na dużej scenie festiwalowej.

Część II: JAGA JAZZIST

Jaga Jazzist to legendarny ośmioosobowy zespół elektroniczno-jazzowy założony w 1994 roku, gdy jego główny songwriter Lars Horntveth miał zaledwie 14 lat. Dwa lata później ukazał się ich debiutancki album Jævla Jazzist Grete Stitz, a Norwegia mogła po raz pierwszy usłyszeć ich połączenie jazzowej wirtuozerii i elektronicznej dziwaczności. Dwa lata później ukazało się Magazine EP, ale to dopiero A Livingroom Hush z 2001 roku przykuło najwięcej uwagi mediów dzięki bardzo ciepłemu przyjęciu krytyki i fanów oraz szerszej dystrybucji w Norwegii. Kultowa wytwórnia Ninja Tune w 2002 roku zajęła się wydaniem albumu na całym świecie, a słuchacze radia BBC ukoronowali go Jazzowym Albumem Roku. Od tego czasu zbudowali sobie pokaźną dyskografię, a każde kolejne wydawnictwo jest prawdziwym muzycznym wydarzeniem.

Koncert tej legendarnej grupy będzie z pewnością wyjątkowym wydarzenia dla wielu fanów muzyki improwizowanej, jak i zgromadzonych w Wytwórni uczestników warsztatów.

INTL: Signe Emmeluth/ ONDER / Koncert mistrzowski

Część I: Signe Emmeluth Amoeba

Niezwykle oryginalny zespół avant-jazzowy prowadzony przez norweską saksofonistkę młodego pokolenia – Signe Emmeluth, która w 2020 roku uświetniła naszą scenę jako część hipnotyzującej Supersonic Orchestra Garda Nilssena, a ze swoim autorskim projektem przyjedzie do Polski po raz pierwszy. Współpracowała z takimi artystami jak Paal Nilssen-Love i Mette Rasmussen. W ramach wieczornego koncertu Intl Jazz Platform wystąpi ze swoim zespołem, w skład którego wchodzą jedni z najbardziej znanych muzyków obecnej fali skandynawskiego avant-jazzu.

Pianista Christian Balvig gra z duńską supergrupą Efterklang i komponował muzykę dla dużych orkiestr, takich jak Copenhagen Philharmonic Orchestra. Gitarzysta Karl Bjorå prowadzi zespoły Megalodon Collective, Yes Deer i Aperture. Perkusista Ole Mofjell grał z legendą nagrań ECM Jonem Balke i gitarzystką Hedvig Mollestad. Amoeba Emmeluth wydała albumy Polyp i Chimaera w norweskiej wytwórni Øra Fonogram.

Część II: ÖNDER

Önder Jorta Terwijna to zespół składający się z kontrabasu, gitary basowej, dwóch klarnetów basowych i perkusji. Tworzą świeżą i rzadką instalację instrumentów basowych w kontekście akustyczno-elektronicznej muzyki instrumentalnej. Kompozycje przechodzą od hipnotycznych, labiryntowych dronów do pociętych bitów i od otwartych pejzaży dźwiękowych do ostrej awangardy, nieustannie poszukując nowych zakrętów w muzycznej linii jazzu.

Część III: Koncert mentorów – Signe Emmeluth, Marc Ducret, Joanna Duda, Nick Dunston, Christian Lillinger Podczas ostatniej części tego wieczoru wystąpią mentorzy warsztatów, które prowadzone będą równolegle podczas festiwalu. Po raz pierwszy artyści wystąpią w tym składzie prezentując w pełni improwizowany set. Koncerty te są zawsze wyjątkowym wydarzeniem, podczas którego artyści z zupełnie różnych światów spotykają się na scenie tworząc przepiękną i głęboką muzykę. Nieograniczone możliwości instrumentalne, niezwykła pokora, wzajemny szacunek oraz przyjaźń zainicjowana podczas warsztatów sprawiają, że połączenie tych odległych światów jest nie tylko możliwe, ale i bardzo satysfakcjonujące zarówno dla artystów na scenie, jak i zgromadzonej w Wytwórni publiczności.

