Miesiąc: kwiecień 2023

HOSHII
Zapraszamy na najnowszy projekt saksofonisty Kuby Więcka – Hoshii (co po japońsku oznacza „pragnąć”). Kuba powraca na scenę z kwartetem jazzowym, którego brzmienie wzbogacił o nowe doświadczenia jako producent muzyki hip-hopowej i alternatywnej. Jako inspirację wymienia m.in Flying Lotus, JPEGMafia oraz Sega Bodega.W skład zespołu wchodzą również: pianista Grzegorz Tarwid, z którym Kuba studiował w Kopenhadze, Max Mucha – basista znany m.in ze współpracy z Christianem Scottem oraz perkusista Miłosz Berdzik, świeżo upieczony absolwent Berklee College of Music.
Kuba Więcek – saksofon altowy, elektronika
Grzegorz Tarwid – syntezatory
Max Mucha – gitara basowa
Miłosz Berdzik – perkusja, glockenspiel

LINDA FREDRIKSSON JUNIPER
Linda Fredriksson to fińska saksofonistka wyróżniająca się wśród artystów jazzowych w Finlandii ale również za granicą. Jest znana ze swojej pracy z Superposition, Ricky-Tick Big Band i Mopo Trio oraz jako kompozytorka. Współpracuje z wieloma artystami. Fredriksson była wielokrotnie nominowana do listy Rising Star magazynu DownBeat. Ostatnio wydała swoją solową płytę Juniper. Album to piękna medytacja na temat osobistych uczuć, stworzona z dźwięków nagrywanych przez wiele lat. Linda rozważa w niej zagadnienie parametrów, które sprawiają, że utwór można nazwać dobrym lub złym, nie tylko w odniesieniu do głosów, ale także do instrumentów, takich jak saksofon (który ma szeroki zakres dźwięków od agresywnego free jazzu po kojące kołysanki). Linda fascynuje się detalami, które wpływają na odczucia związane z grą, takimi jak frazowanie, czas i barwa głosu.

ANKER, DRAKSLER, WESTERHUS, DUNSTON, DAHLEN
Wspólny koncert wykładowców INTL JAZZ PLATFORM 2023

Skalpel to polski duet nu jazzowy tworzony przez dwóch producentów nagrań oraz didżejów – Marcina Cichego i Igora Pudłę. Skalpel niezwykle umiejętnie łączy tradycję z nowoczesnością. Inspirują ich utwory jazzowe z lat 60. I 70., które wykorzystują do tworzenia swojej własnej muzyki. Efektem takiego połączenia jest nowe, niesamowite brzmienie. Ich muzyka to kompilacja jazzu z zacięciem do elektroniki i hip-hopu. Na swoim koncie mają sporo sukcesów;  didżejskie miksy duetu można było usłyszeć w radiu BBC a w roku 2009 zostali wyróżnieni Paszportem Polityki. Zespół działa na polskiej scenie już od 2000 roku i od tego czasu wydał 5 albumów.

Tropical Soldiers in Paradise to siedmioosobowy zespół tworzący muzykę inspirowaną hip-hopem, jazzem, afrobeatem, oraz latynoamerykańską rytmiką. Szerokie instrumentarium w skład którego wchodzą zarówno instrumenty tradycyjne jak i współczesna elektronika tworzy unikalny styl grupy. Połączenie kojących melodii z wybuchowymi improwizacjami stanowi o niespotykanym charakterze zespołu który mimo swojej przystępności zachowuje nieprzewidywalną żywiołowość.

Marcin Sojka – MPC, perkusja, ksylofon 
Maciek Łepkowski – gitara elektryczna
Tymek Bryndal – gitara basowa
Emilia Gołos – klawisze, syntezatory
Filip Krzysztoporski – perkusjonalia
Grzegorz Pałka – puzon
Kuba Łupiński – trąbka

MARY LATTIMORE
Mary Lattimore, harfistka. Pochodzi z Los Angeles. Lubi eksperymentować ze swoim instrumentem. Wydała solowe albumy. Współpracuje i nagrywa z wieloma artystami. Mary komponowała muzykę do eksperymentalnych niemych filmów. Jej najnowszy album „Collected Pieces” został wydany w 2017 roku na kasecie i w formie cyfrowej przez wytwórnię Ghostly International. W 2014 roku Mary otrzymała nagrodę Pew Fellowship in the Arts.

