THE GREATEST FRENCH SONGS Fenomenalny musical autorów Piaf The Show, w wykonaniu francuskich gwiazd!! Najsłynniejsze francuskie przeboje z repertuaru: Edith Piaf, Charles Aznavour, Jacques Brel, Maurice Chevalier, Josephine Baker czyYves Montand
„Paris! The Show” to fenomenalny musical oddający hołd największym francuskim piosenkom lat powojennych, które ukształtowały niezapomniany klimat Paryża. Spektakl przenosi widzów w świat najsłynniejszych paryskich scen muzycznych i kabaretów dzielnicy Montmartre. Młoda amerykanka – Emily, która marzy o tym by zostać gwiazdą, przybywa do Paryża. Na Montmart spotyka Edith, która staje się jej przyjaciółką i powierniczką. Emily zakochuje się w Charlesie, młodym piosenkarzu mieszkającym na Pigalle. Właśnie tak zaczyna się romantyczna historia, która może wydarzyć się tylko w Paryżu!
Musical przygotował i wyreżyserował Gil Marsalla, autor i twórca znakomitego spektaklu „Piaf The Show”, który z wielkim powodzeniem był wystawiany kilkakrotnie w Polsce i w ponad 50 krajach na całym świecie.Gwiazdą „Paris! The Show” jest rewelacyjny Jules Grison wcielający się w role Charlesa Aznavoura. Towarzyszą mu Stephane Impoco i niezwykle utalentowana Joséphine Cosoleto w roli Edith Piaf.
W programie musicalu usłyszymy 30 najbardziej znanych francuskich piosenek najsłynniejszych artystów sceny francuskiej: Edith Piaf, Charles Aznavour, Jacques Brel, Maurice Chevalier, Lucienne Boyer, Charles Trenet, Josephine Baker, Yves Montand. Trójce wokalistów towarzyszyć będzie zespół muzyczny i tancerze! Całość dopełni bogata oprawa wizualna i scenografia. Spektakl potrwa 2 godziny i składać się będzie z dwóch części podzielonych 20 minutową przerwą.
Od chwil premiery „Paris! The Show” było wystawiane na 3 kontynentach! Musical doczekał się
wydania płytowego. W Polsce przedstawienie gościło już dwa razy, wyprzedając sale koncertowe w Warszawie, Gdańsku, Szczecinie i Poznaniu. Tym razem po raz pierwszy zawita do Rzeszowa, Bielska-Białej i Częstochowy.
O spektaklu napisali:„ Wspaniały! Niezwykły!…’’ – Around The Town
„Nadzwyczajna obsada, nadzwyczajny zespół na żywo…’’ – The Standard Times
„…pełen życia i z głębi serca…’’ – Md Theatre Guide
Niezwykły francuski spetakl przygotowany w hołdzie wybitnemu artyście Brel! Le spectacle
w brawurowym wykonaniu OLIVIER LAURENT Wspaniały francuski spetakl, twórców Piaf The Show przygotowany w hołdzie wybitnemu artyście
Premierowy spektakl muzyczny przygotowany przez twórcę Piaf The Show i Paris The Show, reżysera Gila Marsalla. Jest hołdem dla wybitnego kompozytora i autora tekstów, piosenkarza i poety, ale przed wszystkim barda i ikony francuskiej sceny – Jacques’a Brela w rewelacyjnej interpretacji Oliviera Laurent’a. Obdarzony niezwykłym głosem, z wielką wrażliwością, pasją i ironią, w brawurowy sposób wykonuje najsłynniejsze utwory wielkiego mistrza tak, jakby od tego zależało jego życie! Po premierze spektaklu krytycy francuscy napisali, że Laurent nie naśladuje Brela – on go ożywia!
Na scenie artyście towarzyszy wyjątkowy, czteroosobowy zespół. W programie koncertu znalazły się najsłynniejsze utwory Belga: Ne me quitte pas, Amsterdam, Quand on n’a que l’amour, Vesoul, La Valse à Mille temps, Ces gens-là, Les Vieux, Les Bigotes, a nawet autorska interpretacja – Voir un ami pleurer z albumu Les Marquises, którego Jacques Brel nie zdążył sam wykonać na scenie.
Spektakl został wystawiony już ponad 200 razy na całym świecie, zachwycając i wzruszając do łez publiczność w Paryżu, Nowym Jorku, Londynie, Montrealu czy Dubaju. Twórczość Brela od początku inspirowała i miała ogromny wpływ na wielu polskich artystów. Powstał cały nurt piosenki aktorskiej i poetyckiej czerpiącej z jego dorobku. Grudniowe występy będą pierwszymi w Polsce pokazami Brel! Le spectacle. Zapraszamy na niezwykłą, francuską ucztę!
O spektaklu napisali: … Laurent nie naśladuje Brela, on uosabia go na scenie …Spektakl, z najlepszymi utworami Brela, który przeniesie Cię w czasie – Le Parisien Porywające: Olivier Laurent nie odgrywa Brela, on go ożywia – Le Figaro
W minionym roku na zamówienie Sinfonietty Cracovii stworzyłem projekt, w którym na nowo został zaaranżowany soundtrack z kultowego anime „Cowboy Bebop”. Jednym z owoców tego spotkania był zespół, który powstał specjalnie na tę okoliczność. Mnogość inspiracji jaką niesie serial Shinichirō Watanabe, który jest zlepkiem przeróżnych stylistyk, popchnęła mnie wtedy do zbudowania zespołu z postaci wywodzących się z rozmaitych środowisk, a przy okazji multiinstrumentalistów operujących bogatym językiem. Grupę współtworzą ze mną: Maniucha Bikont, Malina Midera, Piotr Bukowski, Artur Majewski, Olo Walicki i Bartosz Szablowski. Chcąc wykorzystać potencjał tego zdarzenia postanowiłem kontynuować działalność septetu. Skomponowałem zestaw utworów, które tym razem nieco zunifikowały wcześniejszy eklektyczny charakter projektu, skupiając się w stylistykach improwizowanej, dronowej, minimalistycznej i źródłowej, jednak nie odcinając się zupełnie od intencji, która przyświecała mi na samym początku.
Zachęcam do zapoznania się z sesją zrealizowaną dla Polskiego Radia:
Jesienią tego roku planowana jest premiera albumu.
Skład:
Marek Pospieszalski – saksofon
Maniucha Bikont – śpiew, tuba
Artur Majewski – trąbka
Malina Midera – klawisze
Olo Walicki – bas
Piotr Bukowski – gitara
Bartek Szablowski– perkusja
ÉMILE PARISIEN QUARTET
Kiedy zdarzają się wypadki, zwykle kończą się w ciągu kilku sekund, czasem minut; ten trwa już 20 lat. Minęły dwie dekady odkąd członkowie kwartetu Emile’a Parisiena zagrali razem jam session. Na koniec spojrzeli na siebie z niedowierzaniem. Nie tylko zostali trafieni zbiorowym muzycznym piorunem, ale także wiedzieli, że właśnie powołali do życia… cóż… coś. Wspólną płaszczyzną między nimi był jazz, ale każdy z nich miał do zasiania w nim wszelkiego rodzaju nasiona, od muzyki klasycznej i współczesnych dźwięków po rock, elektronikę i chanson. Ta czwórka zrywa etykiety, przełamuje bariery, narusza kody, a mimo to dokładnie wie, dokąd zmierza. Łączy ich wspólna obsesja na punkcie narracji. „Centralną osią kwartetu zawsze było opowiadanie historii” – podkreśla saksofonista.
„Let Them Cook” jest jak powiew świeżego powietrza, a brzmienie zespołu jest teraz zdecydowane i jednoznaczne z 2024 roku, a nie z 2004 roku. Był to szczególny punkt zwrotny: na koncercie w Szwecji pod koniec trasy promującej album „Double Screening” zaryzykowali i wypróbowali przejście od całkowicie akustycznego brzmienia do włączenia elektroniki. Zadziałało, więc pozostali przy tym: odkryli, że te elektroniczne interpunkcje nigdy nie zanieczyszczały DNA zespołu, ale raczej go stymulowały.
Elektroniczna aparatura była wyraźnym dodatkiem do historii tych kompozycji, a sposób, w jaki wszystko do siebie pasowało, był zdumiewający. Co sprowadza nas z powrotem do zawsze aktualnego pytania: jak odejść od klasycznego kwartetu jazzowego składającego się z saksofonu, fortepianu, basu i perkusji? „Zawsze staramy się znaleźć odpowiedź! Nie ma sensu powtarzać tego, co robiły grupy Johna Coltrane’a i Wayne’a Shortera, ponieważ pod wieloma względami nigdy nie osiągniesz ich poziomu”.
„Jest pewna droga w życiu, którą większość ludzi podąża” – powiedział kiedyś Wayne Shorter – „ponieważ jest znana i mogą się przepychać, aby dostać się na przód. Ja wolę wybrać inną drogę, która jest mniej zatłoczona, z wieloma rozwidleniami, gdzie masz szerszy widok na życie. Nazywam ją „drogą mniej uczęszczaną”. „Tam właśnie chcę być”. W roku, w którym przypada 20. rocznica powstania, kwartet Emile’a Parisiena nigdy nie był bardziej zgodny z myśleniem jednego ze swoich głównych wpływów.
