Kategoria: Bez kategorii

Warszawska Opera Kameralna zaprasza na wyjątkowe koncerty w ramach jesiennego tournée z Leszkiem Możdżerem i Orkiestrą Instrumentów Dawnych Warszawskiej Opery Kameralnej MACV z gościnnym udziałem multiperkusjonistki Patrycji Betley, promującego wspólny album „Composites”.

Album „Composites” przybrał wystawną formę numerowanego boksu, zawierającego kolorową płytę winylową (tzw. splatter), kasetę magnetofonową, czterojęzyczny, ilustrowany booklet oraz podpisany przez artystę certyfikat autentyczności.

Wydawnictwo jest dostępne wyłącznie za pośrednictwem strony internetowej Warszawskiej Opery Kameralnej (www.operakameralna.pl) i wraz z płytą CD oraz błękitnym winylem będzie do nabycia podczas nadchodzących koncertów: w Łodzi (4 listopada, klub Wytwórnia), Warszawie (5 listopada, Teatr Polski), Poznaniu (19 listopada, Aula UAM), Katowicach (27 listopada, NOSPR), Wrocławiu (28 listopada, NFM), Bielsko-Białej (29 listopada, Cavatina Hall) i Krakowie (30 listopada, ICE).

Bilety na koncerty już w sprzedaży!

Nowa muzyka Możdżera – utrzymana w eklektycznym i wirtuozerskim stylu – jest owocem eksperymentu. Cztery z sześciu utworów to – według słów autora – „kompozyty”, których partytury zostały dopisane do wyimprowizowanych wcześniej partii fortepianu. Nuty pozostałych utworów („Ballad for Lars” z dedykacją dla szwedzkiego kontrabasisty Larsa  Danielssona oraz liryczna „Natalladia”) Możdżer spisał w „klasycznej” kolejności. W nagraniach wzięła również udział mistrzyni instrumentów perkusyjnych Patrycja Betley, która będzie gościem specjalnym koncertów.

Leszek Możdżer: „To próba uchwycenia przepływu improwizującej świadomości. Dzięki temu, że rdzeń muzycznej narracji nie jest wynikiem intelektualnych rozważań, tylko wychodzi bezpośrednio z ciała, całość brzmi bardzo organicznie i naturalnie, pomimo tego, że wcale nie jest prosta. Zaś muzycy orkiestry, grając na instrumentach dawnych, wchodzą do pewnego rodzaju niszy. Definiują się jako muzycy alternatywni w stosunku do masowo odbieranej symfoniki”

Alicja Węgorzewska, dyrektor Warszawskiej Opery Kameralnej i inicjatorka projektu: „Jedynym torem, którym podąża twórczość Leszka, jest jego własna wyobraźnia. To granice tejże wyobraźni są granicami zarówno formalnymi, jak i stylistycznymi jego dzieła. Możdżer to znak jakości. Coś, co sprawia, że biorąc do ręki dzieło sygnowane tym znakiem, wiemy, że dotkniemy sztuki.”

Jacek Hawryluk, dziennikarz Programu II Polskiego Radia: „To utwory utrzymane w świetnie rozpoznawalnym stylu Możdżera, który tym razem miał do dyspozycji inny instrument. A dokładnie -inne instrumenty. Ani jazz, ani muzyka dawna. Czyli co? Proszę posłuchać.”

Poprzedzając jesienną trasę koncertową, w październiku do sklepów trafi album na błękitnej płycie winylowej i płycie kompaktowej. Utwory z albumu „Composites” znajdą się również w serwisach streamingowych.

Kult ponownie w trasie! Legendarny zespół z Kazikiem Staszewskim na czele wkrótce wyruszy w kultową Pomarańczową Trasę.

Zespół KULT powstał na początku 1982 roku w Warszawie. Swój pierwszy koncert zagrał 7 lipca 1982 roku w warszawskim klubie „Remont”. KULT to chyba jedyny w Polsce zespół, który aktywnie i nieprzerwanie gra już prawie 40 lat.

Polscy radiosłuchacze znają doskonale wiele utworów Kultu ze wszystkich list przebojów np.”Piosenka młodych wioślarzy”, „Do Ani”, „Krew Boga”, „Polska”, „Parada wspomnień”, „Rząd oficjalny”, „Baranek”, „Kochaj mnie, a będę twoją”, „Gdy nie ma dzieci” i inne.

Zagrali ponad 3000 koncertów. Występowali 8-krotnie w Jarocinie i wszystkich innych festiwalach oraz przeglądach w Polsce. Oprócz tego gościli na koncertach w Brazylii, Wielkiej Brytanii, Irlandii, Holandii, Niemczech, Czechach, Islandii, Szwecji, Stanach Zjednoczonych. Ich koncerty to ponad 2-godzinne spektakle. 

Po wielu latach Renata Przemyk i zespół Hedone znów zagrają wspólny koncert. Będzie to też okazja do wysłuchania na żywo utworu „Zapach”, który Hedone nagrało z Renatą na swój album „SancT.V.arium” w roku 1998.

Hedone powstało na początku lat 90. w Łodzi. Zespół należy do grona najbardziej nowatorskich, niepoddających się zaszufladkowaniu formacji. Można śmiało stwierdzić, stanowi niezwykle wartościowy, wręcz nieodłączny już element polskiej sceny muzycznej ostatnich czterech dekad.

Po 15 latach milczenia Hedone powróciło z nowym albumem „2020”, który ukazał się 31 grudnia 2020 roku.

Maciej Werk nagrywa płyty rzadko, ale gdy wchodzi do studia to oznacza, że ma coś ważnego do powiedzenia. Tak samo było w wypadku „2020”, bezdyskusyjnie najdojrzalszego muzycznie albumu w historii zespołu. Po tarmoszącym uszy „Werk”, kontrastowym „SancT.V.arium” i zespołowym „Playboyu” przyszedł czas na dwanaście zwartych utworów, układających się w spójną opowieść o mijających dwunastu miesiącach, a przede wszystkim emocjach i myślach, które były aktualne w roku 2020, jak i będą aktualne w przyszłości.
W nagraniach wspomogli go gitarzysta Tomasz „Mechu” Wojciechowski, znany z Blitzkrieg czy Jezabel Jazz, a także zadomowiony już w Hedone od czasów albumu „Playboy” perkusista Łukasz Klaus. Na płycie pojawia się również cała plejada gości – w warstwie instrumentalnej „2020” wsparli m.in. pianista Kuba Sokołowski, grający na syntezatorach Michał Jeziorski (Ptah, Spika) i Maciej Polak (Pin Park) czy legenda polskiej gitary basowej – Wojciech Pilichowski. Nie zabrakło także gościnnych wokalistów – pamiętana z Firebirds, Joanna Prykowska po raz kolejny pojawia się na płycie Hedone, K-Essence ozdabia przebojowy „Discommunicate”, a Paweł „Guma” Gumola (Moskwa) przypomina we „Wstydzie”, że punk’s not dead.

Po wydaniu “2020” zespół w nowym skladzie z klawiszowcem Wojciechem Królem (Clicks, Controlled Collapse) i wokalistką Izes zagrał koncerty m.in na Festiwalach Castle Party (2021), Jarocin (2022), Opole Alternatywa (2022), Summer Dying Loud (2022), Łódź Summer Festiwal (2023) i wiele innych.

W roku 2022 nakładem GAD Records ukazuje się długo wyczekiwana reedycja debiutanckiego albumu „Werk” z roku 1994.

Jesienią 2023 roku ukaże się minialbum „600 Lat Samotności”, na który złoży się sześć polskojęzycznych utworów opowiadających o przemijaniu i odchodzeniu, ale także o dojrzałości i życiowym spełnieniu. Materiał współprodukował i zmiksował Marcin Bors.
skład:
Maciej Werk – wokal, gitara
Izes – wokal
Tomasz „Mechu” Wojciechowski- gitara
Wojciech Król – klawisze, wokal
Łukasz Klaus – perkusja


Renata Przemyk Kwartet „Babę Zesłał Bóg”
Wyjątkowy koncert złożony z najważniejszych piosenek Artystki z ostatniej płyty „Renata Przemyk i Mężczyźni” zaaranżowany na kwartet. Jeden z projektów specjalnie stworzonych w ramach jubileuszu 30-lecia pracy artystycznej.