MACIEJ OBARA
Maciej Obara Quartet jest wyjątkowym zespołem. Współtworzą go: Dominik Wania, pianista o doskonałej technice i klasycznym wykształceniu, stanowi równowagę dla intensywnego brzmienia saksofonu altowego Obary, sekcję rytmiczną kwartetu stanowią norwescy muzycy – kontrabasista Ole Morten Vågan i perkusista Gard Nilssen. Zespół zaprezentuje utwory ze swojej najnowszej płyty „Frozen Silence”, które powstały pod wpływem czasu spędzonego w Karkonoszach oraz wyjątkowego stanu odłączenia od cywilizacji, który towarzyszył pandemii. Utwory są rozbudowane i mają sprecyzowaną formę, ale nadal pozostają otwarte na improwizację. Album ten jest najdojrzalszym albumem kwartetu Obary, balansującym między studyjnym a koncertowym wykonaniem. Sesja nagraniowa odbyła się w czerwcu 2022 roku w Rainbow Studio w Oslo. 

STIAN WESTERHUS & PALE HORSES
Stian Westerhus urodził się 2 kwietnia 1979 roku w norweskim Steinkjer. Posiada wykształcenie jazzowe. W swojej karierze występował z eksperymentalnym zespołem Puma, z którym nagrał cztery albumy. Artysta jest również autorem solowych płyt, w tym wydanego w 2014 roku przez wytwórnię Rune Grammofon albumu pt. „Maelstrom”. Stian Westerhus współpracował z takimi muzykami jak Terje Isungset, Sidsel Endresen i Jaga Jazzist. Jego muzyka jest niełatwa w odbiorze, ale warto ją poznać!Podczas koncertu będzie można usłyszeć utwory z najnowszej płyty Stiana Westerhusa, która powstała we współpracy z zespołem Pale Horses. Album ten charakteryzuje się abstrakcyjnym brzmieniem gitary, klawiszy i perkusji, które w połączeniu z wokalem tworzą niesamowity nastrój i rozbudzają wyobraźnię słuchacza. Będzie to wyjątkowa okazja, aby poznać niezwykle oryginalnego muzyka i jego wirtuozowską grę na gitarze.

Goran Kajfeš urodził się w 1970 roku w rodzinie imigrantów. Jego ojciec, przed emigracją do Szwecji, był pianistą w jugosłowiańskiej orkiestrze. Kajfeš już jako dziecko wykazywał niebywały talent muzyczny. Dziś jest jednym z najbardziej znanych szwedzkich muzyków jazzowych. Współpracuje z różnymi zespołami jazzowymi, free-jazzowymi. W 2012 roku założył swoją własną orkiestrę jazzową, Subtropic Arkestra, która wydała debiutancki album „The Reason Why, Vol. 1” w 2013 roku. Goran kontynuuje koncertowanie z tym projektem. Wydał również kolejne części albumu „The Reason Why, Vol. 2” i „The Reason Why, Vol. 3”, które zebrały bardzo pochlebne recenzje. Nie możemy się doczekać występu Kajfeša z Subtropic Arkestra! To będzie prawdziwe święto!

Matt Dusk w świątecznej trasie koncertowej A Very Sinatra Christmas Tour

Zdobywca kilku platynowych płyt, doskonale znany i ceniony w Polsce wokalista w sezonie zimowym po raz kolejny podzieli się świątecznym ciepłem i energią w ramach trasy A Very Sinatra Christmas.

Wykorzystując swój smooth jazzowy feeling, Matt Dusk zabierze publiczność do zimowej krainy, w której magia świąt ożywa. Nastrojowe wykonania i zaraźliwa energia tej muzyki sprawiają, że nawet największy sceptyk zaśpiewa razem z artystądoskonale znaneklasyki Let It Snow, Santa Claus is Coming To Town czy Jingle Bells. Koncerty Matta Duska to spektakle przepełnione radością przenoszącą widzów do czasów, kiedy Boże Narodzenie było wielkim rodzinnym świętowaniem.

Muzyka świąteczna zawsze zajmowała specjalne miejsce w moim sercu i jestem zaszczycony, że mogę dzielić się nią z publicznością na całym świecie dzięki trasie A Very Sinatra Christmas – mówi artysta.

Matt Dusk od lat czaruje jazzowo-swingującymi hitami, a publiczność koncertowa uwielbia go za atmosferę, jaką wprowadza podczas spotkań na żywo. Pochodzący z Kanady wokalista, muzyk i kompozytor to twórca oryginalnych projektów z pogranicza jazzu, swingu i popu. Artysta sprzedał ponad milion albumów na całym świecie, ma na swoim koncie cztery złote i sześć platynowych albumów, a także liczne nagrody i nominacje. Polscy fani zpewnością pamiętają utwór My Way/Szczęście jest we mnie, będący muzycznym hołdem oddanym Zbigniewowi Wodeckiemu.