Debiutancki koncert Mateusza Smoczyńskiego Adam’s Applezostał zrecenzowany jako „oszałamiający tour de force o przełomowym znaczeniu dla powstającego właśnie nowego kanonu muzyki na instrumenty smyczkowe o mieszanej stylistyce”. Precyzyjna i solidnie zinstrumentowana partia orkiestry zestawiona z partią skrzypiec, która wymaga od solisty wykazania się szalonym spektrum technik gry na skrzypcach – od stricte jazzowych, poprzez zaczerpnięte z muzyki ludowej i bluegrassu, aż po ściśle klasyczne. W to wszystko wpleciona jest improwizacja, która sprawia, że utwór stanowi oszałamiające i zabawne pole do popisu dla mistrzostwa Smoczyńskiego w grze na instrumencie.
Fallen Angel został napisany jako hołd dla znakomitego polskiego pianisty Janusza Olejniczaka. Utwór prezentuje unikalne podejście Smoczyńskiego do improwizacji na skrzypcach i łączy je z ekspresyjnym i technicznym chopinowskim” mistrzostwem Olejniczaka na fortepianie. W efekcie powstał hipnotyzujący utwór, będący innowacyjnym połączeniem jazzu i muzyki klasycznej, który ustanawia nowy standard w dziedzinie kompozycji i wykonawstwa muzycznego w wydaniu symfonicznym.
Adam’s Apple” został wydany w 2024 roku przez Warner Music, natomiast “Fallen Angel” zostanie wydany na płycie jeszcze w tym roku. Koncert w Łodzi będzie promował ten nowy album. Wydanie “Adam’s Apple” na płycie było przełomowym momentem w karierze Mateusza Smoczyńskiego: to pierwsza symfoniczna płyta skrzypka, solisty i kompozytora, współzałożyciela Atom String Quartet. Utwór tytułowy – koncert na improwizujące skrzypce „Adam’s Apple” powstał z fascynacji Mateusza twórczością kompozytorów muzyki poważnej, takich jak: Karol Szymanowski, Dymitr Szostakowicz, Béla Bartók i György Ligeti, oraz jazzowych mistrzów, którzy przez lata wywierali na niego ogromny wpływ: Zbigniewa Seiferta, Johna Coltrane’a, Wayne’a Shortera oraz Davida Balakrishnana (z Turtle Island Quartet). Stylistycznie koncert nawiązuje do najświeższej inspiracji Mateusza – muzyki amerykańskiego kompozytora Johna Adamsa. „Jabłko Adama” nasuwa również biblijne skojarzenia z historią Adama i Ewy oraz konsekwencjami zjedzenia przez nich zakazanego owocu. Utwór kusi niezwykłą, pastelową barwą barytonowych skrzypiec, pięknem melodyki z nutą minimalizmu, impresjonistycznej sonorystyki, elementami bluegrassu i jazzowych, wirtuozowskich improwizacji. W nagraniu udział wzięła Chopin University Chamber Orchestra pod dyrekcją Rafała Janiaka. Fallen Angel na skrzypce i fortepian został napisany dla znakomitego polskiego pianisty Janusza Olejniczaka. Utwór prezentuje unikalne podejście Smoczyńskiego do improwizacji na skrzypcach i łączy je z ekspresyjnym i technicznym „chopinowskim” mistrzostwem Olejniczaka na fortepianie. W efekcie powstał hipnotyzujący utwór, będący innowacyjnym połączeniem jazzu i muzyki klasycznej, który ustanawia nowy standard w dziedzinie kompozycji i wykonawstwa muzycznego w wydaniu symfonicznym. Prawykonanie utworu miało miejsce w Szczecinie w 2022 roku z udziałem Janusza Olejniczaka, Mateusza Smoczyńskiego i Orkiestry Filharmonii Szczecińskiej. Utwór został później zarejestrowany z udziałem Dominika Wani, Mateusza Smoczyńskiego i Orkiestry Polskiego Radia w Warszawie pod dyrekcją Michała Klauzy i zostanie w bieżącym roku wydany na płycie. Mateusz Smoczyński planuje zadedykować tę płytę pamięci Janusza Olejniczaka.
Mateusz Smoczyński – skrzypek, solista i kompozytor, jeden z najczęściej koncertujących za granicą polskich muzyków, współzałożyciel Atom String Quartet, przez lata mieszkający w San Francisco, gdzie współpracował z legendarnym Turtle Island Quartet (dwie nagrody Grammy), w maju 2024 podpisał kontrakt z Warner Music Poland.
Dominik Wania – pianista jazzowy, pedagog. Niezwykle wzięty muzyk sesyjny. Studiował w Akademii Muzycznej w Krakowie oraz w New England Conservatory of Music w Bostonie. Grał z czołówką polskiej i zagranicznej sceny jazzowej, wspominając choćby Tomasza Stańko, Zbigniewa Namysłowskiego, Dave Liebmana, Andersa Jormina i wielu innych. Jest pianistą w kwartecie Macieja Obary, z którym nagrał 6 albumów. Z powodzeniem wykonuje muzykę filmową. Współpracuje ze Zbigniewem Preisnerem; specjalnie dla niego kompozytor napisał dziewięć utworów na fortepian solo, które ukazały się na płycie Twilight (2019). Pośród licznych nagrań, znaczące miejsce w dyskografii artysty zajmuje nagrodzony dwoma Fryderykami autorski album Ravel (2013), będący jednym z nielicznych opracowań muzyki francuskiego kompozytora w konwencji tria jazzowego. W 2020 r. nakładem ECM ukazała się najnowsza płyta pianisty (także uhonorowana dwoma Fryderykami) – Lonely Shadows, będąca pierwszym w historii solowym albumem polskiego muzyka wydanym przez tę prestiżową wytwórnię. Artysta zajmuje się również działalnością dydaktyczną na stanowisku profesora w Akademii Muzycznej w Krakowie, Akademii Muzycznej w Katowicach oraz Krakowskiej Szkole Jazzu i Muzyki Rozrywkowej.
Rafał Janiak – kompozytor, dyrygent i pedagog. Ukończył z wyróżnieniem studia dyrygenckie pod kierunkiem prof. Antoniego Wita (2011), a także studia kompozytorskie (również z wyróżnieniem) w klasie prof. Stanisława Moryto (2010) na Uniwersytecie Muzycznym F. Chopina w Warszawie. W 2016 roku uzyskał stopień doktora sztuk muzycznych w dyscyplinie dyrygentura, a w 2020 stopień doktora habilitowanego. W swoim dorobku posiada wiele nagród zdobytych w konkursach muzycznych ogólnopolskich i międzynarodowych. Był także półfinalistą Conducting Competition „Donatella Flick” w Londynie (2014). Jest zwycięzcą konkursu, organizowanego przez Teatr Wielki w Łodzi, na skomponowanie opery „Człowiek z Manufaktury”. Jury, pod przewodnictwem prof. Krzysztofa Pendereckiego przyznało jednogłośnie Grand Prix, kompozycja zdobyła również nagrodę publiczności. Prapremiera opery odbyła się w 2019 roku w Teatrze Wielkim w Łodzi, a jej wersja plenerowa na Rynku Włókniarek Łódzkich była wydarzeniem bez precedensu. Dwukrotnie został stypendystą Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego (2007, 2012), Prezydenta Miasta Gdańska (2005, 2009) oraz Keimyung University Foundation (Korea Płd., 2009). W 2018 został laureatem programu stypendialnego „Młoda Polska” oraz otrzymał prestiżowe stypendium dla wybitnego młodego naukowca przyznane przez Ministerstwo Nauki i Szkolnictwa Wyższego. Od stycznia 2023 roku pełni funkcję z-cy dyrektora ds. artystycznych Teatru Wielkiego w Łodzi, w tym czasie jako kierownik muzyczny przygotował premiery takich tytułów jak: „Faust” Charles’a Gounoda, „Raj utracony” Krzysztofa Pendereckiego, „Traviata” Giuseppe Verdiego, „Jaś i Małgosia” Engelberta Humperdincka.
Chopin University Chamber Orchestra – zespół powstał w 2017 roku z inicjatywy rektora UMFC prof. Klaudiusza Barana oraz ówczesnego inspektora orkiestry Aleksandra Zwierza – obecnego managera. Kierownictwo artystyczne nad formacją zostało powierzone dyrygentowi Rafałowi Janiakowi. Członkami orkiestry są wybitni studenci, wybrani w trybie wieloetapowych przesłuchań. Zespół może pochwalić się licznymi sukcesami a także współpracą ze znakomitymi dyrygentami m.in. Grzegorzem Nowakiem, Michałem Klauzą, Anną Sułkowską-Migoń czy Marcinem Nałęcz-Niesiołowskim. Niemal od początku istnienia Orkiestra prowadzi aktywną działalność koncertową, uświetniając swoją grą m. in. ważne wydarzenia dla historii i kultury Polski. Należy tu wymienić występ z okazji 200. rocznicy śmierci Tadeusza Kościuszki w Sali Kolumnowej Pałacu Prezydenckiego czy podczas odbywającego się na dziedzińcu Pałacu Prezydenckiego koncertu „Narodowe Granie” w 200. rocznicę urodzin Stanisława Moniuszki, a także w Pałacu Narodów ONZ w Genewie z okazji 100-lecia odzyskania przez Polskę Niepodległości. Chopin University Chamber Orchestra prowadzi także aktywną działalność fonograficzną. Jeszcze w 2017 roku, nakładem Chopin University Press, orkiestra pod dyrekcją Rafała Janiaka wydała swoją debiutancką płytę z muzyką Benjamina Brittena, Krzysztofa Pendereckiego i Dmitrija Szostakowicza. W 2020 roku ukazała się kolejna płyta zespołu, nagrana z udziałem solisty Rafała Grząki, na której znajdą się współczesne polskie koncerty akordeonowe. Kolejne płyty z udziałem Chopin University Chamber Orchestra to: • Paweł Gusnar. Saxophone Varie vol. 4, • Ignacy Zalewski Accordion Works, • Le Clavecin Moderne plus Percussion vol. 1. Chopin University Chamber Orchestra nierzadko towarzyszy ważnym wydarzeniom UMFC, grając m.in. podczas uroczystości wręczenia doktoratu honoris causa maestro Arvo Pärtowi, koncertu monograficznego poświęconego twórczości prof. Stanisława Moryto, czy z okazji 200-lecia urodzin Stanisława Moniuszki. 19 kwietnia 2023 roku członkowie orkiestry wystąpili w Teatrze Wielkim – Operze Narodowej współtworząc polsko-izraelską orkiestrę symfoniczną. Koncert z udziałem prezydentów Polski, Izraela i Niemiec wpisał się w obchody 80 rocznicy powstania w getcie warszawskim.