Zaczęła śpiewać jako nastolatka z lokalnymi kapelami rockowymi, choć prawdziwe powołanie odkryła dopiero na studiach, zainspirowana Tomem Waitsem, Talking Heads, Niną Hagen i Frankiem Zappą. Wychodząc w swojej muzyce od surowego, postpunkowego brzmienia, poszerza konsekwentnie instrumentarium, eksperymentuje z brzmieniami i jest współproducentką swoich płyt. W 2020 roku obchodziła 30-lecie wydania pierwszej płyty i z tej okazji powstał wyjątkowy album jubileuszowy, składający się z 13 największych hitów Renaty Przemyk. Piosenki te wykonanała wspólnie z wybitnymi artystami polskiej sceny muzycznej. Artystka zaprosiła do współpracy m.in. Johna Portera, Wojciecha Waglewskiego, Grzegorza Turnaua, Marka Dyjaka, Artura Andrusa, Igora Herbuta, Czesława Mozila i in. W plebiscycie „Polityki” i „Wprost” znalazła się w setce najwybitniejszych artystów XX wieku.

Projekt w składzie: Renata Przemyk – wokal, perkusjonalia
Piotr Wojtanowski – bas
Piotr Bogutyn – gitara
Maciej Gołyźniak – instrumenty perkusyjne
„Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego”

Koncert przełożony z 24.11.2023

Artysta w numerach prezentuje niezwykły i niepowtarzalny styl, co czyni go jednym z największych graczy w polskim rapie. Od początku roku fani rapu w Polsce byli bombardowani nowymi singlami spod szyldu MTS począwszy od DISCO POLO, przez Avatar po TAXI, które szturmem wbiło się na szczyt list przebojów oraz wywindowało Kizownika na pierwsze miejsce wśród polskich raperów na Spotify!

Jesienna trasa to idealna okazja, aby po raz pierwszy usłyszeć na żywo nowy materiał z albumu “PATOCELEBRYTA”, a podczas koncertów nie zabraknie również jego największych letniaków i bangerów. Czeka Was niepowtarzalna podróż przez autentyczny rap, uliczne flow i największe hity. Kizo powraca w starym dobrym stylu, aby wykręcić z Wami największe pogo w kraju!

Już tej jesieni Kasia Lins wyruszy w trasę koncertową, by zaprezentować utwory z nadchodzącego trzeciego studyjnego albumu. Nowe piosenki wybrzmią w 12 polskich miastach.
Bilety trafią do ogólnej sprzedaży już niebawem i będą dostępne na oficjalnych stronach wydarzenia.

Po trzyletniej przerwie wydawniczej, Kasia Lins powraca z singlem „Po trupach do Ciebie”. W klimatycznym klipie, rodem z kina akcji, artystce partneruje Szczyl. W drugim singlu „Do śmierci mamy czas”, Kasia uraczyła nas nieoczywistym duetem z silnym i szczerym głosem polskiej sceny niezależnej, najgłośniejszym rockowym debiutem ostatnich lat – WalusiemKraksąKryzys.

Pomimo, że Artystka pozostaje wierna muzycznej stylistyce, za którą pokochali ją zarówno fani jak i środowisko muzyczne, to wyraźnie da się też odczuć, że to nowy etap na jej muzycznej drodze.

Tym razem wychodzi z mroku i pokazuje kobiecość w wydaniu femme fatale. Trzecia płyta artystki zaplanowana jest na jesień bieżącego roku i ukaże się pod oficyną Universal Music Polska.

Kasia Lins to wokalistka, pianistka, kompozytorka i autorka tekstów. W 2020 roku wydała bardzo dobrze przyjęty album Moja Wina, czyli zbiór opowiadań o piekle i raju, niemocy i pragnieniu, upadkach i uniesieniach. Moja Wina to odurzająca warstwa instrumentalna, wsparta niepokojącymi wokalizami i chórami. Wykorzystując niekiedy liturgiczny dialekt, obserwuje manię kultu, dzieli się wątpliwościami, snuje opowieść o mocach i słabościach. Mszalny charakter muzyki toczy walkę ze świeckim wydźwiękiem treści.  

W lipcu 2020 roku Kasia Lins opublikowała w internecie Czego dusza pragnie [live show], materiał zdobył świetne recenzje i został bardzo dobrze przyjęty przez publiczność i dziennikarzy. Czego dusza pragnie to pierwsze tego typu wydarzenie koncertowo-teatralno-filmowe. Audiowizualne doświadczenie, świeże podejście do komunikacji z widzami i formy, jaką może przybrać koncert grany na żywo.   

Na swoim koncie Kasia Lins ma nominacje do Fryderyków (2019 i 2021), Nagrody Kulturalnej Onetu i Miasta Kraków – O!Lśnienia. Jest również laureatką Nagrody im. Grzegorza Ciechowskiego (2020).

Jane in Ether

Jane in Ether to berlińskie trio składające się z flecistki Miako Klein, pianistki Magdy Mayas i skrzypaczki Biliany Voutchkovej. Każda z członkoń Jane in Ether to wybitna artystka. Ich zespół to istna wisienka na torcie berlińskiej sceny improwizowanej! Muzyka JIE ma jakość nierozproszonego światła, klarowność, która staje się jeszcze bardziej lśni dzięki nadzwyczajnemu zakorzenieniu w ciszy, z której wydobywają się i rezonują dźwięki

Kjetil Møster

Kjetil Møster to norweski saksofonista, który może pochwalić się imponującym CV. Od roku 2000 współpracował z wieloma zespołami, artystami i projektami, grając setki koncertów na całym świecie i wydając około 50 albumów z różnymi projektami w dziedzinie jazzu, muzyki improwizowanej, electro-acoustic noise, muzyki współczesnej, free rocka, hip hopu, popu i nie tylko. 

Grał m.in. z Møster!, Datarock, Ultralyd, Zanussi Five, The Core, Trinity oraz glam rockers King Midas. Pracował również z legendarnymi muzykami, takimi jak Chick Corea, Pat Metheny, Paal Nilssen-Love, Bugge Wesseltoft, Jon Christensen, Andrew D’Angelo, Jim Black, Maja Ratkje 

Petter Eldh Projekt Drums

Petter Eldh to wszechstronny muzyk, który od wczesnych lat był zafascynowany muzyką. Zbierał płyty winylowe od 7 roku życia i był inspirowany różnorodnymi gatunkami muzycznymi, takimi jak jazz, muzyka klasyczna, soul, reggae, szwedzka muzyka ludowa, muzyka z Bliskiego Wschodu i hip hop. Zaczynał od gry na gitarze, potem wymienił ją na kontrabas, który stał się jego głównym instrumentem. Eldh współpracował z wieloma muzykami, w tym z Django Bates Beloved, Jameszoo, Lucia Cadotsch Speak Low i Kaja Draksler. Jako producent, remiksował utwory takich artystów jak Jaga Jazzist, Jameszoo i Andromeda Mega Express Orchestra. Eldh wydaje również swoją muzykę na swojej wytwórni Galatea Records i fińskiej wytwórni WeJazz Records.

Na koncercie zabrzmią najnowsze utwory z płyty z 2023 roku: Projekt Drums z udziałem Sun-Mi Hong na perkusji, Ketiji Ringi Karahony na fletach, Otisa Sandsjö na saksofonie tenorowym i Pettera Eldha na MPC, basie i syntezatorach 

Warsztat-ON: warsztaty muzyczne dla dzieci

Po wyjątkowym koncercie symfonicznym Ziemia Obiecana –  Muzyczna Historia Filmowej Łodzi mistrz Jan Stokłosa zostaje z nami, by w niedzielę podzielić się swoją wiedzą z milusińskimi.