Nie przegapcie szansy na doświadczenie radości i magii A Very Sinatra Christmas – łapcie bilety i przygotujcie się na ring-a-ding-ding-ding w okresie świątecznym – zaprasza Matt Dusk.

Piotr Damasiewicz – kompozytor, trębacz, multiinstrumentalista, edukator, podróżnik oraz kurator międzynarodowych platform muzycznych. Oprócz studiów gry na trąbce kształcił się w zakresie kontrabasu, fortepianu, klasycznego śpiewu – w tym chorału gregoriańskiego. Studiował także dyrygenturę chóralną i kameralną, aranżację i kompozycję. W swojej twórczości sięga do języka jazzu, XX-wiecznej muzyki klasycznej, muzyki etnicznej, muzyki najnowszej, w tym europejskiej muzyki improwizowanej i eksperymentu. Damasiewicz już od ponad dekady jest w nieustannej muzycznej i nie tylko ,,drodze”. Można powiedzieć, że charakteryzuje go bycie ,,w ciągłym ruchu’’. Odwiedza różne miejsca, przestrzenie i kultury, tam tworzy generując różne połączenia dźwiękowe.

Obecnie działa w obrębie powołanej przez siebie muzycznej platformy pod nazwą L.A.S. listening and sounding, stworzoną na własne potrzeby wydawnicze oraz koncertowo-warsztatowe. Wydawnictwo to pomimo iż działa na dość krótkiej przestrzeni czasu, zostało już wysoko ocenione w branży muzycznej. Płyty Damasiewicza gdzie realizuje autorskie projekty pod szyldem L.A.S. listening and sounding znalazły się w czołówce płyt jazzowych 2021/2022. Artyści, z którymi Piotr Damasiewicz współpracował to m.in.: David Murray, Jason Moran, James Carter, Tomasz Stańko, Lotte Anker, Magda Mayas, Phil Minton, Jeb Bishop, Andrzej Bauer, Dave Rempis, Michael Zerang, Paul Nilsen Lowe czy Skalpel. Stale współpracuje z Maciejem Obarą i Dominikiem Wanią. Artysta ma na swoim koncie wiele nagród oraz wyróżnień, w tym Fryderyka, nagrodę Artysta Roku JazzPress czy nagrodę Najlepsza Polska Płyta Jazzowa przyznawaną przez Ether Jazzu.

Podczas 16. Letniej Akademii Jazzu Piotr Damasiewicz wystąpi z projektem Intro the Roots Watra. Jest to najnowszy album Artysty; połączenie tradycyjnego jazzu z beskidzką muzyką góralską, które w efekcie dają efekt awangardy i etniczności. Muzyka z okolic Babiej Góry została połączona z jazzem i dźwiękami świata.

SUZANNE to Maëlle Desbrosses, Hélène Duret i Pierre Tereygeol, młodzi
artyści pochodzący z Francji. Suzanne to szumiący głos, szepczący ponadczasowe wspomnienia, który tworzy pieśni ludowe nowego stulecia.
Trio tworzy złożone, harmonijne kompozycje, spotykające się z tradycyjnymi rytmami, wymagającym muzycznym pisaniem i powszechnym improwizowanym językiem, który zawsze przekracza swoje granice.

Dofinansowano ze środków Unii Europejskiej w ramach programu Kreatywna Europa.

Bastarda oraz João de Sousa odnosząc się do tradycyjnych utworów Fado stworzyli nową, oryginalną opowieść muzyczną. Współczesne, autorskie aranżacje i opracowania tych niezwykłych, melancholijnych pieśni dały artystom możliwość swobodnej wypowiedzi, kreacji muzycznej oraz pozwoliły na szczery, pełen emocji przekaz.

BASTARDA to zespół powołany do życia przez Pawła Szamburskiego (klarnet), Tomasza Pokrzywińskiego (wiolonczela) oraz Michała Górczyńskiego (klarnet kontrabasowy). Grupa wydawniczo i środowiskowo związana z wytwórnią Lado ABC, jest również partnerem międzynarodowego projektu badawczego HERA „Sound Memories. The Musical Past in Late – Medieval and Early Modern Europe”. Artyści podejmują odważną próbę reinterpretacji muzyki dawnej oraz stworzenia na jej podstawie autorskiego języka dźwiękowego. Kilkusetletnie śpiewy chorałowe, motety, litanie rozbijają niejednokrotnie się na małe odcinki, stale zmieniający się kontrapunkt wczesnej polifonii imploduje w minimalizm. Muzycy improwizując wokół archaicznych melodii, komponując i aranżując na ich podstawie zupełnie nowe utwory – budują pomost łączący odległe w czasie muzyczne światy, docierają do ich uniwersalnego, duchowego wymiaru. Muzyka Bastardy to współczesna, oryginalna i bardzo osobista wypowiedź wsparta na bogatych tradycjach muzycznych.