Z tej strony Basia Derlak i Jacek Szabrański. Razem tworzymy piosenki dla wszystkich dzieciaków i wszystkich doroślaków. Nie zwyczajne piosenki, a właśnie wyjątkowe. Dlaczego? Żyjemy w wyjątkowych czasach, a wyjątkowe czasy wymagają wyjątkowych piosenek!
Najnowsze badania dotyczące stanu zdrowia psychicznego młodych Polek i Polaków pokazują, z jak wielkimi problemami muszą sobie radzić współczesne dzieci. Świat, z jakim przyszło im się dziś mierzyć, stał się nagle bardzo skomplikowany i wieloznaczny. Nic dziwnego, że młodym bohaterom łatwiej zgubić się w nim niż w Stumilowym Lesie…
Jesteśmy muzykami, ale również rodzicami. Dlatego wiemy, jak wielką rolę w rozwoju dziecka odgrywa środowisko, w jakim dorasta. Dźwięki, słowa, obrazy i uczucia. Obecność bliskich osób, pierwszych przewodniczek i przewodników – ich doświadczenie i mądrość, które dają osadzenie i poczucie pewności. Dobre słowo. Dobra muzyka. Wszystko ma wpływ. Wiemy również, jak trudno jest znaleźć odpowiednie jakości w gąszczu propozycji kulturalnych, jakie serwuje nam współczesność. Sami od lat szukamy ich z myślą o naszych dzieciach.
Z tego powodu właśnie postanowiliśmy sami stworzyć piosenki, których nam, rodzicom, brakuje najbardziej. Piosenki – przewodniczki. Piosenki – przyjaciółki. Takie, które dają nadzieję i siłę podczas stawiania pierwszych kroków na życiowej drodze i takie, które podają pomocne ramię w chwilach zwątpienia. Piosenki czerpiące inspirację z korzeni humanizmu: prastarych opowieści, legend, zapomnianych baśni – neutralne światopoglądowo, nowoczesne w formie i opowiadające o świecie, który nas otacza.
ZESPÓŁ:
Basia Derlak – liderka i fronmentka grupy Chłopcy kontra Basia, opowiadaczka w duecie Apokryfy; autorka tekstów i muzyki, także filmowej i teatralnej, religioznawczyni. Laureatka wielu nagród muzycznych i teatralnych w konkursach m.in na Festiwalu Nowa Tradycja, festiwalu Mikołajki Folkowe, Festiwalu Dwa Teatry, Kaliskich Spotkaniach Teatralnych itp. Ma na koncie 4 płyty pod szyldem Chłopcy kontra Basia. Jako religioznawczyni pracuje w Szkole w Chmurze. Szczęśliwa, choć często niewyspana mama, posiadaczka Karty Dużej Rodziny.
Jacek Szabrański – producent muzyczny, aranżer, kompozytor i songwriter. Z wykształcenia socjolog. Współzałożyciel i wieloletni członek zespołu The Car Is On Fire (nagroda Fryderyk 2006 za najlepszy album muzyki niezależnej), grupy Nerwowe Wakacje. Kompozytor muzyki do spektakli teatralnych. Współzałożyciel oficyny wydawniczej Wytwórnia Krajowa. Przez wiele lat związany z muzycznym Teatrem Małego Widza w Warszawie. Tata Jeremiego (lat 13) i Julka (lat 8). Entuzjasta wschodniej filozofii i praktyki samorozwoju, od ponad 20 lat zaangażowany w trening medytacji w tradycji zen.
Orkiestra Łódzkich WTZ-tów – chór złożony z kilkudziesięciu uczestników i uczestniczek łódzkich Warsztatów Terapii Zajęciowej wystąpi wspólnie z improwizującym kwintetem instrumentalnym pod kierownictwem Marcela Balińskiego – pianisty, kompozytora i twórcy Współgłosów, nagrodzonych Fryderykiem 2025 w kategorii Album Roku: Jazz Eksperymentalny / Współczesna Muzyka Improwizowana.
Premierowy materiał, stworzony podczas warsztatów i prób w łódzkiej Wytwórni, łączy elektronikę, głosy, syntezatory, fortepian i perkusję w jedyne w swoim rodzaju muzyczne przeżycie. Liryczny noise, romantyczny eklektyzm – to tylko część świata, do którego zespół zaprosi Państwa podczas Letniej Akademii Jazzu.
W projekcie bierze udział część składu Współgłosów – można więc traktować go jako kontynuację drogi wyznaczonej przez zespół, który wciąż poszukuje nowych form wspólnego brzmienia.
POLSKIE KOMPOZYTORKI MŁODEGO POKOLENIA: DEREJ, MAJA LAURA, WAJDZIK, WYBRAŃCZYK
Specjalny projekt, który celebruje talent, kreatywność i pasję młodych polskich artystek. Wspierając kobiety w muzyce, LAJ tworzy przestrzeń, która nie tylko inspiruje, ale także pozwala na rozwój i docenienie ich twórczości w kontekście międzynarodowym.
„Nowe Głosy Polskiej Muzyki – Polskie Kompozytorki Młodego Pokolenia” – to prezentacja czterech wyrazistych osobowości artystycznych, które konsekwentnie budują własny język muzyczny i wnoszą nowe perspektywy do polskiej sceny jazzowej:
– Hania Derej
– Maja Laura
– Marta Wajdzik
– Patrycja Wybrańczyk
Każda z artystek przygotowała autorski materiał, który zaprezentuje z towarzyszeniem wspólnej sekcji rytmicznej. To spotkanie z twórczością odważną, autentyczną i zakorzenioną we współczesnym doświadczeniu muzycznym.
PAULINA PRZYBYSZ
Wokalistka, autorka tekstów i kompozytorka, po ponad 20 latach obecności na scenie, zdecydowała się nagrać płytę zawierającą standardy jazzowe, które od wczesnych lat życia inspirowały i kształtowały ją jako artystkę. Album „Insides” ukazał się na rynku 1 marca nakładem labelu artystki – calm courage.
„Podejrzewaliśmy to od zawsze. Wyczuwaliśmy to w różnych drobiazgach i w różnych gatunkach muzyki, śpiewanych przez Paulinę Przybysz. Od Sistars przez Pinnawelę aż po Ritę Pax i przede wszystkim przeróżne koncertowe improwizacje i odjazdy. Czekaliśmy, bardziej lub mniej cierpliwie, na taki album jak ‘Insides’” – pisze Piotr Metz w liner note.
„W końcu nadszedł ten moment w moim życiu, w którym przestaję mówić: ‘Kiedyś nagram album jazzowy – taki ze standardami, które w głębi duszy nucę przez całe życie’. To się po prostu musiało wydarzyć.” – pisze Paulina Przybysz
Do współpracy nad „Insides” Przybysz zaprosiła czołówkę muzyków nowej generacji polskiego jazzu, będących częścią rewolucji zachodzącej od ponad dekady na scenach muzyki improwizowanej całego świata. Marek Pędziwiatr na fortepianie i syntezatorach, Tymon Kosma na wibrafonie, Wiktoria Jakubowska na perkusji, Olaf Węgier na saksofonie tenorowym i Krzysztof Baranowski na kontrabasie.
„Z każdym z muzyków miałam już jakieś sceniczne, tudzież studyjne doświadczenia, ale pomimo tego, dzwoniłam do nich z bijącym sercem i strachem, czy przyjmą moją propozycję zaproszenia do projektu, ponieważ mój szacunek dla ich wrażliwości i kunsztu jest ogromny. Jestem niezwykle wdzięczna za to, że wsiedliśmy razem do tego statku.” – mówi Paulina
Wspólnym mianownikiem dla całego materiału i zaproszonych muzyków, jest niewątpliwie fuzja pasji do hip-hopu i szacunku do klasyki mainstreamowego jazzu. Natomiast Przybysz na swojej artystycznej drodze nigdy nie postrzegała muzyki gatunkowo, od zawsze podchodziła do niej intuicyjnie i wrażeniowo, a to czy akurat leży to w zgodzie z szeroko rozumianym stylistycznym savoir vivrem, od zawsze było kwestią drugorzędną. I tak jak twórczości Pauliny Przybysz nigdy nie udało się do końca sklasyfikować i przypisać gatunkowej szufladzie, tak w przypadku albumu “Insides” niech jego tytuł będzie wskazówką dla słuchaczy, a słowo jazz, które przez ostatnie lata przysposabia coraz więcej form i nurtów muzycznych, niech będzie symbolem tego, co dla artystki było bazą wyjściową do nagrania płyty.