INTL: Nick Dunston Skultura / Vagan & MIRROR IMAGE

Część I: Tarwid /Wójciński / Szabłowski

Powstanie tego zespołu było sprawą nieuchronną. Jest to spotkanie trzech muzyków których łączy niezwykłe porozumienie i intuicja muzyczna. Główną ideą zespołu jest nie skrępowana niczym improwizacja i tworzenie muzyki w czasie rzeczywistym. Trio Tarwid Wójciński Szablowski redefiniuje ideę klasycznego trio wykraczając dalece poza ramy gatunków stylów i konwencji

Część II: Nick Dunston Skultura – Polska premiera

Kunszt, wirtuozeria, zaufanie, wrażliwość. To filary, na których Skultura – międzynarodowy kwartet założony w Berlinie, który po raz pierwszy zaprezentuje się w Polsce – zbudował swoje różnorodne elektroakustyczne i improwizowane struktury. Kompozycje basisty i lidera zespołu Nicka Dunstona zawsze zapewniają przestrzeń, której jego towarzysze broni potrzebują, aby ich współpraca mogła się w pełni rozwinąć: Liz Kosack na syntezatorach, Eldar Tsalikov na saksofonie i klarnecie, Ayşe Cansu Tanrıkulu z jej akrobacjami wokalnymi i różnymi procesorami efektów. Fakt, że cała konstrukcja może się w każdej chwili zawalić, jest brany pod uwagę i jest częścią tego, co sprawia, że Skultura jest tak fascynująca.

Część III: Ole Morten Vagan & Mirror Image

Mirror Image to nowy zespół składający się z najbardziej wyjątkowych głosów skandynawskiego jazzu. Jest to eklektyczna mieszanka, w której inspiracja współczesną muzyką klasyczną łączy się z afrykańską muzyką ludową, a także z mocną i luźną stroną jazzowego idiomu. Muzyka jest w większości komponowana przez basistę Ole Mortena Vågana (znanego również jako dyrektor artystyczny The Trondheim Jazz Orchestra), ale repertuar może każdej nocy zawierać hity takich sław jak południowoafrykańscy emigranci z lat 70-tych Brotherhood of Breath, a także utwory barokowego kompozytora Jeana Ph. Rameau. Jak pokazuje ich współpraca z Atomic, Toumani Diabate, Team Hegdal, Bill Frisell/The Intercontinentals, Nacka Forum, Emmeluths Amoeba, Koma Saxo, Motif, Paavo mf.l. a.o., muzycy ci już od dekady lub dwóch odcisnęli swoje piętno na nordyckiej i europejskiej scenie jazzowej.

Zespół wystąpi w składie:

Sofia Jernberg – wokal

Håkon Aase – skrzypce

Signe Emmeluth – saksofon

Jonas Kullhammar – saksofon

Eirik Hegdal – instrumenty dęte drewniane

Sidiki Camara – perkusja

Hans Hulbækmo – perkusja

Ole Morten Vågan – bas.

INTL: Broos & Peet / Erlend Apneseth & Maja Ratkje

Część I: haalvver

haalvver to Emilia Gołos (głos, fortepian, elektronika) i Szymon Wójcik (elektronika, gitara el.) grający połamane struktury pieśniowe o wszelkiego rodzaju egzystencjalnej niepewności, beznadziejnych perspektywach i niekończącej się otchłani.
Ich muzyka to połączenie eksperymentalnego popu, współczesnej elektroniki, dużej dozy minimalizmu i wielu innych ulubionych gatunków muzycznych.

Część II: Niels Broos & Jamie Peet

Wschodzące gwiazdy free-form hip-hopu, elektroniki i jazzu. Holenderskie talenty Niels Broos i Jamie Peet połączyli siły, aby wydać swoją debiutancką wspólną EP-kę w Super-Sonic Jazz Records. Niels Broos, który zwrócił na siebie uwagę dzięki swojej muzyce z Brainfeeders Jameszoo i The Kyteman Orchestra, tworzy gobelin hipnotycznych melodii i szalonych harmonii na szczycie zręcznych bębnów perkusisty Jamiego Peeta. Ten wspólny sojusz tworzy projekt, która wpisuje się w młodą współczesną scenę jazzową, poszukując osobliwych i odważnych dźwięków.

Część III: Erlend Apneseth Trio & Maja Ratkje „Collage”

Najnowszy projekt uznanego norweskiego zespołu Erlend Apneseth Trio powstał we współpracy z uznaną eksperymentalną kompozytorką i wokalistką Mają Ratkje. To kolejny projekt, który premierowo zostanie zaprezentowany w Polsce na scenach Wytwórni.