João de Sousa – urodzony w Portugalii, od 2006 roku mieszka i tworzy w Polsce. Ceniony wokalista, gitarzysta i kompozytor. Jego luzofońskie korzenie w znacznym stopniu wpływają na muzykę jaką tworzy i wykonuje, choć fascynacje innymi gatunkami – jazzem, world music czy muzyką alternatywną, swobodnie oddalają go od fado. Inspiracji poszukuje wszędzie – w muzyce elektronicznej, hip-hopie – przekształcając ich elementy na własny muzyczny język. Współpracował, m.in.: z Andrzejem Smolikiem, zespołem Mikromusic, Dorotą Miśkiewicz czy z Arielem Ramirezem Tango Quintet.  João ma na swoim koncie trzy autorskie płyty (Fado Polaco, 2012; Luta, 2016; Ideal, 2018). Jego piosenki znalazły się na radiowej płycie „RAM Cafe vol. 7″ oraz w albumach „Siesta” Marcina Kydryńskiego.

Bohaterką jesiennej SIESTY w drodze będzie Lucibela, wyśmienita wokalistka z Republiki Zielonego Przylądka.

Powiedzieć, że jest być może najbliższa legendarnej Cesarii, to jednak trochę skrzywdzić tę młodą artystkę. Jej głos, o rzadko spotykanej szlachetności, szerokim paśmie i głębi wyrazu jest  doskonale własny. Choć z drugiej strony sporo w tym porównaniu prawdy. Lucibela, urodzona w niesławnym Tarrafal, gdzie reżim Salazara więził opozycjonistów, wychowana na Wyspach, śpiewa muzykę tradycyjną. Podczas gdy Sara Tavares, Mayra Andrade czy Dino di Santiago flirtują z klubowymi rytmami – Lucibela, niczym Wynton Marsalis w jazzie, dba o przetrwanie źródeł. 

Zaczynała w hotelowych barach wysp Sal i Boa Vista, śpiewając piosenki Cesarii, Titiny, Bany. Nieuchronnie, jak wszyscy artyści kabowerdyjscy, chciała sprawdzić się w Lizbonie. Przez kilka lat śpiewała tam z zespołem Nos Raiz (nasze korzenie) pod gołym niebem, na starej przystani przy centralnym placu miasta. Ilekroć brzmiał tam jej głos, tłum gęstniał i nie rozchodził się aż do ostatniej piosenki. Z zespołem nagrała kilka utworów na płytę Conquistador w 2017 roku. Było jednak oczywiste, że talent tej miary potrzebuje światowej ekspozycji. Lucibelę usłyszał nieomylny Jose da Silva, odkrywca Cesarii i właściciel firmy płytowej Lusafrica. Zaprosił ją do studia w Paryżu i znalazł najznakomitszych muzyków na pierwszą autorską płytę.

„Nie ulega wątpliwości, że mamy przed sobą jeden z największych talentów dekady. Pierwszy album – Laco Umbilical zwiastował lata olśnień i wzruszeń i wtedy też zaprosiliśmy Lucibelę do Polski po raz pierwszy.  Rok 2022 przyniósł kolejną fenomenalną płytę i światową trasę: Amdjer. Jesteśmy szczęśliwi i dumni, mogąc raz jeszcze zaprezentować głos, który zachwycił cały świat.” Marcin Kydryński

Założeniem SIESTY w drodze jest prezentacja na żywo artystów znanych z niedzielnych audycji Pora Siesty Marcina Kydryńskiego oraz z bestsellerowych kompilacji Siesta (wydano już XV edycji). Prowadzącym oraz dyrektorem artystycznym SIESTY w drodze jest Marcin Kydryński, radiowiec, autor i kompozytor tekstów, producent płyt i fotograf. Współorganizator Siesta Festival w Gdańsku. Jak sam przyznaje: „zaczęliśmy w okolicach święta zakochanych, w lutym 2012, by następnie spotykać się co kilka miesięcy i doprowadzić rokrocznie do szczęśliwej kulminacji na Siesta Festivalu u progu maja i dalej grać aż do końca roku. Z nadzieją, że te koncerty, jak ich radiowa starsza siostra, na trwałe wpiszą się w życiorys setek, jeśli nie tysięcy ludzi. Będę zaszczycony mogąc objąć artystyczne przywództwo przedsięwzięcia i przyjmując rolę prowadzącego każdy z wieczorów.” 