BigUp Tour to trasa koncertowa, jakiej jeszcze nie było na polskiej scenie muzycznej. To wyjątkowe wydarzenie, które łączy trap i rap z niezapomnianymi doświadczeniami dla fanów. W ramach BigUp Tour 1.1 Modern Stage fani będą mogli usłyszeć swoich ulubionych trapowych artystów na żywo, a także wziąć udział w wyjątkowych aktywacjach, takich jak „Twoja Trapowa Zwrotka”.
Festiwal to prawdziwe święto (t)rapu, gdzie nie tylko fani mogą cieszyć się koncertami, ale także brać udział w wyjątkowych aktywacjach i wydarzeniach. Do tego artystów można zobaczyć na żywo w swoich miastach, co daje niepowtarzalną okazję na spotkanie ulubionych raperów bez konieczności podróżowania.
Local Icons – Nowa Szansa dla Młodych Artystów
W ramach BigUp Tour, po raz pierwszy na taką skalę, pojawił się konkurs Local Icons, który ma na celu wyłonienie młodych, lokalnych talentów (t)rapowych z całej Polski. Zajawkowicze mogli zgłaszać swoje freestyle’owe zwrotki na Instagramie lub TikToku, używając hashtagów #localicons i #biguptour, albo przesyłać zgłoszenia przez formularz kontaktowy na stronie www.local-icons.com.
Jury konkursowe wybrało dziesięciu najlepszych wykonawców z każdego miasta, którzy następnie zmierzyli się w głosowaniu publiczności online. Trzech zwycięzców z każdego miasta zostało zaproszonych do mobilnego studia w dniu koncertu w danym mieście, gdzie nagrają swoje zwrotki do singla „Wielka Rzecz”. Zwycięzca każdego miasta weźmie udział w wielkim finale w Warszawie, a najlepszy artysta w całej trasie wygra kontrakt z wytwórnią, $$$ na promocję oraz możliwość występu na scenie podczas drugiej trasy BigUp 1.2.
Line-up
BigUp Tour 1.1 to festiwal, który zgromadzi najlepszych artystów polskiej sceny (t)rapowej. W line-upie znajdą się:
Wszyscy ci artyści połączyli swoje siły, aby promować trasę utworem „Wielka Rzecz”, w którym każdy z nich ma swoje miejsce. W produkcji tego kawałka brali udział Drepat, burnyprod i skinzoe, a za mix i master odpowiedzialny jest Pazzy. Klip do „Wielka Rzecz” to nowoczesna produkcja wykorzystująca AI oraz animacje 3D, a jego elementy będą się rozwijać w czasie trwania trasy, z każdym ogłoszonym artystą dodawana będzie nowa zwrotka oraz wizualne elementy. To pierwsza trasa, która ewoluuje w czasie rzeczywistym, oferując unikalny storytelling.
Harmonogram i wymiana opasek
Normal PASS, VIP PASS, i Media PASS odbierane będą przy bramce wejściowej na podstawie zeskanowania kodu QR biletu na telefonie lub biletu papierowego oraz za okazaniem dowodu tożsamości.
Pamiętaj! Weź ze sobą dokument tożsamości na wydarzenie!
4.1 Harmonogram
13:00 – 18:00: Strefa „Warm Up”
Lokalne finały konkursu Local Icons – Młodzi artyści rywalizują o nagrodę.
Inne atrakcje w strefie FREE of charge – dostępne dla wszystkich bez biletów na koncerty.
17:00: Otwarcie bram
18:00 – 24:05: Koncerty
18:00 – Tonfa
18:35 – Drabusheyka
19:15 – Koneser
19:55 – Zdechły Osa
20:40 – Ćpaj Staljl & Crank All
21:35 – Yung Adisz
22:25 – Vkie
23:15 – Schafter
24:05 – Zakończenie koncertów
Po 24:05 – After Party
5. Aktywacje dodatkowe
5.1 Aktywacje w bezpłatnej strefie WARM UP (do 18:00)
a) Lokalny finał konkursu Local Icons, gdzie artyści mogą wygrać kontrakt z wytwórnią, $$ na promocję oraz koncert w trasie 1.2. Finaliści konkursu Local Icons będą mieli okazję nagrać zwrotki w profesjonalnym mobilnym studiu nagraniowym – bądźcie świadkami powstawania najlepszych zwrotek do utworu „Wielka Rzecz”. – więcej o konkursie na www.local-icons.com
b) Strefa chillout z DJ Setami.
c) Strefy partnerów
d) Konkurs, w których można wygrać bilety na wieczorne koncerty BigUp Tour 1.1 lub VIP PASSY
5.2 Aktywacje w strefie koncertowej (wstęp tylko z biletem, od 18:00)
a) Twoja Trapowa Zwrotka
Aktywacja „Twoja Trapowa Zwrotka” jest wyjątkową okazją dla fanów, by w profesjonalnych warunkach nagrali swoją własną zwrotkę. W strefie IQOS na BigUp Tour uczestnicy będą mogli stworzyć swoje utwory w kabinach dźwiękoszczelnych, korzystając z najlepszej jakości sprzętu.
Założenia aktywacji:
Czas na uczestnika: 10-15 minut
Minimalny wiek: 18+
Profesjonalne warunki nagraniowe
Przebieg aktywacji:
Weryfikacja wieku uczestnika.
Przydzielenie slotu czasowego.
Tworzenie tekstów z pomocą materiałów pomocniczych z użyciem 3 słów kluczowych.
Nagranie zwrotki przy użyciu profesjonalnego sprzętu.
Natychmiastowa gratyfikacja – uczestnicy otrzymują swój utwór w formacie mp3.
b) Strefa chillu IQOS z możliwością zakupienia urządzeń partnera
c) Strefa barowa sponsored by MixMe oraz UnitedBeverages
d) Strefa gastro
6. Przyjedź na BigUp z FreeNow
BigUp Tour to nie tylko wyjątkowe koncerty i niezapomniane chwile na scenie – to również wygoda i komfort dojazdu dzięki współpracy z FreeNow! Dzięki tej aktywacji każdy uczestnik będzie mógł cieszyć się bezstresową podróżą na i z wydarzenia. Z FreeNow podróż na BigUp Tour staje się częścią całego doświadczenia.
Automatyczna zniżka 30% dla uczestników koncertów i zniżka dla nowych użytkowników
Uczestnicy koncertów BigUp Tour otrzymują automatycznie 30% zniżki na przejazdy z FreeNow (max 7 zł) w każdym z miast koncertowych co pozwoli im na łatwy i komfortowy dojazd na wydarzenia. Dla nowych użytkowników przewidziana jest zniżka 2 x 10 zł po użyciu kodu: BIGUPTOUR25. Bez względu na to, czy będziesz podróżować sam, czy z przyjaciółmi, FreeNow zapewni Ci wygodną, bezproblemową podróż na koncerty w siedmiu miastach, od Gliwic po Warszawę.
7. Partnerzy medialni
BigUp Tour współpracuje z najlepszymi partnerami, którzy zapewniają wsparcie medialne i wyjątkowe aktywacje. Wydarzenie jest objęte patronatem Polskiego Radia Cztery oraz Tuba.FM | Powered by Next.js , które będą dostarczać relacje na żywo oraz materiały promujące trasę. Partnerzy ci będą obecni na każdym etapie trasy, oferując publiczności dodatkowe emocje oraz angażując fanów do aktywności związanych z koncertami.
8. VIP Party – Niezapomniane Afterparty
BigUp Tour to także niepowtarzalna okazja, by przeżyć wyjątkowe afterparty w gronie artystów i fanów. Po każdym koncercie odbędzie się VIP Afterparty w Secret Location, które potrwa do białego rana. W ramach formuły all inclusive uczestnicy mogą liczyć na pełen serwis – open bar oraz możliwość spotkania nie tylko z artystami, ale także z innymi gośćmi specjalnymi. To jedyna taka szansa, by poznać artystów na żywo, zadać im pytanie czy po prostu spędzić czas w wyjątkowej atmosferze.
Bilety VIP zapewniają dostęp do strefy VIP oraz na afterparty, a także osobne wejście na koncerty. Bilety są dostępne na stronie stage24.pl oraz Strona główna – BIGUP TOUR .
WAŻNE: W dniu koncertu w danym mieście w strefie WARM UP od 13:00 do 17:00 będzie również okazja do zupgradeowania swoich normal passów na VIP passy.
Kwintet zaprezentuje materiał ze swojej debiutanckiej płyty pt. „Kosmos”, która ukazała się w czerwcu ubiegłego roku nakładem wytwórni Audio Cave. Album przez krytyków został uznany za jeden z najlepszych debiutów roku, co przyczyniło się m.in. do docenienia artystów w plebiscycie JAZZ TOP 2024 (na najlepszych jazzowych artystów minionego roku) organizowanego przez redakcję Jazz Press i Radio Jazz.fm.
Wokalista i kompozytor. Mówi się o nim „zwierzę muzyczne”. Ciągle się zmienia, dużo improwizuje, a mimo to jego kompozycje można poznać już po kilku pierwszych dźwiękach. Jest niezwykle charyzmatyczny i z łatwością podbija serca zgromadzonej publiczności. Uważa się za człowieka szczęśliwego. Docenia to, co już umie, ale fascynuje go możliwość dalszego rozwoju. Twierdzi, że z wiekiem muzyka sprawia mu jeszcze większą radość, którą chce się dzielić ze słuchaczami.