Różnorodność dźwięków, które składają się na ten wspaniały i trafnie nazwany „Collage” jest zdumiewająca. Dźwięki żywiołów wahają się od wyjącego wiatru i delikatnego, jasnego dzwonienia owczych dzwonków po ponadczasowe szumu małego strumienia wody. Dobrze wyważona różnorodność akustycznych i elektrycznych dźwięków stała się znakiem rozpoznawczym zespołu. Jest stale obecna, uzupełniając i tworząc nowe improwizacyjne szlaki do naśladowania.

INTL: PIXVAE

Pixvae to nazwa botanicznego eksperymentu – krzyżówki owocu palmowego i brzoskwini. W muzyce – w równie hybrydalny sposób – łączy ze sobą dwa tria i zarazem dwa przeciwstawne muzyczne style: francuską math-nois-rockową „Koumę” określaną mianem „zmutowanego tria mocy” (Sic!) i kolumbijską formację „Bambazu” z jej ciepłymi i rytmicznymi kompozycjami wokalnymi wybrzeża południowego Pacyfiku. Francuzi czasem dostosowują się do kolumbijskiego metrum, Kolumbijczycy dają pohałasować na swoim podwórku. Wynik tej polityki ustępstw, kontrolowanej eklektycznej symbiozy jest co najmniej spektakularny.

Koncert ten odbędzie się w ramach ekologicznej trasy koncertowej zorganizowanej w ramach europejskiego projektu „Better Live”, który realizowany jest w 9 krajach UE, w tym w Polsce, i ma na celu wdrażanie zrównoważonych rozwiązań w sektorze muzyki live i budowanie bardziej świadomych i ekologicznych tras koncertowych dla europejskich artystów. 

Projekt Better Live dofinansowany jest ze środków Komisji Europejskiej w ramach Kreatywnej Europy oraz ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach Funduszu Promocji Kultury.

Goło i wesoło

Komedia „Goło i wesoło” autorstwa Stephena Sinclaire’a i Anthony’ego McCartena zawojowała już cały świat. Nie schodzi z afisza od prapremiery w Mercury Theatre w Auckland w Nowej Zelandii, która miała miejsce w 1987 r. To mówi samo za siebie! Spektakl wyprodukował Teatr Gudejko, odpowiedzialny za takie hity jak „Berek, czyli upiór w moherze”, „Nerwica natręctw” czy „Między łóżkami”.

„Goło i wesoło” to historia kilku bezrobotnych z Tomaszowa Mazowieckiego, którzy wpadają na pomysł, by założyć grupę striptizerów. Pod nazwą „Napalone Nosorożce” planują zrealizować marzenie o wielkiej karierze, która przerwałaby pasmo życiowych porażek. Będziemy więc towarzyszyć im w tym zuchwałym przedsięwzięciu, obserwując, jak pobierają pierwsze, nieudolne lekcje tańca, starają się o występ w klubie Eden (jedynym w mieście) czy wreszcie – po wielu godzinach ćwiczeń – dają swój premierowy, niezapomniany występ. 

„Goło i wesoło” to zaskakująca i przezabawna komedia. Za opracowanie artystyczne spektaklu odpowiada Tomasz Sapryk, a na scenie będziemy mogli zobaczyć m.in. Katarzynę Ptasińską, Sebastiana Cybulskiego, Michała Lesienia-Głowackiego i Piotra Zelta. 

Przed nami gorący wieczór w towarzystwie „Napalonych Nosorożców”. Jesteście gotowi?
Obsada:
Katarzyna Ptasińska

Sebastian Cybulski / Maciej Mikołajczyk

Wojciech Solarz / Maciej Mikołajczyk

Michał Lesień-Głowacki / Maciej Mikołajczyk

Michał Meyer / Maciej Mikołajczyk / Krzysztof Piątkowski

Marek Kaliszuk

Piotr Zelt / Maciej Mikołajczyk

Autor: Stephen Sinclair & Anthony McCarten

Przekład: Lou Rising

Opracowanie artystyczne: Tomasz Sapryk

Scenografia: Wojciech Stefaniak

Choreografia: Krzysztof Kris Adamski

Produkcja: Teatr Gudejko


Spektakl tylko dla dorosłych!