Zapraszamy dzieci w dwóch grupach wiekowych:
– od 5 do 9 lat, godz. 11:00
– od 10 lat, godz. 13:00

Na warsztatach teoria przeplatać będzie się z praktyką, aby przez cały czas podtrzymać zainteresowanie najmłodszych.

Podczas spotkania z wybitnym aranżerem i dyrygentem dzieci dowiedzą się m.in.:

• Czym różni się kompozycja od aranżacji? 
• Czy tak samo komponuje się piosenki, symfonie, opery, muzykę do filmu i teatru?
• Z czego składa się utwór? 
• Czy nuty są potrzebne do grania? 
• Czym jest partytura i do czego służy?
• Jakie są grupy instrumentów?

Uczestnicy poznają również kulisy przemysłu fonograficznego, czyli jak nagrywa się płyty z muzyką klasyczną czy rozrywkową. Usłyszą także, czym jest dyrygowanie, czy zawsze jest potrzebne oraz poznają zadania dyrygenta.

Część praktyczna to wspólne muzykowanie, odgrywanie rytmu na instrumentach perkusyjnych oraz powtarzanie melodii w różnych stylach i nastrojach. Odbędzie się również wspólne dyrygowanie!

W trakcie trwania warsztatów  w naszej sali kinowej na rodziców czekać będzie projekcja koncertu  „The Four Colours of Łódź” Zbigniewa Preisnera. Będzie to podróż sentymentalna do czasów otwarcia hotelu DoubleTree by Hilton, kiedy koncert został zarejestrowany.

Warsztaty odbywają się w ramach inauguracji nowego łódzkiego festiwalu People in Tune, którego celem jest propagowanie wartości kulturowych i artystycznych. People in Tune to wydarzenie kształtujące harmonię współżycia społecznego ponad ustalonymi podziałami.

AKTUALIZACJA: Właśnie dowiedzieliśmy się, że wokalistka, która miała uświetnić występ kultowego big bandu Moka Efti Orchestra – Severija – rozchorowała się na tyle poważnie, że nie będzie jej z nami w Klub Wytwórnia 16 września. Zespół natychmiast zaprosił do swojego koncertu postać wyjątkową, magiczną i barwną – Madame Le Pustra. To nie będzie ich debiut na jednej scenie, a repertuar nie ulegnie zmianie! Co więcej Madame była także obecna w serialu. Zagrała Edwinę Morell, właścicielkę nocnego klubu w 3 sezonie serialu „Babilon Berlin”. Kim jest Madame Le Pustra? To prawdziwa ikona sceny kabaretowej, czerpiąca natchnienie z niemieckiego Weimaru. Jej występy to połączenie sztuki, muzyki i teatru, które tworzą jedyny w swoim rodzaju spektakl dla zmysłów. Za sprawą swojego niezwykłego talentu, Madame Le Pustra wielokrotnie była na ustach krytyków, określana mianem „żyjącego ducha niemieckiego kabaretu”. Jej fascynacja epoką przekłada się na każdy szczegół występów – od kostiumów po charakteryzację, od muzyki po narrację. Każdy, kto choć raz miał okazję zetknąć się z jej twórczością wie, że to nie tylko show. To podróż w czasie do złotych lat niemieckiego kabaretu, gdzie każda nuta, każdy ruch, każde słowo jest pełne pasji, życia i głębi. Rozumiemy, że niektórzy z Państwa mogą być zawiedzeni brakiem Severiji na naszym Festiwalu – jednak to ludzka sprawa, życzmy jej zdrowia! Nie możemy się doczekać tego wyjątkowego wieczoru i przypominamy, że po koncercie czeka nas after party z dj Fagotem, a szykujemy dla Was także małą niespodziankę ze Szkołą Swinging Promised Land w Łodzi! Ta 22. edycja Festiwalu jest zdecydowanie wyjątkowa… w końcu odbywa się pod hasłem #tożsamość!

16 września na scenie Klubu Wytwórnia wystąpi legendarna Moka Efti Orchestra! Kilkunastoosobowy Big Band da w Polsce jedyny występ, który odbędzie się w ramach Festiwalu Łódź Czterech Kultur. Zespół jest doskonale znany fanom kultowego serialu „Babylon Berlin”, który wyreżyserował jeden z najlepszych twórców europejskiego kina, wielokrotnie nagradzany Tom Tykwer. Ich muzyka to wybuchowa mieszanka łącząca wesoły ragtime, pulsujący szaleństwem swing i Charleston Big Band, przeplatana sentymentalnymi pieśniami, bluesowymi improwizacjami i klezmerskimi przygrywkami. Przy tej muzyce nogi same rwą się do tańca!

Twórcy Moka Efti Orchestra to weterani sceny muzycznej. Nikko Weidemann od dziesięcioleci jest zakorzeniony w międzynarodowej muzycznej subkulturze. Występował z Frankiem Zappą w wieku zaledwie 17 lat, później pracował z kultową formacją Einsturzende Neubauten, Neną i Nickiem Cavem. Od 2016 roku kieruje projektem Moka Efti Orchestra. Mario Kamien to połowa znanego na scenie downtempo końca lat 90. duetu dZihan&Kamien, który nagrał m.in. muzykę do kultowego obrazu Arizona Dream  Emira Kusturicy. Sebastian Borkowski to utalentowany saksofonista i flecista, koncertujący na całym świecie z Jazzanovą i ulicznym zespołem MEUTE.

Ogromny, międzynarodowy sukces serialu sprawił, że Moka Efti Orchestra stała się pełnoprawnym zespołem, który zaczął koncertować i występować w całej Europie. Korzystając z momentu popularności, orkiestra wydała debiutancki album „Erstausgabe” w 2020 roku, a teraz prezentuje drugi album „Telegramm”.

„Festiwal Łódź Czterech Kultur to czas i miejsce na świętowanie różnorodności, poszukiwanie inspiracji i nawiązywanie relacji poprzez sztukę. Moka Efti Orchestra, zainspirowani skomplikowaną historią Berlina przypomną, jak ważne jest pielęgnowanie kultury nawet w najtrudniejszych czasach” – mówi Marcin Tercjak, dziennikarz muzyczny i członek zespołu programowego Festiwalu Łódź Czterech Kultur.

Koncert jest współfinansowany z dotacji Miasta Łodzi oraz Fundacji Współpracy Polsko-Niemieckiej.

Po koncercie zapraszamy na afterparty, które przeniesie nas w klimat rodem z klubu Moka Efti.

Kupując bilet na wydarzenia w ramach Festiwalu Łódź Czterech Kultur, otrzymasz kod rabatowy do zakupu biletów na Igrzyska Wolności (Bilety dostępne na stronie https://sklep.liberte.pl/product/karnet-na-igrzyska-wolnosci-2023/) – partnera Festiwalu.

Steve Hogarth – wokalista legendarnego zespołu Marillion – wystąpi 7 grudnia na specjalnym, świątecznym koncercie w łódzkiej Wytwórni. Bilety w sprzedaży od 1 czerwca.

Steve Hogarth jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych wokalistów muzyki progrockowej na świecie. Posiadacz niesłychanej skali głosu od ponad 30 lat stoi na czele zespołu Marillion, z którym nieustannie święci sukcesy artystyczne. W 1997 roku wydał swój pierwszy solowy album pod pseudonimem „h” zatytułowany „Ice Cream Genius”. Materiał nagrywał razem z keybordzistą Porcupine Tree – Richardem Barbieri – oraz muzykami znanymi z zespołu Blondie: Davem Gregorym i Clemem Burke. Jego solową dyskografię zamyka wydany w 2017 roku album „Colours Not Found In Nature”,  nagrany ze szwedzkim zespołem Isildurs Bane, natomiast w marcu zeszłego roku ukazała się najnowsza płyta Marillion, „An Hour Before It’s Dark”.

Steve Hogarth to nie tylko niezwykły talent, ale też wyjątkowa osobowość, co potwierdzi każdy, kto choć raz miał szansę być na jego koncercie. Podczas występu 7 grudnia w łódzkiej Wytwórni wokalista zaprezentuje specjalnie przygotowany repertuar, w którym obok jego solowych dokonań i utworów z repertuaru zespołu Marillion nie zabraknie również piosenek wykonawców, których darzy szczególnym sentymentem. Co więcej, podczas swoich występów Steve Hogarth często i chętnie wdaje się w rozmowy z widzami, podczas których opowiada anegdoty ze swojego życia. To będzie wyjątkowy wieczór, zapraszamy!

Delphine Deau grała na pianinie od dziecka. Później studiowała muzykę klasyczną, a następnie rozpoczęła kierunek jazzowy w Konserwatorium w Annecy, jednocześnie kończąc studia z fizyki. Po powrocie do Paryża w 2012 roku, dołączyła do regionalnego konserwatorium i w 2014 roku uzyskała dyplom, współpracując z Benjaminem Moussayem, Pierrem Bertrandem i Emilem Spanyim. Jako liderka i kompozytorka Delphine odniosła sukces z kwartetem Nefertiti na europejskiej scenie, zdobywając I nagrodę grupową na Konkursie Euroradio w Kopenhadze (2019), zostając laureatką Jazz Migration (2020) i występując jako zespół showcase’owy na Jazzahead (2021). Kwartet wydał dwa albumy i obecnie pracuje nad trzecim wydawnictwem z niemiecką wytwórnią Neuklang. Jako sidemanka, Delphine aktywnie współpracuje z zespołem Tactus pod przewodnictwem gitarzysty Clementa Piezanoskiego, gdzie zdobyli I nagrodę solisty na Sunset Trophy. Zespół przygotowuje się do nagrania drugiego albumu w 2021 roku. Uczestniczyła w europejskich warsztatach: „SOFIA” w 2016 roku oraz Intl Jazz Platform w 2019 roku. Dzięki tym doświadczeniom poznała wpływowe jazzowe instrumentalistki, takie jak Nicole Johänntgen i Kaja Draksler.

Nazwa PESH wzięła się od pierwszych liter imion członków zespołu, który tworzą: perkusistka Patrycja Wybrańczyk, trębacz Emil Miszk, pianista Sondre Moshagen i kontrabasista Håkon Huldt-Nystrøm. W tym młodym kwartecie istotną osią jest szacunek do dorobku kultury norweskiej i polskiej, a celem muzyczna interakcja. Przenikanie się wpływów z północy ze słowiańskim duchem to ważna mieszanka w historii jazzu, którą artyści chcą rozwijać współcześnie. Debiutancki album „Peshish” ukazał się nakładem norweskiej wytwórni AMP Music & Records.– „To zespół demokratyczny, bez lidera. W dowolnym momencie każdy z nas może przejąć inicjatywę. Dużą siłą PESH jest to, że wszyscy komponujemy. Każdy z nas ma duży szacunek do działań pozostałych członków zespołu. Zostawiamy sobie wzajemnie dużo miejsca, nie tylko muzycznie, ale też na wyrażanie własnych opinii, żeby potem znaleźć wspólne rozwiązanie, wspólny mianownik” – mówił w wywiadzie dla radiowej Dwójki trębacz Emil Miszk.Skład
Patrycja Wybrańczyk – perkusja
Emil Miszk – trąbka
Sondre Moshagen – fortepian
Håkon Huldt-Nystrøm – kontrabas

Joanna Duda Trio
Joanna Duda to pianistka, kompozytorka i improwizatorka. Tworzy eksperymentalną muzykę, łączącą elementy jazzu i współczesnej muzyki klasycznej. Jej główne projekty to solowy album „KEEN Alpaka” (2019) oraz Joanna Duda Trio z albumem „FUMITSUKE” (2020), w których elektroniczne i akustyczne dźwięki splatają się w organiczny sposób. W swojej muzyce Joanna poszukuje unikalnej estetyki dźwięku tam, gdzie wydaje się jej brakować.W ostatnich latach Joanna Duda Trio miało okazję występować na renomowanych scenach, takich jak Ronnie Scott’s w Londynie, Le Periscope w Lyonie, Opus Jazz Club w Budapeszcie, a także na festiwalach jazzowych w Vancouver, Edmonton, Bremie i Helsinkach. Razem z Morrisem Kliphuisem Joanna tworzy projekt Wake The Dead, który zestawia muzykę elektroniczną i improwizację ze dźwiękiem barokowego zespołu. Premiera projektu odbyła się w Bimhuis. Jednym z partnerów projektu jest Wydział Instrumentów Historycznych Królewskiego Konserwatorium w Hadze.Joanna Duda skomponowała muzykę do serialu „Erotica 2022” na platformie Netflix, w którym udział wzięli reżyserzy: Kasia Adamik, Olga Chajdas, Jagoda Szelc, Anna Jadowska i Anna Kazejak. Artystka skomponowała również muzykę do filmu „Cudak” w reżyserii Anny Kazejak oraz „Już dłużej tak nie mogę” w reżyserii Josepha Ouarracka. Jest także producentką muzyczną (Biały Czarny Hipis feat. Brydal).Artystka wydała album muzyki współczesnej. Album „UNCHAINED” zawierający kompozycje Juliusa Eastmana, w którym brała udział, został uhonorowany przez magazyn Pizzicato i nominowany do International Classical Music Awards. Joanna współpracowała również z Krzysztofem Knittem i Markiem Chołoniewskim podczas Festiwalu Ad Libitum (2019). W latach 2008-2022 artystka była współzałożycielką Wojtka Mazolewskiego Quintetu jako pianistka i kompozytorka, z którym nagrała 8 albumów. Album „CHAOS FULL OF IDEAS” uzyskał status złotej płyty, a „POLKA” – platynowej płyty.Oprócz koncertów w najważniejszych europejskich metropoliach, takich jak Berlin, Londyn, Wiedeń, Porto, Rzym, Bukareszt, Oslo, Tallinn, Hadze, Wilno i Amsterdam, wielokrotnie występowała w Azji (m.in. w Tokio, Pekinie, Szanghaju, Delhi) i Ameryce Północnej (Vancouver, Hamilton, Edmonton).

Serdecznie zapraszamy na wyjątkowy, symfoniczny koncert „Muzyczna Historia Filmowej Łodzi” z okazji  15. urodzin Klubu Wytwórnia, 10. urodzin DoubleTree by Hilton Łódź oraz 600. urodzin Łodzi! Na scenie pojawi się 35-osobowa orkiestra symfoniczna Stokłosa Collective Orchestra pod przewodnictwem Jana Stokłosy. Utwory w specjalnie przygotowanych aranżacjach wykonają cenieni polscy artyści: Zbigniew Zamachowski, Jan Emil Młynarski, Natalia Grosiak, Julia Pietrucha oraz Łukasz Lach.

Motywem przewodnim wydarzenia będzie muzyka pochodząca z filmów powstałych w dawnej Wytwórni Filmów Fabularnych. Na urodzinowym koncercie pojawią się utwory z filmów i seriali, które na stałe wpisały się w historię polskiej kinematografii, m.in.: „Ziemia Obiecana”, „Akademia Pana Kleksa”, „Pan Wołodyjowski” czy „Czterej pancerni i pies”. Koncert poprowadzą Zbigniew Zamachowski oraz Jan Emil Młynarski. Dopełnieniem całego koncertu będzie specjalnie przygotowana oprawa wizualna.

Łódź jest ówczesną stolicą polskiego przemysłu filmowego, a „Łąkowa 29” to adres legendarny. Dziś znajduje się tu Klub Wytwórnia oraz Hotel DoubleTree by Hilton Łódź, ale do roku 1998 mieściła się Wytwórnia Filmów Fabularnych – kolebka polskiej kinematografii, w której powstało kilkaset filmów! 600. urodziny Łodzi to wspaniała okazja, aby upamiętnić filmową historię naszego miasta.

„Muzyczna Historia Filmowej Łodzi” to nie tylko koncert – to niepowtarzalne wydarzenie, które pozwoli przywołać wspomnienia z czasów, kiedy Wytwórnia Filmów Fabularnych przeżywała prawdziwy rozkwit. Jeśli więc świętować potrójny jubileusz to tylko w filmowym stylu!