BIG BAND AKADEMII MUZYCZNEJ W ŁODZI
Akademicki Big Band to zespół, który od niemal trzech dekad aktywnie uczestniczy w życiu kulturalnym Łodzi. Został założony w 1997 roku, a jego liderem do 2022 roku był ceniony saksofonista i klarnecista Jacek Delong. Aktualnie zespół prowadzi Jakub Raczyński, saksofonista, absolwent Wydziału Jazzu i Muzyki Rozrywkowej w Katowicach.
Praca w Big Bandzie to dla studentów cenna możliwość uzupełnienia klasycznego wykształcenia o praktyczne umiejętności wykonywania muzyki jazzowej i rozrywkowej. Formacja ma na swym koncie udział w wielu prestiżowych wydarzeniach. Wraz z chórem Con Vigore Big Band uczestniczył w polskiej premierze Sacred Concert II Duke’a Ellingtona. W ramach cyklu Jazz w Pałacu grał z Michałem Urbaniakiem i amerykańskim trębaczem Garym Guthmanem. Występował również w Filharmonii Łódzkiej w cyklicznych koncertach Młodzi w Łodzi. Dwukrotnie prezentował programy poświęcone twórczości Edwarda Czernego, m.in. z Olgą Bończyk, Urszulą Dudziak i orkiestrami Filharmonii Świętokrzyskiej, Podlaskiej i Łódzkiej oraz Orkiestrą Symfoniczną w Łomży. W 2006 roku zespół witał Branforda Marsalisa na spotkaniu w łódzkiej Akademii. Ukoronowaniem 10-letniej działalności formacji był koncert z Janem Ptaszynem Wróblewskim w Muzeum Miasta Łodzi. W roku 2010 zespół występował m.in. w ramach koncertów i warsztatów prowadzonych przez kompozytora muzyki filmowej i laureata Emmy Award – Michaela Pattersona. Poza występami w Polsce grał na festiwalu jazzowym w Szegedzie (Węgry), koncertował w Brukseli i Stuttgarcie. W roku 2015, razem z solistą Piotrem Wojtasikiem, zespół brał udział w koncercie poświęconym pamięci trębacza i pedagoga Akademii Muzycznej w Łodzi – Andrzeja Rokickiego. Zagrał też m.in. z Robertem Majewskim i Henrykiem Gembalskim koncert promujący powstającą w rodzimej uczelni Katedrę Jazzu. Każdego roku Big Band bierze udział w sztandarowym projekcie uczelni – AŻ Festiwalu, często występując z polskimi i zagranicznymi artystami: Tomaszem Szymusiem (2015), Andreą Tofanellim (2016), Grzegorzem Nagórskim (2018), Dorotą Miśkiewicz (2019), Krystyną Prońko (2023) i Stanisławem Sojką (2024).
Big Band został sześciokrotnie nagrodzony na Festiwalu Big Bandów w Nowym Tomyślu, dwukrotnie otrzymując Grand Prix. Zdobył również I nagrodę na I Festiwalu Big Bandów w Bydgoszczy i wyróżnienie na Festiwalu „Jazz nad Odrą”.
7.08 Nowe Głosy Polskiej Muzyki – Polskie Kompozytorki Młodego Pokolenia: Hania Derej, Maja Laura, Marta Wajdzik, Patrycja Wybrańczyk Paulina Przybysz 10.08 Koncert familijny: Orkiestra Łódzkich WTZ-tów 21.08 Marek Pospieszalski EPTA Émile Parisien Quartet 24.08 Koncert familijny: NO CZEŚĆ! Basia Derlak i Jacek Szabrański 28.08 Koncert finałowy: Mateusz Smoczyński „Adam’s Apple”
Karnet obowiązuje na wszystkie wydarzenia w ramach 18. Letniej Akademii Jazzu oraz koncerty INTL Jazz Platform.
W czerwcu, lipcu i sierpniu 2025 roku odbędzie się 18. edycja Letniej Akademii Jazzu, jednego z najważniejszych festiwali jazzowych w Polsce, który niezmiennie przyciąga miłośników muzyki improwizowanej z całego kraju. Przez całe lato łódzka Wytwórnia wypełni się dźwiękami jazzu w najlepszym wydaniu, od premierowych projektów po występy legend współczesnej sceny.
Jerz Igor, czyli Jerzy Rogiewicz i Igor Nikiforow, tworzą autorskie barokowo-popowe piosenki dla dzieci.
Ich debiutancka „Mała Płyta” zdobyła w 2014 roku serca dzieci i dorosłych, prowadząc ich na sceny wielkich i małych festiwali.
Teksy piosenek dla Jerza Igora napisali między innymi: Natalia Fiedorczuk, Dorota Masłowska, czy Grzegorz Uzdański.
„Wyspa” to trzeci album zespołu Jerz Igor. Jego osią tematyczną są emocje, w całej swojej różnorodności. Singlem towarzyszącym wydaniu płyty jest piosenka „Wyspa” z tekstem Grzegorza Uzdańskiego. Opowiada ona o uczuciu, którego każdy z nas czasem doświadcza – złości – i o tym jak dobrze jest móc ją od czasu do czasu swobodnie wyrazić. Marta Krześlak – absolwentka pracowni multimediów w Łodzi, artystka o niepowtarzalnym stylu, która odpowiada za koncepcję artystyczną albumu, pisze o nim tak: „Wyspa to dla mnie opowieść o tym, co można sobie wyobrazić siedząc we własnym pokoju. Nowy świat, w którym każde marzenie to tajemnicza wyspa. Jestem przekonana, że można odkryć ich jeszcze bardzo wiele, naiwnie byłoby myśleć, że znamy je wszystkie na bezkresnym oceanie”. Album został wydany w formie boxu, w którym oprócz płyty można znaleźć saszetkę z ziarnami łąki kwietnej, plakat/teksty piosenek, naklejki.
Caminos to nowy projekt gitarzysty Juana Gómeza „Chicuelo”. Składa się z tang, alegrías, bulerías i granaínas, a dzięki niezwykłej formacji otwiera nowe ścieżki dźwiękowe we flamenco.
Czysty dotyk „Chicuelo”, delikatna perkusja Davida Gómeza i wirtuozerski kontrabas Manela Fortià otaczają taniec Karen Lugo. Karen z kolei generuje nowe formy tańcząc do najmniejszego szeptu. Bez cante, cajón czy palmas, repertuar Caminos składa się z opowieści w rytmach flamenco. Od kołysanki po hołd dla Djiango Reinharta, alegrías są przekształcane przez kontrabas Fortià, a bulerías przez perkusję Gómeza. Spektakl łączy w sobie świeżość, siłę, sztukę i przekazuje te cechy z taką samą naturalnością, która łączy czterech artystów na scenie. Juan Gómez „Chicuelo” jest jednym z najważniejszych gitarzystów na obecnej scenie flamenco, a jednocześnie jednym z najbardziej płodnych i interesujących kompozytorów ostatnich pokoleń. Jako gitarzysta towarzyszył takim wokalistom jak: Enrique Morente, Miguel Poveda, Duquende, Mayte Martín, Rancapino, Chano Lobato, José Mercé, El Cigala, Potito i Carmen Linares. Współpracował również z muzykami jazzowymi, takimi jak: Chano Domínguez, Carles Benavent, Jorge Pardo, Jordi Bonell, Raynald Colom itp. oraz z pianistką klasyczną Marią Joâo Pires.
CZĘŚĆ II: ALFREDO RODRIGUEZ
Alfredo Rodriguez, jeden z najwybitniejszych improwizujących pianistów naszych czasów jest Kubańczykiem z Hawany. Dziś mieszka w Miami. I tam, ze swej ulicy Coral Way, przysłuchuje się muzyce regionu. Nie tylko zatem kubański son i bolero, ale także bachata z Dominikany, salsa z Puerto Rico, timba, tango, a nawet reggaeton zainspirowały nowe kompozycje Alfredo. Album Coral Way to nowy etap w muzyce mistrza i opowieść o jego nowym życiu, w nowym mieście, w roli ojca.
Nominowany do Grammy za swą aranżację Guantanamery Rodriguez jest kontynuatorem tradycji wielkich pianistów kubańskich – od Lecuony przez Peruchina, Gonzaleza, Bebo i Chucho Valdesów, aż po Rubalcabę. W jego sztuce historia muzyki kubańskiej spotyka się z jazzowym wyrafinowaniem i niedościgłą wirtuozerią godną finalistów Konkursu Chopinowskiego. To zderzenie światów zafascynowało Quincy’ego Jonesa, który przed paroma laty przyjął młodego Kubańczyka pod swe producenckie skrzydła i wydał kolejne autorskie albumy Alfredo. Nie powinno zatem zdumiewać, że na jednym z nich Rodriguez sięga po legendarny Thriller!
Ci, którzy słyszeli tę pianistykę podczas siestowych koncertów Alfredo z Richardem Boną nie potrzebują zachęty, by po raz kolejny doświadczyć olśnienia. Pozostali wciąż żyją w mroku. Aż do dnia oświecenia, do pierwszego spotkania z wirtuozem z Hawany
Neurodivergent to eksperymentalne trio, z gościnnym udziałem Kacpra Malisza, które poszerza granice improwizacji poprzez jednocześnie surową i emocjonalną eksplorację neuroatypowości. Zespół współtworzą instrumentaliści, z których każdy wnosi do muzyki unikalną perspektywę oraz odmienny artystyczny background (Miłosz Berdzik związany jest z muzyką hip-hopową/awangardową, Kacper Malisz z muzyką tradycyjną, Maciej Szczyciński oraz Aga Derlak – oboje zanurzeni w jazzie i muzyce klasycznej). Dzięki temu muzyka wymyka się klasyfikacjom, a muzyków inspiruje do nieustannej uważności i kreacji. Muzyka, łącząca zawiłe improwizacje z rytmiczną dynamiką oraz transową powtarzalnością, odzwierciedla niuanse i złożoność umysłu. Jest o nieoczywistych wyborach, nieprzewidywalnej w swym charakterze ekspresji. Zakłada przyjęcie alternatywnych sposobów myślenia, odrzucenie harmonii w jej powszechnym rozumieniu na rzecz struktur, motywów i muzycznej “chemii”.