SIESTA w drodze gościła światowej sławy gwiazdy, takie jak: Pat Metheny, Bobby McFerrin & Chick Corea czy Dianne Reeves. W projekcie pojawili się także: Richard Bona, Ana Moura, Camane, Tito Paris, Sara Tavares, Lura, Mayra Andrade, Tcheka, Elida Almeida, Yami, Nancy Vieira, Lucibela, Marcio Farco czy Dino Di Santiago. 

W Sieście przenikanie się kultur; zacieranie granic przy jednoczesnym szacunku dla tradycji regionów; pojednanie ponad historycznymi podziałami, to obok samej materii muzyki najcenniejsze wartości.

Ewa Bem to jedna z najpopularniejszych polskich wokalistek jazzowych.  Często nazywana także „pierwszą damą polskiego jazzu”.  Tworzy niezwykłe kreacje wokalne,  czaruje swoim barwnym głosem, urzeka muzykalnością – a gdy śpiewa, w jej głosie można wychwycić niezwykłą radość. W 2023 roku nagrodzona statuetką Złotego Fryderyka w kategorii muzyka jazzowa. Artystka ma na swoim koncie przeboje takie jak „Moje serce to jest muzyk”, „Żyj kolorowo”, „Gram o wszystko” czy „Wyszłam za mąż, zaraz wracam” – które na stałe wpisały się w historię zarówno polskiego jazzu jak i muzyki rozrywkowej. Ewa Bem rozpoczęła swoją karierę w 1969 roku. Od tego czasu współpracowała z czołówką muzyków jazzowych, m.in.: z Janem Ptaszynem Wróblewskim, Andrzejem Jagodzińskim, Zbigniewem Jaremką czy Markiem Blizińskim. W swoim dorobku ma aż 15 albumów! Artystka ma na swoim koncie wiele nagród i wyróżnień. Koncertuje zarówno w Polsce, jak i za granicą.

Ewa Bem – śpiew
Andrzej Jagodziński – fortepian, kierownictwo muzyczne
Robert Majewski – trąbka
Adam Cegielski – kontrabas
Czesław „Mały” Bartkowski – perkusja

Jazzowy Chór Wytwórni

Jazzowy Chór Wytwórni to grupa, która działa pod auspicjami Fundacji Wytwórnia od 2012 roku i od samego początku prowadzona jest przez dyrygenta Macieja Salskiego. Do tej pory zespół wydał dwie płyty, a prezentowany przez nich repertuar jest odzwierciedleniem niezwykłej pasji do muzyki jazzowej. Ich liczne covery i wyszukane aranżacje utworów jazzowych oraz muzyki rozrywkowej cieszą się coraz większą popularnością na łódzkiej i ogólnopolskiej scenie. Krzysztof Komeda, Nina Simone, Stevie Wonder, The Beatles, Queen, Steve Winwood, szwedzkie The Real Group, czy znane z amerykańskiego muzycznego TV show – Pentatonix – to tylko niektóre z inspiracji Jazzowego Chóru Wytwórni. Chór liczy ponad 20 muzyków i ma na swoim koncie liczne osiągnięcia na krajowych i międzynarodowych festiwalach, do których zaliczają się m.in.: I nagroda na festiwalu „Cantio Lodziensis 2013”, I nagroda na XXI Ogólnopolskim Konkursie Chórów „O złotą strunę” w Niepołomicach, „Złote pasmo” na 22. Festiwalu Pieśni Chóralnej w Czersku, I nagroda na międzynarodowym festiwalu „Seghizzi” w kategorii muzyki gospel i wiele innych. W tegorocznej edycji Chór wykona zarówno utwory a cappella, jak i z akompaniamentem muzycznym.

Wykonawcy:

Jazzowy Chór Wytwórni 
Taras Hlushko- fortepian 
Andrzej Granat- bas
Jan Traciński- perkusja 
Piotr Krzemiński – trąbka 
Maciej Salski- dyrygent 

Les Freres Smith to wybuchowa i barwna orkiestra z Paryża, złożona z kilkunastu członków, z których wszyscy noszą to samo nazwisko – Smith! Zespół wystąpi w Polsce po raz pierwszy i to właśnie na 16. Letniej Akademii Jazzu w Łodzi! Muzyka Les Freres Smith to połączenie afrobeatu z transowymi rytmami, ethno-jazzu z soulem, porywających melodii i wyjątkowej energii, która – jesteśmy pewni – poderwie niejednego widza łódzkiej Wytwórni do tańca.

W 2011 roku Les Freres Smith wydali swój pierwszy album „Contreband Mentality”, a w 2015 roku płytę „Free to Go”. Program radiowy Fonkadelica porównał to wydawnictwo z legendami takimi jak Fela Kuti, Mulatu Astatké i James Brown, podczas gdy Parisdjs.com określiło ich wydawnictwo jako „hipnotyzujący tour-de-force w funkowej muzyce afro”.