Koncert symfoniczny zapoczątkuje także nowy, łódzki festiwal muzyczny People in Tune, którego celem jest propagowanie wartości kulturowych i artystycznych. People in Tune to wydarzenie kształtujące harmonię współżycia społecznego ponad ustalonymi podziałami.

HOSHII
Zapraszamy na najnowszy projekt saksofonisty Kuby Więcka – Hoshii (co po japońsku oznacza „pragnąć”). Kuba powraca na scenę z kwartetem jazzowym, którego brzmienie wzbogacił o nowe doświadczenia jako producent muzyki hip-hopowej i alternatywnej. Jako inspirację wymienia m.in Flying Lotus, JPEGMafia oraz Sega Bodega.W skład zespołu wchodzą również: pianista Grzegorz Tarwid, z którym Kuba studiował w Kopenhadze, Max Mucha – basista znany m.in ze współpracy z Christianem Scottem oraz perkusista Miłosz Berdzik, świeżo upieczony absolwent Berklee College of Music.
Kuba Więcek – saksofon altowy, elektronika
Grzegorz Tarwid – syntezatory
Max Mucha – gitara basowa
Miłosz Berdzik – perkusja, glockenspiel

LINDA FREDRIKSSON JUNIPER
Linda Fredriksson to fińska saksofonistka wyróżniająca się wśród artystów jazzowych w Finlandii ale również za granicą. Jest znana ze swojej pracy z Superposition, Ricky-Tick Big Band i Mopo Trio oraz jako kompozytorka. Współpracuje z wieloma artystami. Fredriksson była wielokrotnie nominowana do listy Rising Star magazynu DownBeat. Ostatnio wydała swoją solową płytę Juniper. Album to piękna medytacja na temat osobistych uczuć, stworzona z dźwięków nagrywanych przez wiele lat. Linda rozważa w niej zagadnienie parametrów, które sprawiają, że utwór można nazwać dobrym lub złym, nie tylko w odniesieniu do głosów, ale także do instrumentów, takich jak saksofon (który ma szeroki zakres dźwięków od agresywnego free jazzu po kojące kołysanki). Linda fascynuje się detalami, które wpływają na odczucia związane z grą, takimi jak frazowanie, czas i barwa głosu.

ANKER, DRAKSLER, WESTERHUS, DUNSTON, DAHLEN
Wspólny koncert wykładowców INTL JAZZ PLATFORM 2023

Skalpel to polski duet nu jazzowy tworzony przez dwóch producentów nagrań oraz didżejów – Marcina Cichego i Igora Pudłę. Skalpel niezwykle umiejętnie łączy tradycję z nowoczesnością. Inspirują ich utwory jazzowe z lat 60. I 70., które wykorzystują do tworzenia swojej własnej muzyki. Efektem takiego połączenia jest nowe, niesamowite brzmienie. Ich muzyka to kompilacja jazzu z zacięciem do elektroniki i hip-hopu. Na swoim koncie mają sporo sukcesów;  didżejskie miksy duetu można było usłyszeć w radiu BBC a w roku 2009 zostali wyróżnieni Paszportem Polityki. Zespół działa na polskiej scenie już od 2000 roku i od tego czasu wydał 5 albumów.

Tropical Soldiers in Paradise to siedmioosobowy zespół tworzący muzykę inspirowaną hip-hopem, jazzem, afrobeatem, oraz latynoamerykańską rytmiką. Szerokie instrumentarium w skład którego wchodzą zarówno instrumenty tradycyjne jak i współczesna elektronika tworzy unikalny styl grupy. Połączenie kojących melodii z wybuchowymi improwizacjami stanowi o niespotykanym charakterze zespołu który mimo swojej przystępności zachowuje nieprzewidywalną żywiołowość.

Marcin Sojka – MPC, perkusja, ksylofon 
Maciek Łepkowski – gitara elektryczna
Tymek Bryndal – gitara basowa
Emilia Gołos – klawisze, syntezatory
Filip Krzysztoporski – perkusjonalia
Grzegorz Pałka – puzon
Kuba Łupiński – trąbka

MARY LATTIMORE
Mary Lattimore, harfistka. Pochodzi z Los Angeles. Lubi eksperymentować ze swoim instrumentem. Wydała solowe albumy. Współpracuje i nagrywa z wieloma artystami. Mary komponowała muzykę do eksperymentalnych niemych filmów. Jej najnowszy album „Collected Pieces” został wydany w 2017 roku na kasecie i w formie cyfrowej przez wytwórnię Ghostly International. W 2014 roku Mary otrzymała nagrodę Pew Fellowship in the Arts.

MACIEJ OBARA
Maciej Obara Quartet jest wyjątkowym zespołem. Współtworzą go: Dominik Wania, pianista o doskonałej technice i klasycznym wykształceniu, stanowi równowagę dla intensywnego brzmienia saksofonu altowego Obary, sekcję rytmiczną kwartetu stanowią norwescy muzycy – kontrabasista Ole Morten Vågan i perkusista Gard Nilssen. Zespół zaprezentuje utwory ze swojej najnowszej płyty „Frozen Silence”, które powstały pod wpływem czasu spędzonego w Karkonoszach oraz wyjątkowego stanu odłączenia od cywilizacji, który towarzyszył pandemii. Utwory są rozbudowane i mają sprecyzowaną formę, ale nadal pozostają otwarte na improwizację. Album ten jest najdojrzalszym albumem kwartetu Obary, balansującym między studyjnym a koncertowym wykonaniem. Sesja nagraniowa odbyła się w czerwcu 2022 roku w Rainbow Studio w Oslo. 

STIAN WESTERHUS & PALE HORSES
Stian Westerhus urodził się 2 kwietnia 1979 roku w norweskim Steinkjer. Posiada wykształcenie jazzowe. W swojej karierze występował z eksperymentalnym zespołem Puma, z którym nagrał cztery albumy. Artysta jest również autorem solowych płyt, w tym wydanego w 2014 roku przez wytwórnię Rune Grammofon albumu pt. „Maelstrom”. Stian Westerhus współpracował z takimi muzykami jak Terje Isungset, Sidsel Endresen i Jaga Jazzist. Jego muzyka jest niełatwa w odbiorze, ale warto ją poznać!Podczas koncertu będzie można usłyszeć utwory z najnowszej płyty Stiana Westerhusa, która powstała we współpracy z zespołem Pale Horses. Album ten charakteryzuje się abstrakcyjnym brzmieniem gitary, klawiszy i perkusji, które w połączeniu z wokalem tworzą niesamowity nastrój i rozbudzają wyobraźnię słuchacza. Będzie to wyjątkowa okazja, aby poznać niezwykle oryginalnego muzyka i jego wirtuozowską grę na gitarze.

Goran Kajfeš urodził się w 1970 roku w rodzinie imigrantów. Jego ojciec, przed emigracją do Szwecji, był pianistą w jugosłowiańskiej orkiestrze. Kajfeš już jako dziecko wykazywał niebywały talent muzyczny. Dziś jest jednym z najbardziej znanych szwedzkich muzyków jazzowych. Współpracuje z różnymi zespołami jazzowymi, free-jazzowymi. W 2012 roku założył swoją własną orkiestrę jazzową, Subtropic Arkestra, która wydała debiutancki album „The Reason Why, Vol. 1” w 2013 roku. Goran kontynuuje koncertowanie z tym projektem. Wydał również kolejne części albumu „The Reason Why, Vol. 2” i „The Reason Why, Vol. 3”, które zebrały bardzo pochlebne recenzje. Nie możemy się doczekać występu Kajfeša z Subtropic Arkestra! To będzie prawdziwe święto!

Matt Dusk w świątecznej trasie koncertowej A Very Sinatra Christmas Tour

Zdobywca kilku platynowych płyt, doskonale znany i ceniony w Polsce wokalista w sezonie zimowym po raz kolejny podzieli się świątecznym ciepłem i energią w ramach trasy A Very Sinatra Christmas.

Wykorzystując swój smooth jazzowy feeling, Matt Dusk zabierze publiczność do zimowej krainy, w której magia świąt ożywa. Nastrojowe wykonania i zaraźliwa energia tej muzyki sprawiają, że nawet największy sceptyk zaśpiewa razem z artystądoskonale znaneklasyki Let It Snow, Santa Claus is Coming To Town czy Jingle Bells. Koncerty Matta Duska to spektakle przepełnione radością przenoszącą widzów do czasów, kiedy Boże Narodzenie było wielkim rodzinnym świętowaniem.

Muzyka świąteczna zawsze zajmowała specjalne miejsce w moim sercu i jestem zaszczycony, że mogę dzielić się nią z publicznością na całym świecie dzięki trasie A Very Sinatra Christmas – mówi artysta.

Matt Dusk od lat czaruje jazzowo-swingującymi hitami, a publiczność koncertowa uwielbia go za atmosferę, jaką wprowadza podczas spotkań na żywo. Pochodzący z Kanady wokalista, muzyk i kompozytor to twórca oryginalnych projektów z pogranicza jazzu, swingu i popu. Artysta sprzedał ponad milion albumów na całym świecie, ma na swoim koncie cztery złote i sześć platynowych albumów, a także liczne nagrody i nominacje. Polscy fani zpewnością pamiętają utwór My Way/Szczęście jest we mnie, będący muzycznym hołdem oddanym Zbigniewowi Wodeckiemu.

Nie przegapcie szansy na doświadczenie radości i magii A Very Sinatra Christmas – łapcie bilety i przygotujcie się na ring-a-ding-ding-ding w okresie świątecznym – zaprasza Matt Dusk.

Piotr Damasiewicz – kompozytor, trębacz, multiinstrumentalista, edukator, podróżnik oraz kurator międzynarodowych platform muzycznych. Oprócz studiów gry na trąbce kształcił się w zakresie kontrabasu, fortepianu, klasycznego śpiewu – w tym chorału gregoriańskiego. Studiował także dyrygenturę chóralną i kameralną, aranżację i kompozycję. W swojej twórczości sięga do języka jazzu, XX-wiecznej muzyki klasycznej, muzyki etnicznej, muzyki najnowszej, w tym europejskiej muzyki improwizowanej i eksperymentu. Damasiewicz już od ponad dekady jest w nieustannej muzycznej i nie tylko ,,drodze”. Można powiedzieć, że charakteryzuje go bycie ,,w ciągłym ruchu’’. Odwiedza różne miejsca, przestrzenie i kultury, tam tworzy generując różne połączenia dźwiękowe.

Obecnie działa w obrębie powołanej przez siebie muzycznej platformy pod nazwą L.A.S. listening and sounding, stworzoną na własne potrzeby wydawnicze oraz koncertowo-warsztatowe. Wydawnictwo to pomimo iż działa na dość krótkiej przestrzeni czasu, zostało już wysoko ocenione w branży muzycznej. Płyty Damasiewicza gdzie realizuje autorskie projekty pod szyldem L.A.S. listening and sounding znalazły się w czołówce płyt jazzowych 2021/2022. Artyści, z którymi Piotr Damasiewicz współpracował to m.in.: David Murray, Jason Moran, James Carter, Tomasz Stańko, Lotte Anker, Magda Mayas, Phil Minton, Jeb Bishop, Andrzej Bauer, Dave Rempis, Michael Zerang, Paul Nilsen Lowe czy Skalpel. Stale współpracuje z Maciejem Obarą i Dominikiem Wanią. Artysta ma na swoim koncie wiele nagród oraz wyróżnień, w tym Fryderyka, nagrodę Artysta Roku JazzPress czy nagrodę Najlepsza Polska Płyta Jazzowa przyznawaną przez Ether Jazzu.

Podczas 16. Letniej Akademii Jazzu Piotr Damasiewicz wystąpi z projektem Intro the Roots Watra. Jest to najnowszy album Artysty; połączenie tradycyjnego jazzu z beskidzką muzyką góralską, które w efekcie dają efekt awangardy i etniczności. Muzyka z okolic Babiej Góry została połączona z jazzem i dźwiękami świata.

SUZANNE to Maëlle Desbrosses, Hélène Duret i Pierre Tereygeol, młodzi
artyści pochodzący z Francji. Suzanne to szumiący głos, szepczący ponadczasowe wspomnienia, który tworzy pieśni ludowe nowego stulecia.
Trio tworzy złożone, harmonijne kompozycje, spotykające się z tradycyjnymi rytmami, wymagającym muzycznym pisaniem i powszechnym improwizowanym językiem, który zawsze przekracza swoje granice.

Dofinansowano ze środków Unii Europejskiej w ramach programu Kreatywna Europa.

Bastarda oraz João de Sousa odnosząc się do tradycyjnych utworów Fado stworzyli nową, oryginalną opowieść muzyczną. Współczesne, autorskie aranżacje i opracowania tych niezwykłych, melancholijnych pieśni dały artystom możliwość swobodnej wypowiedzi, kreacji muzycznej oraz pozwoliły na szczery, pełen emocji przekaz.

BASTARDA to zespół powołany do życia przez Pawła Szamburskiego (klarnet), Tomasza Pokrzywińskiego (wiolonczela) oraz Michała Górczyńskiego (klarnet kontrabasowy). Grupa wydawniczo i środowiskowo związana z wytwórnią Lado ABC, jest również partnerem międzynarodowego projektu badawczego HERA „Sound Memories. The Musical Past in Late – Medieval and Early Modern Europe”. Artyści podejmują odważną próbę reinterpretacji muzyki dawnej oraz stworzenia na jej podstawie autorskiego języka dźwiękowego. Kilkusetletnie śpiewy chorałowe, motety, litanie rozbijają niejednokrotnie się na małe odcinki, stale zmieniający się kontrapunkt wczesnej polifonii imploduje w minimalizm. Muzycy improwizując wokół archaicznych melodii, komponując i aranżując na ich podstawie zupełnie nowe utwory – budują pomost łączący odległe w czasie muzyczne światy, docierają do ich uniwersalnego, duchowego wymiaru. Muzyka Bastardy to współczesna, oryginalna i bardzo osobista wypowiedź wsparta na bogatych tradycjach muzycznych.

João de Sousa – urodzony w Portugalii, od 2006 roku mieszka i tworzy w Polsce. Ceniony wokalista, gitarzysta i kompozytor. Jego luzofońskie korzenie w znacznym stopniu wpływają na muzykę jaką tworzy i wykonuje, choć fascynacje innymi gatunkami – jazzem, world music czy muzyką alternatywną, swobodnie oddalają go od fado. Inspiracji poszukuje wszędzie – w muzyce elektronicznej, hip-hopie – przekształcając ich elementy na własny muzyczny język. Współpracował, m.in.: z Andrzejem Smolikiem, zespołem Mikromusic, Dorotą Miśkiewicz czy z Arielem Ramirezem Tango Quintet.  João ma na swoim koncie trzy autorskie płyty (Fado Polaco, 2012; Luta, 2016; Ideal, 2018). Jego piosenki znalazły się na radiowej płycie „RAM Cafe vol. 7″ oraz w albumach „Siesta” Marcina Kydryńskiego.

Bohaterką jesiennej SIESTY w drodze będzie Lucibela, wyśmienita wokalistka z Republiki Zielonego Przylądka.

Powiedzieć, że jest być może najbliższa legendarnej Cesarii, to jednak trochę skrzywdzić tę młodą artystkę. Jej głos, o rzadko spotykanej szlachetności, szerokim paśmie i głębi wyrazu jest  doskonale własny. Choć z drugiej strony sporo w tym porównaniu prawdy. Lucibela, urodzona w niesławnym Tarrafal, gdzie reżim Salazara więził opozycjonistów, wychowana na Wyspach, śpiewa muzykę tradycyjną. Podczas gdy Sara Tavares, Mayra Andrade czy Dino di Santiago flirtują z klubowymi rytmami – Lucibela, niczym Wynton Marsalis w jazzie, dba o przetrwanie źródeł. 

Zaczynała w hotelowych barach wysp Sal i Boa Vista, śpiewając piosenki Cesarii, Titiny, Bany. Nieuchronnie, jak wszyscy artyści kabowerdyjscy, chciała sprawdzić się w Lizbonie. Przez kilka lat śpiewała tam z zespołem Nos Raiz (nasze korzenie) pod gołym niebem, na starej przystani przy centralnym placu miasta. Ilekroć brzmiał tam jej głos, tłum gęstniał i nie rozchodził się aż do ostatniej piosenki. Z zespołem nagrała kilka utworów na płytę Conquistador w 2017 roku. Było jednak oczywiste, że talent tej miary potrzebuje światowej ekspozycji. Lucibelę usłyszał nieomylny Jose da Silva, odkrywca Cesarii i właściciel firmy płytowej Lusafrica. Zaprosił ją do studia w Paryżu i znalazł najznakomitszych muzyków na pierwszą autorską płytę.

„Nie ulega wątpliwości, że mamy przed sobą jeden z największych talentów dekady. Pierwszy album – Laco Umbilical zwiastował lata olśnień i wzruszeń i wtedy też zaprosiliśmy Lucibelę do Polski po raz pierwszy.  Rok 2022 przyniósł kolejną fenomenalną płytę i światową trasę: Amdjer. Jesteśmy szczęśliwi i dumni, mogąc raz jeszcze zaprezentować głos, który zachwycił cały świat.” Marcin Kydryński

Założeniem SIESTY w drodze jest prezentacja na żywo artystów znanych z niedzielnych audycji Pora Siesty Marcina Kydryńskiego oraz z bestsellerowych kompilacji Siesta (wydano już XV edycji). Prowadzącym oraz dyrektorem artystycznym SIESTY w drodze jest Marcin Kydryński, radiowiec, autor i kompozytor tekstów, producent płyt i fotograf. Współorganizator Siesta Festival w Gdańsku. Jak sam przyznaje: „zaczęliśmy w okolicach święta zakochanych, w lutym 2012, by następnie spotykać się co kilka miesięcy i doprowadzić rokrocznie do szczęśliwej kulminacji na Siesta Festivalu u progu maja i dalej grać aż do końca roku. Z nadzieją, że te koncerty, jak ich radiowa starsza siostra, na trwałe wpiszą się w życiorys setek, jeśli nie tysięcy ludzi. Będę zaszczycony mogąc objąć artystyczne przywództwo przedsięwzięcia i przyjmując rolę prowadzącego każdy z wieczorów.” 

SIESTA w drodze gościła światowej sławy gwiazdy, takie jak: Pat Metheny, Bobby McFerrin & Chick Corea czy Dianne Reeves. W projekcie pojawili się także: Richard Bona, Ana Moura, Camane, Tito Paris, Sara Tavares, Lura, Mayra Andrade, Tcheka, Elida Almeida, Yami, Nancy Vieira, Lucibela, Marcio Farco czy Dino Di Santiago. 

W Sieście przenikanie się kultur; zacieranie granic przy jednoczesnym szacunku dla tradycji regionów; pojednanie ponad historycznymi podziałami, to obok samej materii muzyki najcenniejsze wartości.

Ewa Bem to jedna z najpopularniejszych polskich wokalistek jazzowych.  Często nazywana także „pierwszą damą polskiego jazzu”.  Tworzy niezwykłe kreacje wokalne,  czaruje swoim barwnym głosem, urzeka muzykalnością – a gdy śpiewa, w jej głosie można wychwycić niezwykłą radość. W 2023 roku nagrodzona statuetką Złotego Fryderyka w kategorii muzyka jazzowa. Artystka ma na swoim koncie przeboje takie jak „Moje serce to jest muzyk”, „Żyj kolorowo”, „Gram o wszystko” czy „Wyszłam za mąż, zaraz wracam” – które na stałe wpisały się w historię zarówno polskiego jazzu jak i muzyki rozrywkowej. Ewa Bem rozpoczęła swoją karierę w 1969 roku. Od tego czasu współpracowała z czołówką muzyków jazzowych, m.in.: z Janem Ptaszynem Wróblewskim, Andrzejem Jagodzińskim, Zbigniewem Jaremką czy Markiem Blizińskim. W swoim dorobku ma aż 15 albumów! Artystka ma na swoim koncie wiele nagród i wyróżnień. Koncertuje zarówno w Polsce, jak i za granicą.

Ewa Bem – śpiew
Andrzej Jagodziński – fortepian, kierownictwo muzyczne
Robert Majewski – trąbka
Adam Cegielski – kontrabas
Czesław „Mały” Bartkowski – perkusja

Jazzowy Chór Wytwórni

Jazzowy Chór Wytwórni to grupa, która działa pod auspicjami Fundacji Wytwórnia od 2012 roku i od samego początku prowadzona jest przez dyrygenta Macieja Salskiego. Do tej pory zespół wydał dwie płyty, a prezentowany przez nich repertuar jest odzwierciedleniem niezwykłej pasji do muzyki jazzowej. Ich liczne covery i wyszukane aranżacje utworów jazzowych oraz muzyki rozrywkowej cieszą się coraz większą popularnością na łódzkiej i ogólnopolskiej scenie. Krzysztof Komeda, Nina Simone, Stevie Wonder, The Beatles, Queen, Steve Winwood, szwedzkie The Real Group, czy znane z amerykańskiego muzycznego TV show – Pentatonix – to tylko niektóre z inspiracji Jazzowego Chóru Wytwórni. Chór liczy ponad 20 muzyków i ma na swoim koncie liczne osiągnięcia na krajowych i międzynarodowych festiwalach, do których zaliczają się m.in.: I nagroda na festiwalu „Cantio Lodziensis 2013”, I nagroda na XXI Ogólnopolskim Konkursie Chórów „O złotą strunę” w Niepołomicach, „Złote pasmo” na 22. Festiwalu Pieśni Chóralnej w Czersku, I nagroda na międzynarodowym festiwalu „Seghizzi” w kategorii muzyki gospel i wiele innych. W tegorocznej edycji Chór wykona zarówno utwory a cappella, jak i z akompaniamentem muzycznym.

Wykonawcy:

Jazzowy Chór Wytwórni 
Taras Hlushko- fortepian 
Andrzej Granat- bas
Jan Traciński- perkusja 
Piotr Krzemiński – trąbka 
Maciej Salski- dyrygent 

Les Freres Smith to wybuchowa i barwna orkiestra z Paryża, złożona z kilkunastu członków, z których wszyscy noszą to samo nazwisko – Smith! Zespół wystąpi w Polsce po raz pierwszy i to właśnie na 16. Letniej Akademii Jazzu w Łodzi! Muzyka Les Freres Smith to połączenie afrobeatu z transowymi rytmami, ethno-jazzu z soulem, porywających melodii i wyjątkowej energii, która – jesteśmy pewni – poderwie niejednego widza łódzkiej Wytwórni do tańca.

W 2011 roku Les Freres Smith wydali swój pierwszy album „Contreband Mentality”, a w 2015 roku płytę „Free to Go”. Program radiowy Fonkadelica porównał to wydawnictwo z legendami takimi jak Fela Kuti, Mulatu Astatké i James Brown, podczas gdy Parisdjs.com określiło ich wydawnictwo jako „hipnotyzujący tour-de-force w funkowej muzyce afro”.

Albumy „Contreband Mentality” i „Free To Go” to doskonałe odzwierciedlenie tego, co od dwóch dekad przyświeca Les Frères Smith:” żywiołowość,  artystyczna swoboda, odkrywanie nowych muzycznych krain iogromna radość tworzenia muzyki..

Podobnie jak społeczeństwo, środowisko i cały świat, muzyka Les Frères Smith jest w ciągłym ruchu. Jej ekspresja, kształt i kontury nieustannie się zmieniają.  Koncerty Les Freres Smith to muzyczne święto afrobeatu i kultury wschodnio-afrykańskiej, którą bracia Smith przywiozą również do Polski. Koncert w łódzkiej Wytwórni zapewni słuchaczom potężną dawkę energii, słońca i tanecznych rytmów!

Tegoroczna, 16. Letnia Akademia Jazzu rozpocznie się 11 lipca i potrwa do 31 sierpnia. Co tydzień w naszym Klubie czekają na Was wyjątkowe, jazzowe koncerty. Na scenie pojawią się światowe gwiazdy tego gatunku, awangardowe zespoły a także niezwykle zdolni, debiutujący muzycy.

W tym roku również możecie kupić karnet na wszystkie koncerty! Karnet obejmuje także koncert otwarcia John Scofield Solo oraz koncerty z cyklu INTL (International Jazz Platform).

Jazzowe lato w Wytwórni! Serdecznie zapraszamy!

Tegoroczną, 16. Letnią Akademię Jazzu otworzy wyjątkowy koncert – John Scofield Solo!

John Scofield to amerykański gitarzysta, uważany za jednego z najwybitniejszych oraz najbardziej wpływowych gitarzystów w całej historii jazzu!

Gra gitarowa Johna Scofielda miała wpływ na jazz od późnych lat 70-tych i do dziś ma się świetnie. Scofield jest mistrzowskim improwizatorem jazzowym; wyróżnia się  bardzo charakterystycznym brzmieniem i różnorodnością stylistyczną.

Urodzony w Ohio i wychowany na przedmieściach Connecticut, Scofield zaczął grać na gitarze w wieku 11 lat, zainspirowany zarówno przez muzyków rockowych, jak i bluesowych. Uczęszczał do Berklee College of Music w Bostonie. Po debiutanckim nagraniu z Gerrym Mulliganem i Chetem Bakerem, Scofield przez dwa lata był członkiem zespołu Billy Cobham-George Duke. W 1977 roku nagrywał z Charlesem Mingusem i dołączył do kwartetu Gary’ego Burtona. Rozpoczął swoją międzynarodową karierę jako lider zespołu i artysta nagrywający w 1978 roku. W latach 1982–1985 Scofield koncertował i nagrywał z Milesem Davisem. Jego kariera nabrała tempa i postawiła go na pierwszym planie świadomości jazzowej jako muzyka i kompozytora.

Od tego czasu prowadził własne zespoły na międzynarodowej scenie jazzowej, nagrał ponad 30 albumów jako lider (wśród nich wiele zapisało się jako klasyki). Współpracował z takimi muzykami jak Pat Metheny, Charlie Haden, Eddie Harris, Medeski, Martin & Wood, Bill Frisell, Brad Mehldau, Mavis Staples, Government Mule, Jack DeJohnette, Joe Lovano i Phil Lesh. Grał i nagrywał z Tonym Williamsem, Jimem Hallem, Ronem Carterem, Herbie Hancockiem, Joe Hendersonem, Dave’em Hollandem czy Terumasą Hino czyli legendami jazzu. W trakcie swojej kariery Scofield wzbogacał tradycyjny jazz o zorientowaną na funk muzykę elektryczną. Przez cały czas gitarzysta miał otwarty muzyczny umysł.

Pomimo bycia w podróży przez około 200 dni w roku jest także adiunktem na Uniwersytecie Nowojorskim, mężem i ojcem dwójki dzieci.

„Moim głównym celem w grze na gitarze zawsze było bycie częścią grupy; odkrywanie muzyki, która powstaje, gdy muzycy słuchają się nawzajem i wspólnie improwizują. Szczerze mówiąc, do tej pory unikałem grania koncertów solowych. Wciąż miewam sporadyczne koszmary o graniu utworu Greensleeves w szóstej klasie! Tam na górze robi się dość samotnie, a ja nie uważałem gitary solo za idealną platformę do improwizacji. To powiedziawszy, po 56 latach gry na gitarze, w końcu jestem zainteresowany pójściem na całość i odkrywaniem możliwości. Minęły dziesięciolecia, zanim zdałem sobie sprawę, że od 1962 roku codziennie gram na gitarze bez akompaniamentu w domu lub w pokoju hotelowym! Ostatnio dużo myślałem o tym, jak mogę zaprezentować program gitarowy solo, który reprezentuje moje pasje i wrażliwość. Moim pomysłem jest, aby opierać się na piosenkach, grając jazzowe, country i rockowe melodie, które kocham, a także niektóre z moich oryginalnych kompozycji. Przygotowywałem się przez prawie rok, pracowałem nad nowymi kierunkami w mojej głowie jednocześnie nie mogąc się doczekać tych koncertów z podekscytowaniem i odrobiną niepokoju. Mam nadzieję, że spodoba Wam  się podróż ze mną.“ – John Scofield

Soundedit ’23 – The Sisters of Mercy, The Virginmarys

The Sisters of Mercy i The Virginmarys wystąpią w klubie Wytwórnia 11 listopada podczas 15. edycji Międzynarodowego Festiwalu Producentów Muzycznych Soundedit.

The Sisters of Mercy założono w Leeds (Wielka Brytania). Do dziś zespół nagrał trzy albumy: „First and Last and Always” (1985 r.), „Floodland” (1987 r.) oraz „Vision Thing” (1990 r.). Każdy z albumów prezentuje odmienny styl muzyczny, każdy z nich został nagrany w innym składzie. W realizacji płyt zawsze uczestniczy Andrew Eldritch, który programuje również automat perkusyjny – słynny Dr Avalanche. Oprócz tego artysta pozostaje autorem tekstów i producentem utworów grupy. Założycielami zespołu byli: Eldritch oraz Gary Marx, ich motywacja była prosta jak gitarowy riff – chcieli usłyszeć siebie w radiu. Nazwę zespołu zaczerpnęli od piosenki Leonarda Cohena pt.: „Sisters of Mercy”. Kiedy do składu dołączył Wayne Hussey, nagrano pierwszy album. Płyta zyskała sporą popularność, osiągając 14. miejsce na liście Billboardu. Dla grupy działającej na scenie niezależnej był to ogromny sukces. Kolejne lata działalności The Sisters of Mercy to kolejne płyty, trasy koncertowe, przebojowe single („More”, „Temple of Love”, „This Corrosion”, „Dominion/Mother Russia”), zmiany składu zespołu oraz skandale. Eldritch na przykład zastrzegł tekst „This Corrosion”. Tekst utworu nie może zostać przetłumaczony i każdy kto to zrobi zostanie pozwany. Począwszy od lat 90. zespół wydaje kompilacje lub wznowienia swoich płyt, skupiając się przede wszystkim na koncertach. Składy muzyków ulegają modyfikacjom. Stałymi elementami są: lider zespołu, dym unoszący się nad sceną, automat perkusyjny oraz niezwykła atmosfera występów.

The Virginmarys

The Virginmarys to potężna maszyna produkująca czystą energię opartą na potężnych riffach, tworzona przez perkusistę Danny’ego Dolana i gitarzystę/wokalistę Ally Dickaty.Należą do najbardziej autentycznych i powszechnie szanowanych zespołów rockowych swoich czasów i od początku trzymają się własnego brzmienia. Wspólne granie z Queens Of The Stone Age, wsparcie Slasha i współpraca na scenie z Frankiem Turnerem ukazuje różnorodność ich muzyki.The Virginmarys debiutowali w 2013 roku wydając album „King of Conflict”, który zadebiutował na 3. miejscu listy Billboard New Artist Alternative Chart i 8. na liście Billboard Heatseekers Chart. Dzięki „King of Conflict” The Virginmarys zostali okrzyknięci buzz bandem SXSW, otrzymali duże wsparcie ze strony amerykańskiego radia Active Rock and Alternative oraz uznanie ze strony Rolling Stone, Alternative Press, USA Today i nie tylko. W 2016 roku zespół wydał album Divides, który oprócz świetnych ocen najważniejszych wydawnictw prasowych został doceniony przez Apple Music, Spotify, Yahoo! Music i zaprowadził zespół na główną scenę festiwalu w Leeds i Reading.Po wydaniu trzech dobrze przyjętych przez krytyków albumów granych jako trio, Ally i Danny zdecydowali się rozpocząć kolejny etap działalności zespołu jako power duo. Obecna trasa to pierwsza szansa zobaczenia ich w tym formacie.