Aga Derlak – p – Maciej Szczyciński – db Miłosz Berdzik – dr feat. Kacper Malisz – vn
CZĘŚĆ II:CRAIG TABORN SOLO
Dziesięć lat minęło od wydania albumu „Avenging Angel” Craiga Taborna, który wniósł uderzająco świeże pomysły do idiomu fortepianu solowego. „Odbija się w nim galaktycznie szerokie spektrum zainteresowań pana Taborna” – napisał New York Times – „wraz z jego wieloaspektową techniką”, podczas gdy The Guardian wychwalał „świat szeptanych, szeroko rozmieszczonych figur, dźwięczących alikwotów, ulatujących ech i ponurych kontrapunktycznych kaskad”.
W ciągu ostatniej dekady Taborn udoskonalił i rozwinął swoje podejście, osiągając nowe wyżyny dzięki albumowi „Shadow Plays”. Dla Craiga to nagranie jest „częścią tego samego kontinuum co Avenging Angel. Tamto było nagraniem studyjnym, to koncertowym, ale proces spontanicznej kompozycji trwa dalej”. Nowy album to oszałamiający recital na żywo z Mozart-Saal w Wiener Konzerthaus, gdzie program nosił tytuł Avenging Angel II. W tym w pełni improwizowanym koncercie Craig eksploruje dźwięki i ciszę, wirujące kolory, gęstości i formy, tworząc nową muzykę zarówno z poetycką wyobraźnią, jak i żelazną kontrolą nad swoim materiałem. Jego kontrola nad swoim rzemiosłem, gdy bezbłędnie tworzy narracje i struktury z podpowiedzi ujawnionego wzoru, podążając tam, gdzie prowadzi go intuicja i doświadczenie, jest niezwykła.
Taborn to znakomity improwizator w każdym kontekście i ceniony za zdolność docierania do sedna muzyki, niezależnie od otoczenia. W jego solowych pracach odniesienia do „jazzu” nie zawsze są oczywiste, ale w strumieniu utworu później zatytułowanego Conspiracy of Things przebłyskują odniesienia do historii muzyki – od stride piano po współczesność – z zawrotną prędkością. W każdej kompozycji idee są eksplorowane na wielu poziomach. Emocje również – czułość i gwałtowność współistnieją w utworach o przemyślanych tytułach Discordia Concors i Concordia Discors, które odzwierciedlają ideę jedności w różnorodności. „Nazwy utworów nadaję dopiero po ich zakończeniu, uwzględniając ich programową pozycję – w pewnym sensie tytułowanie to końcowy etap kompozycji” – powiedział Taborn w wywiadzie dla magazynu Bomb. „Tytuły mają zachęcać do rozszerzenia muzycznego doświadczenia na inne obszary”. Inkluzywność jego twórczości – subtelnie inspirowana muzyką i sztuką z wielu tradycji – zaprasza do nowych skojarzeń i otwartych reakcji.
Ponad pół wieku po pierwszym lądowaniu człowieka na Księżycu i 14 lat od wynalezienia iphone’a wiejska muzyka ma niesłabnącą moc urzekania. Wzrusza, wprawia w zamyślenie, bawi, pobudza do ruchu i kreatywności. Potrafi czule towarzyszyć człowiekowi współczesnemu na co dzień i od święta. Doświadczamy tego wielokrotnie. Ty też chcesz się przekonać? Oto kluczyki do naszej rakiety. Czeka na kosmodromie między Kielcami a Sandomierzem. Usiądź wygodnie i odpal motor. Posłuchaj, jak pracują dysze-tłoki-klapy-miechy-druty-blachy. Wznieś się na orbitę okołoziemską i poczuj upojną lekkość wiru. Leć w nieznane, ku nowym światom. Trochę to potrwa, ale na szczęście można śpiewać! W schowku pilota znajdziesz piosenki wyselekcjonowane do międzygwiezdnych podróży. Bogate w makroelementy śmiechu i — równie potrzebne dla zdrowia — mikroelementy smutku. Opowiadają o przygodach roślin, zwierząt i muzykantów planety Ziemia. Rozproszą przelotne tęsknoty i na pewno zaciekawią każdego kosmitę!”
Muzyka zespołu TĘGIE CHŁOPY jest jednym z filarów ścieżki dźwiękowej do głośnego już filmu CHŁOPI, który ukazał się w październiku 2023. Film był polskim kandydatem do OSCARA, także w kategorii Muzyka.
CZĘŚĆ I: Unleashed Cooperation & Anna Gadt „Trust”
Najnowszy album kwintetu Unleashed Cooperation to kolejny etap muzycznych poszukiwań obejmujących improwizację, muzykę współczesną, etniczną oraz jazz. Całość, utrzymana w konwencji akustycznego brzmienia, nawiązuje do muzyki znanej z nagrań Tomasza Stańki czy Krzysztofa Komedy. Kwintet, jako duchowy spadkobierca wielkich mistrzów, rozwija ich brzmienie poprzez szereg produkcyjnych zabiegów, nadając całości nowoczesne i świeże brzmienie. Proces tej ewolucji został wzbogacony o obecność Anny Gadt – czołowej polskiej wokalistki jazzowej i improwizatorki. Wykonane z nią utwory „Temat Laury” i „Mr. Paul’s beautiful dream” to esencja wolnej improwizacji oraz subtelnie prowadzonych i kontrapunktujących się melodii. Płyta składa się z sześciu autorskich kompozycji oraz dwóch improwizowanych miniatur. Inspiracji do powstania albumu można poszukiwać wśród polskiej muzyki tradycyjnej – „String Theory” czy twórczości Witolda Lutosławskiego – „Morze”, a także w muzyce elektronicznej i współczesnych nurtach muzycznych jak i producenckich – obecnych szczególnie w kompozycjach ,,Mr. Paul’s Strange Dream” oraz ,, Mr. Paul’s Beautiful Dream”. Strukturę albumu domyka niezwykle ekspresyjna kompozycja „Polistes Dominula”.
Specjalna dwupłytowa wersja albumu zawiera dodatkowo sesje i improwizowane miniatury zrealizowane podczas nagrań zespołu. Album to niezwykle zbalansowany i spójny koncept brzmieniowy, który – dzięki różnorodnym inspiracjom – przyciąga, intryguje i ukazuje siłę kolektywu. Płyta „Trust” jest kontynuacją i jednocześnie rozwinięciem idei znanej z pierwszego albumu zespołu „8years”. To rozwój autonomicznego brzmienia, zbudowanego na wspólnym procesie twórczym i wzajemnym zaufaniu, zarówno w aspekcie muzycznym, jak i ludzkim.
CZĘŚĆ II: Bluish Landscapes – Maciej Obara plays Tomasz Stańko
W ramach 18. edycji Letniej Akademii Jazzu zaprezentowany zostanie wyjątkowy koncert upamiętniający jednego z najwybitniejszych polskich trębaczy i kompozytorów – Tomasza Stańko. Projekt „Bluish Landscapes”, przygotowany przez Macieja Obarę, to artystyczny hołd dla legendy polskiego jazzu oraz twórcza reinterpretacja jego dorobku z udziałem wybitnych muzyków z Polski i Norwegii.
Koncert podkreśla rolę Stańki jako twórcy, który otworzył polski jazz na wpływy skandynawskie i zbudował mosty między artystami z obu krajów. Dla Macieja Obary, artysty o międzynarodowej renomie i byłego współpracownika Stańki, projekt ten jest osobistą kontynuacją muzycznego dialogu z mistrzem i próbą uchwycenia jego wyjątkowego spojrzenia na dźwięk i formę.
Na scenie obok Obary wystąpią m.in.: Sissel Vera Pettersen, Ingerbrigt Håker Flaten, Audun Kleive, Dominik Wania oraz młodzi, utalentowani polscy artyści: Amalia Umeda, Anna Szmatola i Adam Jędrysik. Tytuł koncertu nawiązuje do albumu Stańki z 1992 roku, nagranego z norweskimi muzykami – Jonem Christensenem i Arildem Andersenem.
Wydarzenie, organizowane we współpracy z Fundacją Tomasza Stańko, ma na celu promocję polskiej kultury za granicą, międzypokoleniową wymianę artystyczną oraz pielęgnowanie dziedzictwa polskiego jazzu.
„Swoiście tradycyjny, acz wcale nie zachowawczy. Tak można określić ten album. Odważny, przekorny w wielu wymiarach. A przede wszystkim rewelacyjny w muzycznej zawartości. Jednym zdaniem: niezłe kwiatki …” Krzysztof Komorek, Donos Kulturalny
Grzegorz Tarwid zaprezentuje program ze swojego pierwszego autorskiego albumu „Flowers”, nagranego w formule tria. Utwory są inspirowane naturą, jej zmiennością i chaosem, ale też jej subtelnością i delikatnością.
Płyta została zarejestrowana na magnetofonie szpulowym w studiu Piotra Zabrodzkiego i wydana w październiku 2023 roku nakładem prestiżowej portugalskiej wytwórni Clean Feed.