Albumy „Contreband Mentality” i „Free To Go” to doskonałe odzwierciedlenie tego, co od dwóch dekad przyświeca Les Frères Smith:” żywiołowość,  artystyczna swoboda, odkrywanie nowych muzycznych krain iogromna radość tworzenia muzyki..

Podobnie jak społeczeństwo, środowisko i cały świat, muzyka Les Frères Smith jest w ciągłym ruchu. Jej ekspresja, kształt i kontury nieustannie się zmieniają.  Koncerty Les Freres Smith to muzyczne święto afrobeatu i kultury wschodnio-afrykańskiej, którą bracia Smith przywiozą również do Polski. Koncert w łódzkiej Wytwórni zapewni słuchaczom potężną dawkę energii, słońca i tanecznych rytmów!

Tegoroczna, 16. Letnia Akademia Jazzu rozpocznie się 11 lipca i potrwa do 31 sierpnia. Co tydzień w naszym Klubie czekają na Was wyjątkowe, jazzowe koncerty. Na scenie pojawią się światowe gwiazdy tego gatunku, awangardowe zespoły a także niezwykle zdolni, debiutujący muzycy.

W tym roku również możecie kupić karnet na wszystkie koncerty! Karnet obejmuje także koncert otwarcia John Scofield Solo oraz koncerty z cyklu INTL (International Jazz Platform).

Jazzowe lato w Wytwórni! Serdecznie zapraszamy!

Tegoroczną, 16. Letnią Akademię Jazzu otworzy wyjątkowy koncert – John Scofield Solo!

John Scofield to amerykański gitarzysta, uważany za jednego z najwybitniejszych oraz najbardziej wpływowych gitarzystów w całej historii jazzu!

Gra gitarowa Johna Scofielda miała wpływ na jazz od późnych lat 70-tych i do dziś ma się świetnie. Scofield jest mistrzowskim improwizatorem jazzowym; wyróżnia się  bardzo charakterystycznym brzmieniem i różnorodnością stylistyczną.

Urodzony w Ohio i wychowany na przedmieściach Connecticut, Scofield zaczął grać na gitarze w wieku 11 lat, zainspirowany zarówno przez muzyków rockowych, jak i bluesowych. Uczęszczał do Berklee College of Music w Bostonie. Po debiutanckim nagraniu z Gerrym Mulliganem i Chetem Bakerem, Scofield przez dwa lata był członkiem zespołu Billy Cobham-George Duke. W 1977 roku nagrywał z Charlesem Mingusem i dołączył do kwartetu Gary’ego Burtona. Rozpoczął swoją międzynarodową karierę jako lider zespołu i artysta nagrywający w 1978 roku. W latach 1982–1985 Scofield koncertował i nagrywał z Milesem Davisem. Jego kariera nabrała tempa i postawiła go na pierwszym planie świadomości jazzowej jako muzyka i kompozytora.

Od tego czasu prowadził własne zespoły na międzynarodowej scenie jazzowej, nagrał ponad 30 albumów jako lider (wśród nich wiele zapisało się jako klasyki). Współpracował z takimi muzykami jak Pat Metheny, Charlie Haden, Eddie Harris, Medeski, Martin & Wood, Bill Frisell, Brad Mehldau, Mavis Staples, Government Mule, Jack DeJohnette, Joe Lovano i Phil Lesh. Grał i nagrywał z Tonym Williamsem, Jimem Hallem, Ronem Carterem, Herbie Hancockiem, Joe Hendersonem, Dave’em Hollandem czy Terumasą Hino czyli legendami jazzu. W trakcie swojej kariery Scofield wzbogacał tradycyjny jazz o zorientowaną na funk muzykę elektryczną. Przez cały czas gitarzysta miał otwarty muzyczny umysł.

Pomimo bycia w podróży przez około 200 dni w roku jest także adiunktem na Uniwersytecie Nowojorskim, mężem i ojcem dwójki dzieci.

„Moim głównym celem w grze na gitarze zawsze było bycie częścią grupy; odkrywanie muzyki, która powstaje, gdy muzycy słuchają się nawzajem i wspólnie improwizują. Szczerze mówiąc, do tej pory unikałem grania koncertów solowych. Wciąż miewam sporadyczne koszmary o graniu utworu Greensleeves w szóstej klasie! Tam na górze robi się dość samotnie, a ja nie uważałem gitary solo za idealną platformę do improwizacji. To powiedziawszy, po 56 latach gry na gitarze, w końcu jestem zainteresowany pójściem na całość i odkrywaniem możliwości. Minęły dziesięciolecia, zanim zdałem sobie sprawę, że od 1962 roku codziennie gram na gitarze bez akompaniamentu w domu lub w pokoju hotelowym! Ostatnio dużo myślałem o tym, jak mogę zaprezentować program gitarowy solo, który reprezentuje moje pasje i wrażliwość. Moim pomysłem jest, aby opierać się na piosenkach, grając jazzowe, country i rockowe melodie, które kocham, a także niektóre z moich oryginalnych kompozycji. Przygotowywałem się przez prawie rok, pracowałem nad nowymi kierunkami w mojej głowie jednocześnie nie mogąc się doczekać tych koncertów z podekscytowaniem i odrobiną niepokoju. Mam nadzieję, że spodoba Wam  się podróż ze mną.“ – John Scofield

Soundedit ’23 – The Sisters of Mercy, The Virginmarys

The Sisters of Mercy i The Virginmarys wystąpią w klubie Wytwórnia 11 listopada podczas 15. edycji Międzynarodowego Festiwalu Producentów Muzycznych Soundedit.

The Sisters of Mercy założono w Leeds (Wielka Brytania). Do dziś zespół nagrał trzy albumy: „First and Last and Always” (1985 r.), „Floodland” (1987 r.) oraz „Vision Thing” (1990 r.). Każdy z albumów prezentuje odmienny styl muzyczny, każdy z nich został nagrany w innym składzie. W realizacji płyt zawsze uczestniczy Andrew Eldritch, który programuje również automat perkusyjny – słynny Dr Avalanche. Oprócz tego artysta pozostaje autorem tekstów i producentem utworów grupy. Założycielami zespołu byli: Eldritch oraz Gary Marx, ich motywacja była prosta jak gitarowy riff – chcieli usłyszeć siebie w radiu. Nazwę zespołu zaczerpnęli od piosenki Leonarda Cohena pt.: „Sisters of Mercy”. Kiedy do składu dołączył Wayne Hussey, nagrano pierwszy album. Płyta zyskała sporą popularność, osiągając 14. miejsce na liście Billboardu. Dla grupy działającej na scenie niezależnej był to ogromny sukces. Kolejne lata działalności The Sisters of Mercy to kolejne płyty, trasy koncertowe, przebojowe single („More”, „Temple of Love”, „This Corrosion”, „Dominion/Mother Russia”), zmiany składu zespołu oraz skandale. Eldritch na przykład zastrzegł tekst „This Corrosion”. Tekst utworu nie może zostać przetłumaczony i każdy kto to zrobi zostanie pozwany. Począwszy od lat 90. zespół wydaje kompilacje lub wznowienia swoich płyt, skupiając się przede wszystkim na koncertach. Składy muzyków ulegają modyfikacjom. Stałymi elementami są: lider zespołu, dym unoszący się nad sceną, automat perkusyjny oraz niezwykła atmosfera występów.

The Virginmarys

The Virginmarys to potężna maszyna produkująca czystą energię opartą na potężnych riffach, tworzona przez perkusistę Danny’ego Dolana i gitarzystę/wokalistę Ally Dickaty.Należą do najbardziej autentycznych i powszechnie szanowanych zespołów rockowych swoich czasów i od początku trzymają się własnego brzmienia. Wspólne granie z Queens Of The Stone Age, wsparcie Slasha i współpraca na scenie z Frankiem Turnerem ukazuje różnorodność ich muzyki.The Virginmarys debiutowali w 2013 roku wydając album „King of Conflict”, który zadebiutował na 3. miejscu listy Billboard New Artist Alternative Chart i 8. na liście Billboard Heatseekers Chart. Dzięki „King of Conflict” The Virginmarys zostali okrzyknięci buzz bandem SXSW, otrzymali duże wsparcie ze strony amerykańskiego radia Active Rock and Alternative oraz uznanie ze strony Rolling Stone, Alternative Press, USA Today i nie tylko. W 2016 roku zespół wydał album Divides, który oprócz świetnych ocen najważniejszych wydawnictw prasowych został doceniony przez Apple Music, Spotify, Yahoo! Music i zaprowadził zespół na główną scenę festiwalu w Leeds i Reading.Po wydaniu trzech dobrze przyjętych przez krytyków albumów granych jako trio, Ally i Danny zdecydowali się rozpocząć kolejny etap działalności zespołu jako power duo. Obecna trasa to pierwsza szansa zobaczenia ich w tym formacie.

Dawid Podsiadło ogłasza wiosenną akustyczną trasę „Przed i Po”. Artysta wyruszy wiosną 2023 w trasę, zapraszając widzów na koncerty w salach filharmonijnych tymi słowami:

„Zaczęliśmy tęsknić za bardziej kameralnymi spotkaniami,
wiecie, że ukochaliśmy straszliwie Leśną Muzykę i chcielibyśmy wrócić do Was w podobnym wydaniu. Na siedząco, bardziej intymnie. Bardziej akustycznie niż skacząc. Zagramy w przyszłym roku taką niewielką niespodziankową trasę. Nazywa się Przed i Po. Zapraszamy.”

Ukraiński balet. Najlepsi tancerze świata wystąpią w Polsce! 

Romantyczna miłość księcia Zygfryda i księżniczki Odetty ponownie zagości w Polsce. „Jezioro łabędzie” – najbardziej znane i lubiane dzieło baletowe na świecie do muzyki Piotra Czajkowskiego przedstawione zostanie przez The Ukrainian Ballet of Peace, w ramach którego występują czołowi tancerze świata. Na spektakle w Poznaniu, Wrocławiu, Ostrowie Wielkopolskim, Krakowie, Łodzi, Lublinie i Toruniu zaprasza agencja Prestige MJM. Bilety dostępne na biletserwis.pl już od środy, 5 kwietnia o godzinie 10:00. 

Ukraina i każda gałąź życia tego kraju przeżywa olbrzymie trudności w związku z przedłużającą się wojną. Naród się nie poddaje, a tam, gdzie to możliwe, niesie przesłanie pokoju. Tak jest też obecnie z Ukrainian Ballet of Peace. Oklaskiwani na całym świecie artyści na każdym spektaklu przypominają o agresji Rosji, wnosząc na końcowe brawa niebiesko-żółtą flagę na znak solidarności z walczącymi rodakami. To szczególny moment na koniec przedstawienia, a chwili tej towarzyszą nie tylko owacje na stojąco, ale także ogromne wzruszenie. Takie same emocje udzielą się zapewne polskiej publiczności, podczas trasy baletu ukraińskiego, który zaprezentuje się przed widzami w naszym kraju już w lutym 2024 roku. 

Magiczne połączenie dramatu i tragedii oraz odwiecznej walki dobra ze złem – to historia opowiedziana tańcem w najsłynniejszym przedstawieniu baletowym świata  „Jeziorze łabędzim”. Opowieść rozgrywa się w pełnej świetności pałacowej sali balowej oraz nad jeziorem oświetlonym przez księżyc, po którym w idealnym szyku szybują łabędzie.

Dzięki pięknym kostiumom, wspaniałej scenografii i dekoracji ten klasyczny balet ożyje ponownie. Do tego charakterystyczna i dobrze znana muzyka Piotra Czajkowskiego sprawi, że spektakle będą magiczne. 

The Ukrainian Ballet of Peace założony został w 2006 roku w czarnomorskim mieście Odessa przez Władimira Troszenkę. Grupa natychmiast otrzymała zaproszenie do wystawienia „Dziadka do orzechów” Piotra Czajkowskiego w najbardziej prestiżowych teatrach w Stanach Zjednoczonych. Od tego momentu zespół brał udział w międzynarodowych trasach koncertowych po USA i Kanadzie, a także w Europie i Azji. Do lutego 2022 roku tancerze z powodzeniem występowali także w swojej ojczyźnie. Ostatnio odbyli trasę po Irlandii, która okazała się ogromnym sukcesem. 

Ukraiński balet wystawiał inscenizacje nie tylko „Jeziora łabędziego”, ale także „Śpiącej królewny” Czajkowskiego, „Carmen” Bizeta i „Romea i Julii” Prokofiewa, a także kilka innych współczesnych baletów.  

Kostiumy i scenografie są wykonywane ręcznie przez najlepszych mistrzów, a repertuar The Ukrainian Ballet of Peace to kontynuacja i dziedzictwo doświadczeń największych mistrzów baletu na świecie, takich jak Natalia Makarowa, Rudolf Nurejew czy Michaił Barysznikow. 

The Ukrainian Ballet of Peace jest grupą składającą się z trzydziestu jeden tancerzy ukraińskich, dwóch tancerzy z Czech i jednego tancerza włoskiego, wraz z ekipą techniczno-wspierającą, która w całości pochodzi z Ukrainy. W podwójną rolę Odetty i Odylii wciela się Olga Kifyak, która jest pierwszą solistką The Ukrainian Ballet of Peace. Zdobyła wiele nagród na całym świecie i jest znana ze swojej niesamowitej pracy nóg i pełnych wdzięku ruchów. Artystyczne kierownictwo nad zespołem sprawuje Aleksandra Fedorina, wielokrotnie nagradzana za wkład w rozwój narodowego baletu Ukrainy.