Tarwidowi towarzyszą muzycy, z którymi współpracuje na co dzień w innych składach: kontrabasista Max Mucha i perkusista Albert Karch.
Skład:
Grzegorz Tarwid – pianino i kompozycja
Max Mucha – kontrabas
Albert Karch – perkusja i fortepian, produkcja
Untitled design – 1
otherMother
Austriackie trio “otherMother” ma na celu stworzenie rytmicznej symbiozy dźwięku. Akustyczne i elektroniczne dźwięki płynnie scalają się ze sobą, tworząc perkusyjne sieci impulsów, które czerpią inspirację z eksperymentalnej i klubowej muzyki opierającej się na rytmach.
Dzięki niekonwencjonalnej instrumentacji, rozszerzonym technikom grania i wolnemu podejściu do improwizacji, zespół eksploruje granice gatunków muzycznych, będąc wirtuozami w tłumaczeniu własnego języka dźwięku na różnorodne ustawienia sceniczne, koncertowe i konteksty stylistyczne.
Wyobraź sobie brakujące ogniwo między swobodną improwizacją jazzową a muzyką klubową, a zrozumiesz, co sprawia, że to trio jest tak wyjątkowe.
Skład:
Judith Schwarz
Arthur Fussy
Jul Dillier
otherMother – 1
Sc’ööf
“Z piętnastu osób, z którymi rozmawiał(e)m, większość powiedziała, że wasz koncert był ich ulubionym występem wieczoru. Co, szczerze mówiąc, zupełnie mnie zaskoczyło. Myślał(e)m, że będziecie uznani za najbardziej ekscentrycznych”. – kurator festiwalu muzycznego z Hagi
Sc’ööf to eksperymentalny zespół, który stworzył własny radykalny, język dźwięków – odświeżająco-odważny i bezpośredni. Z silnym zamiłowaniem do urzekająco dziwnych rytmów i nadmierną energią na żywo, Sc’ööf to ekscytujący worek pełen niespodzianek.
Children of Fish to międzynarodowe, polsko-norwesko-łotewskie trio, którego prądy zbiegły się w Kopenhadze, gdzie też muzycznie się połączyli. Na ich twórczość wpływ mają źródła muzyki jazzowej, improwizowanej oraz myśl przewodnia inspirowana tym, co dzieje się tu i teraz.
Children of Fish metodą swobodnej ekspresji i wzajemnego zrozumienia prezentują w swojej muzyce dziecięcą wolność, radość oraz prostotę, operując jednocześnie instrumentalnym kunsztem oraz nieprzeciętną wirtuozerią.
Ich muzyka określana jest mianem nordic jazz bądź “baltic jazz”, który kryje w sobie tradycje muzyki z krajów nadbałtyckich oraz skandynawskich.
Val Jeanty, znana również jako Val-Inc, to haitańska artystka afrofuturyzmu, perkusistka, turntablistka i profesor w Berklee College of Music.
Jeanty jest pionierką podgatunku muzyki elektronicznej, nazwanego Afro-Electronica lub Vodou-Electro, który łączy haitańskie rytmy folkowe z cyfrowymi instrumentami poprzez synergiczne połączenie akustyki z elektroniką, łącząc tym samym archaiczne z postmodernistycznym.
Występy Jeanty w nurcie Afro-Electronica były prezentowane w Whitney Museum, Museum of Modern Art oraz międzynarodowo na Biennale w Wenecji i w Muzeum Domu Kultur Świata w Berlinie.
Gard Nilssen Acoustic Unity
„To trio jest jedną z najbardziej ekscytujących grup, jakie słyszałem od dłuższegoczasu w katalogu ECM.” -Mike Gates, (UKVibe 5/5)
Gard Nilssen Acoustic Unity to wydźwięk intrygującego, niespokojnego i pełnego pasji umysłu norweskiego perkusisty, który wraz z przyjaciółmi tworzy muzykę z całkowicie otwartymi głowami, bez ograniczeń gatunkowych!
Założony w 2015 roku Gard Nilssen Acoustic Unity, zagrał dotychczas 250 koncertów na całym świecie, wydał cztery uznane przez krytyków albumy, a także współpracował z legendarnymi artystami jazzowymi, takimi jak Joshua Redman i Ambrose Akinmusire. Przede wszystkim Gard Nilssen Acoustic Unity zdobył reputację jednego z najlepszych livebandów na scenie jazzowej.
W składzie zespołu pojawili się ostatnio nowi członkowie – Signe Emmeluth i Kjetil Møster, a wraz z nowym albumem planowanym na jesień 2025 roku, nadchodzi doskonała okazja, by zaprezentować świeże brzmienie i nowe kompozycje zespołu.
Marcel Baliński Trio to zespół założony przez łódzkiego pianistę, kompozytora i aranżera, Marcela Balińskiego, który w swojej muzyce łączy wysublimowaną awangardę z melodyjną, pełną improwizacji jazzową ekspresją. Grupa zadebiutowała w 2019 roku i od tego czasu zyskała uznanie zarówno w kraju, jak i za granicą. Ich pierwsza płyta, “Opalenizna i wiatr”, została nominowana do nagrody Fryderyków 2023 w kategorii Fonograficzny Debiut Roku Jazz. Album wyróżnia się artystyczną dojrzałością, kompozycyjną świadomością oraz unikalnym podejściem do tradycyjnej formuły tria jazzowego.
Ich muzyka to mieszanka harmonicznych kontrastów, improwizacji i lirycznych melodii. Baliński w swoich kompozycjach unika tradycyjnych środków wyrazu, eksperymentując z perkusją i dekonstruując frazy w sposób, który wykracza poza klasyczne ramy jazzu. Zespół z powodzeniem łączy nowatorskie podejście do formy z emocjonalnym ładunkiem, oferując słuchaczom zupełnie nową jakość w polskim jazzie.
Skład:
Marcel Baliński – fortepian
Jort Terwijn – kontrabas
Tymek Papior – perkusja
matter 100
“Świetna sztuka i wielka przyjemność/…/ Kaja Draksler i jej współpracownicy są polecani każdemu, kto utracił zdolność zachwytu nad ilością muzyki, którą zna.” – Ulrich Stock, Die Zeit, 2023
“W najbliższej przyszłości nie usłyszymy niczego podobnego do tych innowacyjnych utworów.” – Martin Longley, Jazzwise, 2023
W matter 100, Kaja zmierza w kierunku piosenki i dźwięku – piosenki jako formy i dźwięku jako nawigatora oraz generatora pomysłów. Interesuje ją wykorzystanie prostych struktur harmonicznych, zabarwionych i rozszerzonych przez mikrotonalność oraz praca z amplifikacją i efektami audio w celu kształtowania dźwięku zespołu. Poezja Deana Younga, czasami śpiewana, innym razem mówiona, oscyluje między eksperymentalizmem a surrealizmem.
Wybór muzyków uformował inspiracje i kierunek pisania muzyki. Kaja zaprosiła muzyków z różnych pokoleń i muzycznych środowisk, aby otworzyć możliwości, wprowadzić świeżość i rzucić wyzwanie swoim kompozycjom. Wszyscy członkowie tej międzynarodowej grupy mają własny, wyrazisty dźwięk i bogatą muzyczną historię, niezależnie od wieku i kraju pochodzenia.
„…to, co robi ta trójka, to naprawdę mocna rzecz, poruszająca i wstrząsająca duszą. Myślę, że słuchanie tego jest zdrowe w dzisiejszych czasach, gdy radio i telewizja wypełniają nas wszelkimi odmianami 'nieszkodliwej’ muzyki, która tak naprawdę nic nam nie daje; przeciwnie – być może coś przez to tracimy” – Trygve Knudsen, o debiutanckim koncercie tria w 2019 roku
Scena jest gotowa na nowe, rzadkie spotkanie trzech legendarnych norweskich muzyków, którzy, od pewnego czasu, karmią światowe sceny muzyczne odważnymi i przekraczającymi gatunki podróżami dźwiękowymi:
Ogromny, unoszący się pejzaż gitarowo-elektroniczny Eivind’a iskrzący lodem i ogniem, a jednocześnie emanujący rzadkim poczuciem spokoju i czasu. Supermocne organy B3 Ståle’go, dudniące basy, perkusyjne syntezatory, skręcone i zniekształcone dźwięki… oraz precyzja, energia i obecność, które posiadają tylko nieliczni. Ekscentryczny i precyzyjnie skonstruowany rytm Audun’a, porywająca dynamika i błyskawiczny atak, jego pełne oddanie sztuce subtelnej interakcji. Szerokie i ciężkie brzmienie wydobyte dla słuchaczy przez Geira Østensjø, zasłużonego członka europejskiej Galerii Sławy Techników Dźwięku.
Marcin Masecki to pianista dobrze znany i szeroko wychwalany za swoje personalne i radykalne interpretacje kanonicznego repertuaru muzyki klasycznej. Kaja Draksler, znakomita improwizatorka i wybitna kompozytorka, staje z kolei przed nowymi i ambitnymi wyzwaniami. Razem tworzą osobistą interpretację bogatego, surowego i skomplikowanego słownictwa wielkiego niemieckiego mistrza.
Masecki i Draksler pierwszy raz wystąpili jako duo we wrześniu 2020, a ich pierwsza próba repertuaru Bacha miała miejsce rok później. Koncert ujawnił głęboki potencjał tej kolaboracji, który niewątpliwie rozwinął się, pogłębił i ewoluował podczas trasy duetu w październiku 2022 r.
Dąbrowski/Hermia/Draksler/Zanussi/Harris
ØKSE
„Wszystko, od jazzu po joik, od rapu po haitańskie vodou.” – Martin Bjørnersen, Klassekampen
„Ale bez względu na gatunkowe konwencje, ØKSE tworzą po prostu świetną muzykę.” – Joseph Sannicandro, a Closer Listen
Debiutancki album ØKSE to odważny, eksperymentalny projekt jazzowy, w którym pojawiają się jedne z najbardziej unikalnych głosów hip-hop’u. Każdy członek zespołu jest już uznanym solowym artystą, ale jako ØKSE wspólnie eksplorują nowe obszary, przesuwając i zacierając granice gatunkowe.
ØKSE oznacza „siekiera” w języku duńskim. Siekiera to także „Ashe” – siła życiowa, która przepływa przez wszystkie rzeczy, zarówno żywe, jak i nieożywione. Ashe to prąd, energia, groove, który inicjowani potrafią skierować tak, aby niósł ich w drodze przez życie. To właśnie te energie przepływają przez ØKSE i ożywiają ich debiutancki album oraz występy na żywo.
Skład:
Savannah Harris – perkusistka
Mette Rasmussen – saksofonistka
Val Jeanty – artystka elektroniczna
Petter Eldh – basista, syntezatorzysta i samplujący muzyk
Koncert finałowy Intl Jazz Platform 2025 jest zwieńczeniem intensywnego tygodnia współpracy młodych artystów z całej Europy z uznanymi na całym świecie mentorami ze sceny muzyki improwizowanej. Prowadzeni przez takich artystów jak Tomasz Dąbrowski, Manuel Hermia, Kaja Draksler, Per Zanussi i Savannah Harris, uczestnicy pracują razem w zespołach, rozwijając nowe kompozycje i eksplorując kolektywną improwizację.
Koncert, który odbędzie się w czwartek 17 lipca o godzinie 19:00, jest świętem kreatywności, wymiany i rozwoju artystycznego – prezentując oryginalną muzykę stworzoną podczas 5 dni w Łodzi. To moment, w którym wszystko się łączy: talent, mentoring i duch wspólnego odkrywania. Inspirujący punkt kulminacyjny całego Intl Jazz Platform.
Andreas Røysum Ensemble
Andreas Røysum Ensemble wydało już swój trzeci album. Zespół koncertuje po Europie z młodzieńczą energią przeplataną dojrzałą mądrością. „Mysterier” to dziki i ponadczasowy album jazzowy, nagrany przez 12 pełnych pasji solistów w wysokiej rozdzielczości hi-fi. Poprzedni album zespołu został pochwalony na łamach The Wire: „W wykonaniach jest coś ujmująco nieokrzesanego – nachodzące na siebie, falujące i przeplatające się tematy robią ukłon w stronę pełnego strunowych instrumentów, szwedzkiego folkloru Aylera, jak i rozbudowanych utworów Dona Cherry’ego z połowy lat 60.”
Skład:
Sofie Tollefsbøl, wokal; Henriette Eilertsen, flet; Signe Emmeluth, saksofon altowy, flet; Marthe Lea, saksofon tenorowy; Andreas Røysum, Bb klarnet, klarnet basowy, flet; Erik Kimestad Pedersen, trąbka; Øyvind Brække, puzon, poezja; Hans P. Kjorstad, skrzypce; Joel Ring, wiolonczela; John Andrew Wilhite, kontrabas; Christian Meaas Svendsen, kontrabas, gitara basowa; Andreas Wildhagen, bębny, perkusja, dzwony rurowe; Ivar Myrset Asheim, bębny, perkusja, wibrafon.
Anita Lipnicka jest artystką, która zdążyła przyzwyczaić nas do tego, że jej koncerty to nie tylko wydarzenia muzyczne na najwyższym poziomie, ale przede wszystkim bliskie, pełne wzruszeń spotkania. Nikt jak ona nie skraca tak skutecznie dystansu między sceną, a widownią, nikt nie snuje tylu osobistych opowieści, które tak głęboko rezonują z publicznością. Przekonali się o tym ci, którzy mieli okazję zobaczyć piosenkarkę m.in. w jej ostatniej trasie promującej płytę „Śnienie”, czy też w duecie z Johnem Porterem podczas ich niedawnej, jubileuszowej kolaboracji. Tymczasem już tej jesieni będzie można oglądać Anitę w nowym, niezwykłym projekcie scenicznym zatytułowanym „O miłości 2”. Jest on kontynuację trasy, w jaką artystka ruszyła jesienią 2022 i którą zakończyła wiosną 2023 roku, odwiedzając blisko 50 miast Polski.
“Nasze miłosne koncerty cieszyły się takim powodzeniem, że ja i mój zespół postanowiliśmy stworzyć drugą edycję tego wydarzenia. Podobnie jak poprzednio, kluczem w doborze repertuaru było dla nas słowo „miłość” – wszystkie jej kolory, etapy, odsłony… A, że sama w życiu sporo się już nakochałam, nie brakuje w moim twórczym dorobku utworów o tej tematyce” – wyjaśnia Anita.“ W odróżnieniu do poprzedniej trasy, podczas której jako dopełnienie narracji posłużyły nam covery zagranicznych miłosnych evergreenów, tym razem wzięliśmy na warsztat piosenki polskich artystów, którzy byli dla mnie osobistą inspiracją, kiedy byłam młodą dziewczyną. Wrócimy więc do muzyki przełomu lat 80′ i 90′ – może się zdarzyć, że łzy będą się lać ciurkiem. Zabierzcie ze sobą chusteczki i najlepiej jeszcze kogoś do przytulenia!” – żartuje artystka.
Oprócz wrażeń słuchowych, Anita zapewnia także swoich słuchaczy, że nie ominą ich te wzrokowe – „Jak zwykle, zabieramy ze sobą bajeczną scenografię, dedykowaną trasie „O miłości 2″, która mam nadzieję wprowadzi Was w stan miłosnego uniesienia i nie pozwoli Wam długo o nas zapomnieć…”.
Anita Lipnicka – wokal
Piotr Świętoniowski – instrumenty klawiszowe
Bartek Miarka – gitary
Kamil Pełka – kontrabas
Łukasz Sobolak – perkusja
Mateusz Sołtysik – realizacja dźwięku
Piotr Mrowiec – realizacja światła
Paweł Talaga – scenografia, kostiumy
Uwaga: w trakcie trwania koncertów palone są kadzidła o zapachu stworzonym na tę okazję przez Anitę. Kadziła umieszczone są zazwyczaj na scenie oraz przy stanowiskach realizatorskich.
Piotr Rubik wyrusza w kolejną trasę koncertową! „Świat się nie kończy” to wyjątkowe, pełne energii, miłości oraz pozytywnych emocji kompozycje Piotra. Podczas koncertów nie zabraknie największych przebojów, nowych aranżacji czy wyjątkowych opowieści. Bilety na wydarzenie Piotr Rubik „Świat się nie kończy…” już w sprzedaży.
Piotr Rubik informacje
Piotr Rubik urodził się 3 września 1968 roku w Warszawie. Jako dziecko ćwiczył grę na wiolonczeli, najpierw w Szkole Muzycznej I stopnia im. Emila Młynarskiego w Warszawie, następnie w Liceum im. Karola Szymanowskiego w Warszawie, a na końcu w Akademii Muzycznej im. Fryderyka Chopina w Warszawie. Jako w pełni wykwalifikowany wiolonczelista współpracował z wieloma znanymi orkiestrami, takimi jak World Orchestra Jeunesses Musicales i Sinfonia Varsovia. Od dziecka wiedział, że jego głównym celem jest komponowanie. Jako artysta współpracował z wieloma wybitnymi artystami, komponując dla nich, dyrygując orkiestrami lub akompaniując jako pianista. Jako producent muzyczny wydał ponad 30 albumów, dla wielu znanych artystów. Jego pierwszym przebojem był „Dotyk” w wykonaniu Edyty Górniak. Komponuje ścieżki dźwiękowe do filmów, na przykład „Ja wam pokażę”, „Ryś”.
Jego kompozycje promowały niektóre z głównych polskich filmów, takich jak „Quo vadis” czy „Zemsta”. Wyprodukował kilka charakterystycznych utworów zarówno dla telewizji, jak i radia – „Wiadomości”, „Tomasz Lis na żywo”, oprawę muzyczną dla pierwszego programu Polskiego Radia. Największą popularność zyskał dzięki komponowaniu oratoriów takich jak „Tu es Petrus” czy „Psałterz wrześniowy”. Niektóre z najlepiej sprzedających się utworów z tych oratoriów – „Niech powiedzą, że to nie miłość” (okrzyknięty najlepszą polską piosenką wszech czasów przez Radio Zet) oraz „Psalm dla ciebie” utrzymują się na pierwszych miejscach polskich list przebojów od wielu tygodni. Sprzedaż jego płyt sięga setek tysięcy egzemplarzy. Kompozytor jest laureatem wielu nagród: I miejsce na Festiwalu Jedynki odbywającym się w Sopocie w 2005 roku, Super Jedynka za płytę roku oraz Super Super Jedynka dla najpopularniejszego artysty w 2006 roku, Wiktor 2006, Telekamera 2007, I miejsce na Festiwalu Top Trendy 2007, Teraz Polska 2007, Róże Gali 2007. Od 2023 roku mieszka w Miami.
Piotr Rubik koncerty „Świat się nie kończy…” 2025
Piotrowi podczas wydarzeń będą towarzyszyli znakomici Soliści:
