Zapraszamy na niezapomnianą podróż przez 55 lat muzycznej historii z Krzysztofem Cugowskim! Legendarny rockman, współtwórca Budki Suflera, obchodzi jubileusz swojej niezwykłej kariery artystycznej. To rok pełen koncertów i muzycznych wydarzeń, a także premierowej płyty z udziałem Zespołu Mistrzów.
Krzysztof Cugowski rozpoczął swoją drogę artystyczną w 1969 roku, zakładając z Januszem Pędziszem i Krzysztofem Brozi Budkę Suflera. Z marzeń młodości wyrósł zespół, który zmiótł rockową scenę.
Po zakończeniu przygody z Budką Suflera w 2014 roku, artysta nie zwalnia tempa. Wspólnie ze swoimi synami stworzył projekt Cugowscy, a teraz, od 2017 roku, zdobywa serca publiczności na koncertach, podczas których towarzyszą mu niezwykli muzycy.
Jubileuszowe koncerty Krzysztofa Cugowskiego – 55 lat na scenie
Zespół Mistrzów to wyjątkowi instrumentaliści: Jacek Królik na gitarze, Cezary Konrad na perkusji, Robert Kubiszyn na basie oraz Tomasz Kałwak na instrumentach klawiszowych. Mają za sobą setki wspólnych koncertów na polskich i zagranicznych scenach. W ramach trasy jubileuszowej z okazji 55-lecia Cugowski i Zespół Mistrzów zagrają dziesiątki koncertów w największych polskich miastach. To podróż przez dekady historii polskiego rocka, pełna hitów i przebojów, które przez wszystkie lata grały w duszy Krzysztofa Cugowskiego.
Ten wyjątkowy jubileusz zespół uczcił w sposób szczególny – jeszcze w 2024 roku czeka na fanów premierowa płyta z nowymi utworami, przypieczętowująca współpracę z Zespołem Mistrzów. To kolejny rozdział w fascynującej historii muzycznego mistrza. Dołączcie do nas na tej wyjątkowej trasie, podczas której nostalgia spotka się z nowością. Sprawdź repertuar i zarezerwuj bilety na koncerty Krzysztofa z Cugowskiego z okazji 55-lecia twórczości.
Bilety dostępne na: https://adria-art.pl/sale/191/klub-wytwornia-w-lodzi
W 2024 roku przypada okrągła – dziesiąta – rocznica działalności The Dumplings;)
Z tej okazji zespół poinformował, że będzie miał dla swoich fanów kilka niespodzianek. Pierwszą z nich była premiera nowej piosenki – „W naszym zabetonowanym mieście” oraz winylowa wersja ich ostatniej płyty „RAJ”.
Kolejny prezent urodzinowy to trasa koncertowa, przywracająca do życia projekt sprzed 7 lat…
The Dumplings Orkiestra powstał z myślą o koncercie na scenie głównej Open’er 2017. Repertuar zaaranżowany na tę okazję trafił do serc publiczności, w związku z czym zespół zagrał go jeszcze podczas dwóch kolejnych tras koncertowych.
Teraz The Dumplings wraca z zupełnie nowymi aranżacjami piosenek. Tym razem za przygotowanie orkiestracji odpowiada Wojciech Kostrzewa.
Zespół zagra jedynie kilka koncertów w zaprzyjaźnionych klubach, w których grał już kilkukrotnie. Obserwujecie ich profile na mediach społecznościowych, bo dziesięciolecie działalności świętuje się tylko raz.
Przygotuj się na podróż przez historię Pink Floyd. Włoski zespół PINK FLOYD HISTORY zaprasza na 5 koncertów w Polsce w ramach europejskiej trasy koncertowej celebrującej 60. rocznicę powstania Pink Floyd oraz 50. rocznicę wydania albumu „Wish You Were Here”.
PINK FLOYD HISTORY Welcome To The Machine Tour 2025
PINK FLOYD HISTORY to pochodzący z Włoch najlepszy zespół specjalizujący się w repertuarze Pink Floyd w Europie. Od ponad dekady z pasją wykonuje utwory Pink Floyd, przyciągając na swoje koncerty już ponad 500 000 fanów.
Trasa PINK FLOYD HISTORY „Welcome to the Machine Tour 2025” zaprezentuje nowe, niezapomniane widowisko na żywo, obejmujące sześćdziesiąt lat rewolucyjnej muzyki Pink Floyd. W programie znajdą się ponadczasowe hity, które uczyniły Pink Floyd jednym z najbardziej wpływowych zespołów wszech czasów, od „The Dark Side of the Moon” po „The Wall”, ze szczególnym uwzględnieniem kultowego albumu „Wish You Were Here”.
Centralnym punktem koncertu będzie arcydzieło muzyki psychodelicznej „Wish You Were Here”. Na żywo zabrzmią najsłynniejsze utwory z tej płyty, takie jak „Shine On You Crazy Diamond”, „Welcome to the Machine” i „Wish You Were Here”, zanurzone w atmosferze pełnej emocji i sugestii.
Oprócz muzyki, PINK FLOYD HISTORY „Welcome to the Machine Tour 2025” zapewni wciągające wrażenia dla zmysłów. Spektakularne efekty świetlne, ekscytujące filmy i poruszająca narracja przeniosą widzów do świata Pink Floyd, odtwarzając historię zespołu oraz jego wpływ na muzykę i kulturę.
Na scenie wystąpią wyjątkowi muzycy, którzy dzięki swojej pasji i talentowi ożywią nieśmiertelne piosenki Pink Floyd z nienaganną wiernością i potężną energią, tworząc dla Was niezapomniane przeżycie.
PINK FLOYD HISTORY „Welcome to the Machine Tour 2025” to szczery i pełen pasji hołd złożony jednemu z najważniejszych zespołów w historii muzyki. To okazja, której nie można przegapić, aby ponownie przeżyć ponadczasowe emocje związane z Pink Floyd i uczcić 50. rocznicę wydania „Wish You Were Here”.
Wkrocz do „Maszyny” i daj się przenieść niezapomnianym muzycznym doznaniom… Zapraszamy na koncerty.
Mamy dla Was kilka istotnych informacji, dotyczących festiwalowej niedzieli – 27 października.
Zespół New Model Army ze względu na problemy zdrowotne perkusisty – Michael’a Deana – odwołał wszystkie koncerty do końca bieżącego roku. Artyści bardzo szanują polską publiczność, dlatego na Soundedit wystąpią Justin Sullivan & Dean White ze specjalnym setem.
Cieszymy się i dziękujemy, że zespół wykazał się tak wspaniałą postawą. A Michaelowi życzymy szybkiego powrotu do zdrowia!
A tego samego dnia w wystąpi nie jedna, a dwie legendy z wytwórni 4AD! Do The Wolfgang Press, New Model Army i Juno Reactor dołącza… CLAN OF XYMOX!
Soundedit ’24 – The Wolfgang Press, New Model Army, Juno Reactor
Napisać, że niedziela (27 października) na Festiwalu Soundedit zapowiada się ekscytująco, to mało napisać. Po blisko trzydziestu latach reaktywował się kultowy The Wolfgang Press, New Model Army zaprezentuje materiał z nowej płyty, a Junor Reactor udowodni, że z połączenia techno i flamenco może powstać coś niezwykle transowego i elektryzującego.
The Wolfgang Press – jeden z najdłużej działających zespołów z kultowej wytwórni 4AD. Zespół został założony w 1983 r. przez Michaela Allena (wokal, bas) i Marka Coxa (instrumenty klawiszowe). Debiutancki album The Wolfgang Press, „The Burden Of Mules”, to ważny album post-punkowy. Z czasem propozycja muzyczna The Wolfgang Press rozszerzyła się, artyści sięgali zarówno po utwory bardziej popowe, jak i eksperymentalne.
Na nowej płycie, pt.: „A 2nd Shape” pojawiają się główni członkowie The Wolfgang Press: Michael Allen i Andrew Gray, dołączył do nich Stephen Gray, brat Andrew. Utwory na płycie są ponure, jednak nie pozbawione pomysłowości i artystycznego wigoru. The Wolfgang Press to enigmatyczna i niedoceniana grupa w historii muzyki rockowej. Po jej rozpadzie, 4AD wydało retrospektywną kompilację „Everything Is Beautiful”, a artyści rozpoczęli kariery solowe. W 2024 r. zespół powraca z nowym albumem i wystąpi na Soundedit w Łodzi. To jedna z największych muzycznych niespodzianek tego roku.
New Model Army – najnowszy, szesnasty studyjny album New Model Army „Unbroken” został wydany w styczniu 2024 r. Płyta zdobyła uznanie krytyków i wspięła się na wysokie miejsca list sprzedaży płyt na całym świecie. Od premiery płyty zespół bezustannie koncertuje. Ze względu na wyprzedane koncerty, New Model Army jesienią br. wyruszy ponownie w trasę po Europie. Jeden z koncertów odbędzie się podczas Festiwalu Soundedit w Łodzi.
Utworzony w Bradford w 1980 r. zespół New Model Army działa już piątą dekadę i nie widać żadnych oznak, że zamierza przestać. W 2023 r. grupa wydała podwójny album koncertowy „Sinfonia” – wyjątkowy występ zrealizowany z orkiestrą w Berlinie. A zaraz potem zdyskontowali ten sukces premierowym albumem „Unbroken”. Utwory na nową płytę zespół zaczął pisać już w roku 2021. Muzycy chcieli ująć, podsumować wszystko, co dzieje i działo się zarówno w obłędnie szybko zmieniającym się świecie, jak również w ich własnych, prywatnych przestrzeniach. Będzie to pierwsza wizyta zespołu w Łodzi.
Juno Reactor – ta grupa to elektryzujące i niezwykłe połączenie rytmów techno i ognistego flamenco. Juno Reactor to synonim innowacji w dziedzinie muzyki elektronicznej. Grupą kieruje wizjoner, elektroniczny pionier – Ben Watkins. zdobył oddaną rzeszę fanów dzięki ciągłemu przesuwaniu muzycznych granic, bogatej dyskografii oraz niezrównanych występów. Występy Juno Reactor to wciągający spektakl, który angażuje wszystkie zmysły. To celebracja muzyki jako transcendentnej formy sztuki. Utwory Juno Reactor zostały wykorzystane w filmach: „Matrix: Reaktywacja”, „Matrix: Rewolucje”, „Mortal Kombat”, „Brave Story”, „Pewnego razu w Meksyku: Desperado 2”, „Texhnolyze”.
Jeśli z fascynacją oglądałeś film „Buena Vista Social Club” i pokochałeś tę muzykę, nie możesz przegapić koncertów tych słynnych na całym świecie muzyków z Pasión de Buena Vista! Kubańscy artyści, zainspirowani entuzjastycznym przyjęciem przez polską publiczność oraz sukcesem poprzednich występów, postanowili ponownie zawitać do naszego kraju. Wybitni wokaliści, tancerze i muzycy ponownie zabiorą Cię w podróż przez magiczne kubańskie noce. Wędruj z nimi ulicami Hawany, odkryj rajskie zakątki karaibskich wysp i doświadcz prawdziwej kubańskiej radości!
Porywające kubańskie show, które na pewno rozgrzeje Wasze serca. – L’Express
Jeśli zakochałeś się w magii „Buena Vista Social Club”, to nie możesz przegapić tego widowiska! – Der Spiegel
Jakość tego widowiska potwierdza fakt, że wielu członków Pasión de Buena Vista współpracowało z legendarnym „Buena Vista Social Club”. Byli oni bohaterami niezapomnianego filmu „Buena Vista Social Club”, który dokumentował ich muzyczne sesje. Autentyczna pasja i niepowstrzymana energia latynoskiej muzyki sprawiają, że widzowie zakochują się w tradycyjnych kubańskich rytmach, które na długo pozostają w pamięci. Współcześnie wielu krytyków uważa ich za godnych następców tej legendarnej grupy. W zespole występują artyści, którzy dzielili scenę z takimi legendami jak Ibrahim Ferrer, Juan de Marcos, Gonzales, oraz Compay Segundo, a także regularnie występują z Omarą Portuondo. Tancerze natomiast pochodzą z legendarnego kabaretu Tropicana w Hawanie, który od ponad 70 lat przyciąga tłumy swoimi wspaniałymi rewami.
Pasión de Buena Vista to spektakularne kubańskie show pełne energii, uroku, siły i wdzięku. Niezwykłe połączenie dynamicznego tańca i żywiołowej muzyki, pięknej scenografii i porywającej choreografii sprawia, że jest to wyjątkowe widowisko. Wyjątkowi muzycy, znakomici piosenkarze i niesamowici tancerze tworzą spektakl, który zaraża humorem i temperamentem Kuby. Dzięki unikalnej mieszance melancholii i radości, rytmom przenikającym pod skórę oraz melodiom i ruchom trafiającym prosto do serca, artyści rozpalają ogień kubańskiej pasji do życia. Pasión de Buena Vista to prawdziwa deklaracja miłości do Kuby, wprowadzająca widzów w nowy wymiar tańca i śpiewu. To najczystszy kubański ogień.
BLIŻEJ to naładowana emocjami, prowokująca szczerością i przewrotnym humorem opowieść o złożoności relacji między kobietą a mężczyzną. W obsadzie debiutująca na naszej scenie Pola Gonciarz, Aleksandra Popławska, Mateusz Damięcki i Michał Żebrowski.
BLIŻEJ (tytuł oryginału CLOSER, 1997 r.) jest pierwszym spektaklem scenicznej trylogii SEX / PŁEĆ / GENDER na scenie Teatru 6.piętro, która będzie stawiać przed widzami takie pytania jak: Co to znaczy być Kobietą? Co to znaczy być Mężczyzną? Co znaczy dla Mężczyzny i Kobiety bycie Razem?
BLIŻEJ
Love story bez cenzury
W jednej ze scen sztuki BLIŻEJ Dany, początkujący pisarz, rozmawia z Ann, fotografką, robiącą mu zdjęcie do jego pierwszej książki:
DANY Nie wydaje ci się obsceniczna?
ANN Co?
DANY Książka.
ANN Nie. Myślę, że… że opowiada jak jest.
DANY „Jak jest” z czym?
ANN Z seksem. Z miłością.
To samo można byłoby powiedzieć o samym spektaklu BLIŻEJ. Opowiada on bez fałszywej pruderii, ale też i bez chęci epatowania, o tym, co leży u początków każdego ludzkiego życia: o miłości i seksie. Opowiada jak jest z tą miłością i seksem, i robi to bez uników, przemilczeń i upiększeń, gdyż wierzy w tajemną moc ludzkich namiętności. – mówi Eugeniusz Korin, Dyrektor Artystyczny Teatru 6.piętro i reżyser przedstawienia.
Dwie pary – Dany i Alice oraz Larry i Ann – zabierają widza w podróż po labiryntach swoich uczuć: na naszych oczach zakochują się, kochają i odkochują, wiedzeni odwieczną i rzadko kiedy zaspokajaną potrzebą bliskości drugiego człowieka.
Autor sztuki Patrick Marber opowiada ich historie miłosne z pasją, czasem z humorem i często z szokującą szczerością. Nie robi tego, żeby bulwersować, a raczej po to, żeby nas przekonać, że pomimo tak częstych rozczarowań, zdrad i rozstań, które przynoszą nam miłość i seks, nie powinniśmy się zniechęcać i zaprzestawać poszukiwań bycia bliżej tego drugiego…
Na scenie zobaczymy: debiutującą na naszej sceniePolę Gonciarz, Aleksandrę Popławską, Mateusza Damięckiego oraz Michała Żebrowskiego.
Reżyseria: Eugeniusz Korin Scenografia i kostiumy: Katarzyna Borkowska Muzyka: Zespół GoGo Penguin Tłumaczenie i opracowanie tekstu: Eugeniusz Korin
Obsada:
Ann – Aleksandra Popławska Alice – Pola Gonciarz Dany – Mateusz Damięcki Larry – Michał Żebrowski
UWAGA: 18+ Spektakl wyłącznie dla widzów dorosłych. Treść i forma spektaklu w sposób otwarty poruszają kwestie seksu i erotyki. Tekst sztuki zawiera słownictwo, które może być uznane za wulgarne.
Joanna Liszowska, Barbara Kurdej-Szatan, Katarzyna Kwiatkowska, Mikołaj Roznerski, Marcin Perchuć, Wojciech Wysocki, Sylwester Maciejewski w prześmiewczej opowieści “Miłość w Saybrook” Woody Allena w reżyserii Eugeniusza Korina. WOODY ALLEN MIŁOŚĆ W SAYBROOK REŻYSERIA EUGENIUSZ KORIN
MIŁOŚĆ W SAYBROOK to wyjątkowa zabawa różnymi gatunkami teatru, której głębszym celem jest opowieść o złożonej prawdzie ludzkich uczuć. Opowiadając o miłosnych problemach trzech małżeńskich par, Woody Allen z właściwą sobie błyskotliwością miesza różne konwencje, włączając komedię, absurdalną groteskę oraz kryminał, a robi to, żeby z teatralnej fikcji wydobyć trochę prawdy o naszych tęsknotach i niespełnieniach.
Małżeństwo z siedmioletnim stażem, ona – psycholog, on – ortodonta (Katarzyna Kwiatkowska i Marcin Perchuć), świętują kolejną rocznicę ślubu w swoim uroczym domu w ładnym miasteczku Old Saybrook. Razem z nimi w przyjęciu biorą udział krewni, siostra pani psycholog – właścicielka sklepu z bielizną i jej mąż – chirurg plastyczny (Joanna Liszowska i Sylwester Maciejewski). Niespodziewane pojawienie się dawnych właścicieli domu – księgowego-poety (Mikołaj Roznerski) i jego nieśmiałej żony (Barbara Kurdej-Szatan) ujawni ukryty w tajemnym schowku porażający sekret…
Jeśli dodamy do tego tajemniczego mężczyznę (Wojciech Wysocki) oraz serie ciętych żartów, lawinę nie zawsze grzecznych dowcipów oraz muzyczne wstawki śpiewanych hitów o miłości (na przykład „All you need is love” grupy The Beatles) – otrzymamy właśnie nasz spektakl.
Mottem do niego może być ta wypowiedź Mistrza: Istnieją miliony książek (…) autorstwa najznakomitszych umysłów, z których żaden nie potrafi odpowiedzieć na wielkie życiowe pytania (…) Może rację mają poeci. Może jedyna odpowiedź to miłość.
Obsada:
Hal – Mikołaj Roznerski Sandy – Barbara Kurdej-Szatan Norman – Marcin Perchuć Sheila – Katarzyna Kwiatkowska David – Sylwester Maciejewski Jenny – Joanna Liszowska Max – Wojciech Wysocki
Twórcy: Reżyseria – Eugeniusz Korin Scenografia – Maciej Chojnacki Kostiumy – Beata Harasimowicz Tłumaczenie i opracowanie tekstu – Eugeniusz Korin Opracowanie muzyczne – Tomasz Szymuś
Marcin Kydryński prezentuje SIESTA w drodze: NANCY VIEIRA
Nancy Vieira nazywana jest najbardziej stylową kontynuatorką sztuki Cesarii Evory. Kto sięga głębiej, wie, że jej historia, pochodzenie społeczne a zwłaszcza serdeczna, otwarta osobowość różnią ją od Cesarii. Pozostaje faktem, że Nancy występuje często z zespołem legendarnej artystki i pojawiła się w wielkim koncercie jej pamięci w lizbońskim Coliseu. Albumy Lus i No Ama należą do najpiękniejszych prezentów, jakie dostaliśmy z Cabo Verde. Za płytę, Manha Florida Nancy Vieira została uhonorowana aż dwiema statuetkami na prestiżowym festiwalu muzyki luzofońskiej: Najlepszy Album Tradycyjny i Najlepsza Wokalistka.
Kiedy przyszła na świat, rodzice Nancy działali w ruchu oporu w Gwinei Bissau, przygotowując niepodległość swoich skalistych, wietrznych wysp. Wychowała się w Praia, na wyspie Santiago. Jej bohaterski ojciec został po latach ambasadorem wolnych już Wysp Zielonego Przylądka w Portugalii i zabrał czternastoletnią córkę do Lizbony. Potem pewnie wpadali oboje co weekend do Casa da Morna na orzeźwiające rytmy funana i spotkania z przyjaciółmi. To cudowne i znamienne, jak społeczność wyspiarska znalazła dla siebie niszę w świecie fado. Charakter tej świetlanej muzyki jest tak intensywny i zaborczy, że przenika właściwie wszędzie i krzyżuje się także z angolańską sembą, z rytmami z Mozambiku, z brazylijskim pulsem. Manha Florida, album produkowany i w znacznym stopniu skomponowany przez wielkiego barda muzyki kabowerdyjskiej, Teofila Chantre’a otwiera nowy rozdział w sztuce Nancy.
Po sześciu latach od tej premiery, Nancy wraca na trasę Siesty w Drodze z nową muzyką.
Album Gente (Ludzie) powstawał niespiesznie, w skupieniu. Z udziałem mistrzów z wielu muzycznych kultur: Peru, Brazylii, Gwinei Bissau, Kraju Basków, Ukrainy i, co zrozumiałe, Cabo Verde. Wreszcie z Portugalii: tęskne tropikalne fado śpiewa z Nancy fenomenalny Antonio Zambujo.
Słowem płyta i koncerty Gente brzmią jak ulice Lizbony. Stubarwnie, wielokulturowo. Jak zawsze w muzyce Nancy dominują zmysłowość, światło, radość i melodie, od których trudno się uwolnić.
Siesta z muzyką kabowerdeńską najwyższej próby dotrze tej jesieni do każdego nieomal zakątka naszego kraju.
Cieszymy się na te spotkania. Do zobaczenia „w drodze”!
– Marcin Kydryński
MUZYKA:
SIESTA w drodze
Założeniem SIESTY w drodze jest prezentacja na żywo artystów znanych z niedzielnych audycji Pora Siesty Marcina Kydryńskiego oraz z bestsellerowych kompilacji Siesta (wydano już XV edycji). Prowadzącym oraz dyrektorem artystycznym SIESTY w drodze jest Marcin Kydryński, radiowiec, autor i kompozytor tekstów, producent płyt i fotograf oraz współorganizator Siesta Festival w Gdańsku.
SIESTA w drodze gościła światowej sławy gwiazdy, takie jak: Pat Metheny, Bobby McFerrin & Chick Corea czy Dianne Reeves. W projekcie pojawili się także: Richard Bona, Ana Moura, Camane, Tito Paris, Sara Tavares, Lura, Mayra Andrade, Tcheka, Elida Almeida, Yami, Nancy Vieira, Lucibela, Marcio Farco czy Dino Di Santiago.
W Sieście przenikanie się kultur; zacieranie granic przy jednoczesnym szacunku dla tradycji regionów; pojednanie ponad historycznymi podziałami, to obok samej materii muzyki najcenniejsze wartości.
Ulicą ciągle biega młodzież, w powietrzu dziwnie pachnie punkiem…Ohyda! A jak się wyda to… będziemy pisać do MO! Kto z pokolenia lat 80 i 90 nie pamięta słów kultowej ladypankowej Ohydy z ich drugiego, owianego wówczas aurą obyczajowego skandalu, ale i jednego z najważniejszych albumów tamtej epoki? I właściwie dlaczego nazwali go „Ohyda”?
Ohyda, czyli to, co jest ohydne, wstrętne, brzydkie, a także czyn, który budzi odrazę. Zapis „ohyda” został uwarunkowany historycznie. Już w XVI wieku nasi przodkowie mówili „ohida” na coś wstrętnego, zanieczyszonego lub upapranego.
A jak prezentuje się Ohyda w XXI wieku? Sprawdźcie… na jesiennych koncertach legendarnego Lady Pank!
Lady Pank to legendarny polski zespół rockowy założony w 1981 roku przez jana borysewicza, jednego z najbardziej cenionych polskich kompozytorów i gitarzystów. Wraz z wokalistą januszem panasewiczem stanowią trzon grupy, która już od 40 lat króluje na polskiej scenie muzycznej.
Przeboje: „Mniej niż zero”, „Kryzysowa narzeczona”, „Tańcz głupia, tańcz”, „Mała lady punk”, „Zamki na piasku”, „Zawsze tam, gdzie ty”, „Sztuka latania”, „Fabryka małp”, „Wciąż bardziej obcy”, „Vademecum skauta”, „Zostawcie titanica”, „Marchewkowe pole”, „Tacy sami”, „Na co komu dziś”, „7-me niebo nienawiści”, „Młode orły”, „Strach się bać” czy „Stacja warszawa” na stałe weszły do kanonu polskiej muzyki rozrywkowej i wychowały już kilka pokoleń słuchaczy.
Podczas 40-letniej działalności zespół wydał ponad 20 płyt, które pobiły wszelkie rekordy popularności czyniąc lady pank jedną z największych legend polskiego rocka.
Happysad rusza w trasę promującą płytę Pierwsza Prosta i zawita z koncertami do osiemnastu klubów w całej Polsce. Na każdym z nich usłyszycie zarówno nowe utwory zespołu, starsze klasyki, jak i te, które zespół postanowił grać tylko na koncertach klubowych.
Zespół przygotował także zaskakującego gościa, bo roli rozgrzewacza na trasie podjął się tej jesieni Maciej Ramisz, na co dzień członek grupy Happysad. On także promował będzie swoją najświeższą twórczość.
Lepiej późno niż w ogóle… Ramisz debiutuje!
Po dziesięciu latach aktywnego nagrywania płyt i grania koncertów z zespołem Happysad, Ramisz w końcu debiutuje solowym materiałem. Lepiej późno niż w ogóle to album pełen melancholii i przebojowych gitar, na którym powiew wiosennej energii przeplata się z jesienną nostalgią. Ramisz dał się poznać jako specjalista od chwytliwych, zapadających w pamięci refrenów, czego dowodem są jego dotychczasowe single: Mars, Czasy wietrzne czy Lepszy czas. Artysta równie świetnie odnajduje się w tworzeniu budujących napięcie, alternatywnych kompozycji, o zdecydowanie mniej piosenkowej, choć przewrotnie znacznie bardziej angażującej formie.
Lepiej późno niż w ogóle to zbiór utworów pełnych zaskakujących refleksji, które w całości stanowią emocjonalną przeprawę przez zakamarki własnej duszy i zderzenia z poczuciem niedopasowania do otaczającej nas rzeczywistości. To bezpośrednia podróż w życiowe i miłosne rozterki Ramisza.
Ramisz — wokalista, kompozytor, multiinstrumentalista, dumny ze swojego pochodzenia Pabianiczanin. Od dziesięciu lat podbija największe sceny muzyczne w Polsce u boku jednego z najbardziej popularnych zespołów rockowych w tym kraju. Równolegle wrzuca do szuflady potencjalne przeboje, które postanowił wystawić na światło dzienne dopiero, mając przed sobą wizję przekroczenia progu trzeciej dekady życia.
Solowa twórczość Ramisza oscyluje wokół szeroko pojętej alternatywy, w ramach której niestraszne mu są 7-minutowe partie gitar, syntezatorowe romanse czy chwytliwe, piosenkowe formy. Wszechstronność artysty dopełniają emocjonalne, szczere i refleksyjne teksty, rezonujące z czasami, w których żyjemy. W tym kontekście szczególnie bliski jest mu wątek relacji międzyludzkich, podróży w głąb zakamarków własnej emocjonalności oraz kwestia niedopasowania do otaczającej nas rzeczywistości.
W sobotnią noc w czasie Soundedit cofamy zegarki o godzinę! Co zrobić z tą dodatkową godziną? My, wspólnie z Festiwalem Kamera Akcja wydłużamy program koncertu o jednego artystę.
A jest nim znakomity aktor Christian Friedel, znany m.in. z serialu Babylon Berlin i filmu Strefa interesów. Podczas Festiwalu Soundedit wystąpi z własnym zespołem Woods Of Birnam i zaprezentuje program przygotowany wspólnie z reżyserem teatralnym Robertem Wilsonem, nawiązujący do postaci Doriana Graya, stworzonej przez Oscara Wilde’a. To najlepszy sposób, na dodatkową godzinę życia 🙂
Soundedit ’24 – Nouvelle Vague, Smolik//Kev Fox oraz „Band On The Run – Live” Właśnie tak przedstawia się sobotni, koncertowy skład 16. już edycji Festiwalu Soundedit. 26 października w łódzkim Klubie Wytwórnia wystąpią: niezwykle wyrafinowany Nouvelle Vague, hipnotyzujący melancholią duet Smolik//Kev Fox oraz projekt specjalny – „Band On The Run – Live” Grupa Nouvelle Vague założona została w 2003 r. przez Marca Collina i nieżyjącego już Oliviera Libaux. Nazwę francuskiej grupy można przetłumaczyć jako „nowa fala” i jest to klucz do zrozumienia jej twórczości. Artyści skupili się na coverach utworów punk rocka, post punka i nowej fali właśnie, w aranżacjach sięgają po stylistykę bossa novy. Joy Division, Depeche Mode, The Clash, XTC, Modern English, Killing Joke, Tuxedomoon, The Cure, The Undertones, Buzzcocks, New Order, Duran Duran, Echo & The Bunnymen, Yazoo, Blondie… Nowe wersje piosenek tych i wielu, wielu innych wykonawców znajdują się na płytach Nouvelle Vague. Albumy grupy zyskują przychylne recenzje i zdobywają coraz większą popularność. Artystyczny pomysł na połączenie pozornie odrębnych muzycznych światów okazał się nośny i atrakcyjny. Wyrafinowana koncepcja jest tak dobra, że w wywiadach Marc Collin mówi: „nigdy nie sądziłem, że po dwudziestu latach publiczność nadal będzie kupować płyty i przychodzić na koncerty Nouvelle Vague”. Łódzki występ będzie jedynym w tym roku w Polsce koncertem, promującym wydany w lutym br. nowy album „Should I Stay Or Should I Go?”. Smolik//Kev Fox – debiutancki album „Smolik//Kev Fox” był jednym z najlepiej ocenianych albumów 2015 r. Artyści za tę płytę odebrali „Fryderyka” w kategorii „elektronika i alternatywa”. Od czerwca 2017 r. album ten ma status platynowej płyty. W wersji koncertowej te misternie skonstruowane, pełne melancholii melodie Smolika i niepowtarzalny, hipnotyzujący, silny wokal Keva nabierają kompletnie nowej energii. W 2018 r. ukazała się EP’ka pt.: „Queen Of Hearts”, której sesja nagraniowa miała miejsce w legendarnym Real World Studios w Wielkiej Brytanii. Właścicielem kompleksu nagraniowego jest Peter Gabriel. Premiera koncertowa wydawnictwa miała miejsce w ramach Live Sesji w YouTube Space w Berlinie. Jesienią odbędzie się druga część trasy koncertowej promującej ostatni album duetu -„Belly Of The Whale”
Z okazji „okrągłej” 51. rocznicy wydania kultowej płyty „Band On The Run” grupy The Wings, której założycielem i liderem był Paul McCartney, powstał wyjątkowy projekt „Band On The Run – Live”. Na specjalnym koncercie wystąpi zespół pod dyrekcją Marcina Borsa wraz z gośćmi: Gabą Kulką, Agatą Karczewską, Tomaszem Makowieckim, Łukaszem Lachem, Kev Foxem i Maciejem Werkiem.
People in Tune to nowy, łódzki festiwal muzyczny, którego celem jest propagowanie wartości kulturowych i artystycznych. To podróż przez różne odmienne gatunki i formy muzyczne, integrująca osoby z różnych środowisk i pokoleń wokół muzyki z różnych stron świata. W tym roku będzie miała miejsce 2. edycja festiwalu.
Tegoroczny festiwal People in Tune odbędzie się pod hasłem „African Vibes”. Motyw przewodni to kontynent afrykański. Koncertom muzyki z tamtych stron świata będą towarzyszyły warsztaty bębniarskie, spotkania z podróżnikami, projekcje filmowe czy degustacje kuchni afrykańskiej.
Sponsorem tytularnym została firma ET PROMO. ET Promo to lider w dziedzinie pakowania kontraktowego produktów spożywczych i przemysłowych. Firma wyróżnia się innowacyjnymi rozwiązaniami w tworzeniu ekologicznych opakowań jednostkowych oraz nowoczesnym i zróżnicowanym parkiem maszynowym dla lepszej oferty usług. Wszystkie działania ET Promo realizuje z myślą o ochronie środowiska, wykorzystując zrównoważone źródła odnawialne, wspierając nowoczesne praktyki ekologiczne. ET angażuje się w finansowanie innowacyjnych projektów dla młodych przedsiębiorców, zwiększa tworzenie nowych miejsc pracy w Polsce, stale wspiera i rozwija gospodarkę swojego miasta. ET Promo The Co–Packing Company. Napędzamy do działań na rzecz lepszego jutra.
Koncerty
17:00 Support: The Afronauts
The Afronauts to projekt zrodzony z miłości do muzyki afrobeatowej, amalgamacji afrykańskich rytmów z jazzem i funkiem, której pomysłodawcą był legendarny nigeryjski muzyk Fela Anikulapo Kuti. The Afronauts od początku stawiają na kompozycje autorskie, które afrobeat łączą choćby z muzyką marokańską czy południowoafrykańską. Misją zespołu jest szerzenie afrobeatowej energii oraz wciąganie do zabawy i interakcji ludzi, niezależnie od ich pochodzenia, płci, czy koloru skóry.
19:00 Gwiazda wieczoru: Mokoomba
Grupa Mokoomba, pochodząca z Zimbabwe, jest uważana za jeden z najważniejszych młodych zespołów na kontynencie afrykańskim. Artyści z powodzeniem koncertowali w ponad czterdziestu krajach na całym świecie – od Europy przez Australię, po Amerykę. Jej sukces wyrasta z umiejętnego łączenia własnej tradycji Tonga z muzyką panafrykańską, z elementami rapu, ska, brzmień afro-kubańskich czy soukous – nazywanej afrykańską rumbą. To zespół, który został okrzyknięty jednym z najbardziej ekscytujących zespołów Afryki w XXI wieku!
Projekcje filmowe / WSTĘP WOLNY
15:00 – 16:30 Projekcja filmu “Opowieść Griota” i spotkanie z autorem
Opowieść Griota to dokument muzyczny zbudowany wokół monologu afrykańskiego bębniarza, Adama Drame. Prosta, oszczędna, ale jednocześnie precyzyjna i wiarygodna narracja odbywa się w ojczystym języku artysty – dioula. Film jest dokumentem reporterskim, który próbuje zanotować kamerą chwile z życia bohatera w sposób dyskretny i wiarygodny. Po filmie odbędzie się spotkanie z reżyserem, scenarzystą i producentem tego dokumentu – Adamem Różańskim.
16:30 – 17:30 Projekcja filmu „La Petite vendeuse de soleil”
Spotkania z podróżnikami / WSTĘP WOLNY
12:00 – 13:30 Beata Lewandowska-Kaftan
Beata Lewandowska-Kaftan – z wykształcenia geograf, z zawodu wydawca, z zamiłowania kobieta w podróży. Przez ponad 30 lat pracowała dla wydawnictw polskich i zagranicznych m.in. National Geographic. Ponad 20 lat temu zakochała się w Afryce od pierwszego wejrzenia i wciąż do niej wraca – odwiedza nowe regiony, wraca do miejsc ulubionych i do przyjaciół. Podróżowała po Kenii, Tanzanii i Zanzibarze, Ugandzie, Etiopii, Namibii, Botswanie, Zimbabwe, Mali, Burkina Faso, RPA. Autorka książek “Afryka jest kobietą”, “Zanzibar – wyspa skarbów”, “Opowieści ze świata Suahili”, “Dotyk Afryki”.
13:45 – 14:45 Kapitan i Admirał: Przygoda i Przypał
Przygoda, Przypał, Pasja, Podróż – to słowa, którymi „Kapitan” Szymon Przebinda i „Admirał” Eryk Krysowski opisują każdą swoją nietypową wyprawę. Do Afryki Zachodniej wybrali się starym Volkswagenem Passatem. Podczas wykładu pt. „Uwięzieni na rzece Senegal” podróżnicy z właściwą sobie lekkością i humorem opowiedzą o przygodach i przeciwnościach, na które napotkali, a także o niezwykłej przyrodzie i poznanych w drodze ludziach.
Autorskie warsztaty prowadzone przez czołowego specjalistę w kraju, założyciela pierwszej w Polsce profesjonalnej szkoły bębniarskiej „City Bum Bum”, Wojtka Pęczka!
10:00 – 11:00 Baby Bum Bum (od 3 do 10 lat) Baby Bum Bum to zajęcia muzyczno-rytmiczno-edukacyjne, na których staramy się zaszczepić w dzieciach miłość do aktywnego udziału we wspólnym wykonywaniu muzyki. Nie jest to typowa nauka gry na bębnach czy śpiewu – raczej wspólne przeżywanie radości z przebywania ze sobą i tworzenia muzyki. Poprzez zabawę uczymy afrykańskich rytmów i piosenek oraz opowiadamy o życiu w Afryce. Zajęcia pomagają budować pozytywne relacje między dzieckiem a rodzicem, rozwijać umiejętności współpracy w grupie, uczą rozpoznawać emocje, budować pozytywny obraz siebie, a przede wszystkim pozwalają pokochać muzykę i odnaleźć radość w tańcu, śpiewie i rytmie.
11:00 – 12:30 Warsztaty plastyczne (dla wszystkich, bez ograniczeń wiekowych) Autorska propozycja warsztatów rękodzielniczych, w których mogą wziąć udział zarówno dzieci, jak i osoby dorosłe. Wykorzystując materiały ekologiczne, takie jak m.in. paper marche czy rafia, uczestnicy zajęć tworzyć będą maski inspirowane tradycją Afryki Zachodniej. Praktyczny aspekt rękodzielniczy warsztatów łączy się z warstwą werbalną, czyli z historiami o znaczeniu, pochodzeniu i wykorzystaniu rytualnym afrykańskich masek. Zapewniamy proste, ekologiczne materiały dla uczestników zajęć.
12:30 – 14:00 Warsztaty bębniarskie dla młodzieży i dorosłych (od 12 lat) Zajęcia są pełnym energii, radości i pasji wprowadzeniem w świat zachodnioafrykańskiej muzyki perkusyjnej, która jest przyjazna i dostępna każdemu człowiekowi bez względu na umiejętności muzyczne czy wiek – w trakcie sesji odbywamy niezwykły proces grupowy, który pokazuje, że niemożliwe jest możliwe: grupa ludzi nie mających wcześniej bliższego kontaktu z muzyką zaczyna wykonywać i prezentować tradycyjny rytm z Afryki Zachodniej – każdy odkrywa w sobie naturalne poczucie rytmu i talent, o jaki być może wcześniej nie podejrzewał siebie. Zapewniamy tradycyjne bębny z Afryki Zachodniej: djembe i basowe dunduny. Opowiadamy o kulturze, z jakiej się wywodzą, a którą znamy z podróży i bezpośredniego z nią kontaktu. Grupa poznaje technikę gry na djembe, uczy się języka bębnów i każdy staje się „djembefola” – tym, kto sprawia, ze bęben djembe zaczyna mówić. Uczestnicy zajęć poznają akompaniamenty afrykańskich rytmów, uczą się relacji między instrumentami akompaniującymi, basowymi i solowymi. Wprowadzamy tradycyjną aranżację rytmów; grupa dzieli się na kilka mniejszych zespołów, które przez powtarzanie różnych akompaniamentów scalają się w jeden organizm.
14:30 – 16:00 Warsztaty tańca afro (dla wszystkich, bez ograniczeń wiekowych) Taniec afrykański jest niezwykle energiczną i żywiołową formą ekspresji, wyraża radość życia i afirmację świata. Wyzwala w nas radość, spontaniczność, pozwala odprężyć się i wyrazić siebie. Dzięki niemu zbliżamy się do naszej prawdziwej natury, do naturalnej potrzeby KONTAKTU z ZIEMIĄ. Taniec w rytm bębnów jest naturalnym odruchem. Muzyk i tancerz stanowią nierozerwalną część, uzupełniają się i wypełniają nawzajem. Ich „rozmowa” wyrażona przez taniec i muzykę jest najpiękniejszą rozmową bez słów. Zajęcia odbywają się przy żywej muzyce wykonywanej na bębnach djembe i dundun przez muzyków. Tradycyjne afrykańskie rytmy mają bowiem swoje znaczenie kulturowe, a każdy ma rytm ma przyporządkowany sobie charakterystyczny taniec. Oznacza to, że kroki taneczne są idealnie zsynchronizowane z muzyką, a siła bębnów daje tancerzom energię i inspirację.
People in Tune to nowy, łódzki festiwal muzyczny, którego celem jest propagowanie wartości kulturowych i artystycznych. To podróż przez różne odmienne gatunki i formy muzyczne, integrująca osoby z różnych środowisk i pokoleń wokół muzyki z różnych stron świata. W tym roku będzie miała miejsce 2. edycja festiwalu.
Tegoroczny festiwal People in Tune odbędzie się pod hasłem „African Vibes”. Motyw przewodni to kontynent afrykański.
Warsztaty Autorskie warsztaty prowadzone przez czołowego specjalistę w kraju, założyciela pierwszej w Polsce profesjonalnej szkoły bębniarskiej „City Bum Bum”, Wojtka Pęczka!
10:00 – 11:00 Baby Bum Bum (od 3 do 10 lat) Baby Bum Bum to zajęcia muzyczno-rytmiczno-edukacyjne, na których staramy się zaszczepić w dzieciach miłość do aktywnego udziału we wspólnym wykonywaniu muzyki. Nie jest to typowa nauka gry na bębnach czy śpiewu – raczej wspólne przeżywanie radości z przebywania ze sobą i tworzenia muzyki. Poprzez zabawę uczymy afrykańskich rytmów i piosenek oraz opowiadamy o życiu w Afryce. Zajęcia pomagają budować pozytywne relacje między dzieckiem a rodzicem, rozwijać umiejętności współpracy w grupie, uczą rozpoznawać emocje, budować pozytywny obraz siebie, a przede wszystkim pozwalają pokochać muzykę i odnaleźć radość w tańcu, śpiewie i rytmie.
11:00 – 12:30 Warsztaty plastyczne (dla wszystkich, bez ograniczeń wiekowych) Autorska propozycja warsztatów rękodzielniczych, w których mogą wziąć udział zarówno dzieci, jak i osoby dorosłe. Wykorzystując materiały ekologiczne, takie jak m.in. paper marche czy rafia, uczestnicy zajęć tworzyć będą maski inspirowane tradycją Afryki Zachodniej. Praktyczny aspekt rękodzielniczy warsztatów łączy się z warstwą werbalną, czyli z historiami o znaczeniu, pochodzeniu i wykorzystaniu rytualnym afrykańskich masek. Zapewniamy proste, ekologiczne materiały dla uczestników zajęć.
12:30 – 14:00 Warsztaty bębniarskie dla młodzieży i dorosłych (od 12 lat) Zajęcia są pełnym energii, radości i pasji wprowadzeniem w świat zachodnioafrykańskiej muzyki perkusyjnej, która jest przyjazna i dostępna każdemu człowiekowi bez względu na umiejętności muzyczne czy wiek – w trakcie sesji odbywamy niezwykły proces grupowy, który pokazuje, że niemożliwe jest możliwe: grupa ludzi nie mających wcześniej bliższego kontaktu z muzyką zaczyna wykonywać i prezentować tradycyjny rytm z Afryki Zachodniej – każdy odkrywa w sobie naturalne poczucie rytmu i talent, o jaki być może wcześniej nie podejrzewał siebie. Zapewniamy tradycyjne bębny z Afryki Zachodniej: djembe i basowe dunduny. Opowiadamy o kulturze, z jakiej się wywodzą, a którą znamy z podróży i bezpośredniego z nią kontaktu. Grupa poznaje technikę gry na djembe, uczy się języka bębnów i każdy staje się „djembefola” – tym, kto sprawia, ze bęben djembe zaczyna mówić. Uczestnicy zajęć poznają akompaniamenty afrykańskich rytmów, uczą się relacji między instrumentami akompaniującymi, basowymi i solowymi. Wprowadzamy tradycyjną aranżację rytmów; grupa dzieli się na kilka mniejszych zespołów, które przez powtarzanie różnych akompaniamentów scalają się w jeden organizm.
14:30 – 16:00 Warsztaty tańca afro (dla wszystkich, bez ograniczeń wiekowych) Taniec afrykański jest niezwykle energiczną i żywiołową formą ekspresji, wyraża radość życia i afirmację świata. Wyzwala w nas radość, spontaniczność, pozwala odprężyć się i wyrazić siebie. Dzięki niemu zbliżamy się do naszej prawdziwej natury, do naturalnej potrzeby KONTAKTU z ZIEMIĄ. Taniec w rytm bębnów jest naturalnym odruchem. Muzyk i tancerz stanowią nierozerwalną część, uzupełniają się i wypełniają nawzajem. Ich „rozmowa” wyrażona przez taniec i muzykę jest najpiękniejszą rozmową bez słów. Zajęcia odbywają się przy żywej muzyce wykonywanej na bębnach djembe i dundun przez muzyków. Tradycyjne afrykańskie rytmy mają bowiem swoje znaczenie kulturowe, a każdy ma rytm ma przyporządkowany sobie charakterystyczny taniec. Oznacza to, że kroki taneczne są idealnie zsynchronizowane z muzyką, a siła bębnów daje tancerzom energię i inspirację.
Soundedit’24 – „Niemen znany i mniej znany” (Natalia Niemen, Wojciech Waglewski, Krzysztof Zalewski), Matylda/Łukasiewicz
Soundedit ’24 – Hołd dla Niemena i duet Matylda/Łukasiewicz „Niemen znany i mniej znany” – to projekt zainicjowany przez córkę Czesława Niemena, Natalię. Artystka pragnie przybliżyć szerszej publiczności twórczość swojego taty, tę mniej znaną, mniej rozpowszechnioną. Festiwalowy piątek (25 października) będzie bogaty w wydarzenia związane z Niemenem, niewątpliwie jednym z najwybitniejszych i najważniejszych polskich artystów. Tego dnia również na scenie klubu Wytwórnia wystąpi niezwykle ostatnio popularny duet – Matylda/Łukasiewicz.
Koncert poświęcony Niemenowi wypełnią utwory, które powstawały na przestrzeni lat i znalazły się na takich albumach jak: „Terra Deflorata” czy „Spodchmurykapelusza”. To również prawdopodobnie pierwsza próba przełożenia tych wybitnych kompozycji i aranżacji na język zespołu instrumentalistów, który utworzyła Natalia. Od lat 80-tych Czesław Niemen był bowiem samowystarczalnym multiinstrumentalistą, a do tworzenia i wykonywania swojej muzyki zatrudnił, jak sam ją nazwał – robotestrę, czyli zaawansowaną, cyfrowo-analogową „machinerię” instrumentów. Podczas koncertu nie zabraknie też kilku największych „hitów” Czesława Niemena: „Jednego serca”, „Dziwny jest ten świat” czy „Płonąca stodoła”. Natalia Niemen na występ podczas Soundedit zaprosiła Krzysztofa Zalewskiego i Wojciecha Waglewskiego. Przed koncertem Piotr Metz poprowadzi rozmowę, dotyczącą życia i twórczości Niemena. Do Natalii, Krzysztofa i Wojciecha dołączy Małgorzata Niemen. Czesław Niemen zostanie również (pośmiertnie) uhonorowany nagrodą Festiwalu Soundedit -„Człowieka ze Złotym Uchem” w uznaniu za „pionierskie dokonania w dziedzinie produkcji muzycznej.
Tegorocznej edycji Festiwalu towarzyszyć będzie również wystawa zdjęć autorstwa Małgorzaty Niemen. W 2022 Matylda Damięcka i Radek Łukasiewicz zmierzyli się z tematem przemijania, śmierci i żałoby na płycie Polskich Znaków. Matylda użyczyła swoich umiejętności wizualnych (wideoklipy) oraz wokalnych. Radek jest znany z zespołów Pustki czy Bisz/Radex, ale także z pisania dla innych m.in.: Brodki, Artura Rojka, Piotra Zioły. Teraz kontynuują współpracę, mają gotowy album i wystąpią na Soundedit. “Razem zastanawiamy się, jak żyje się kobiecie i mężczyźnie we współczesnym świecie, pełnym oczekiwań i społecznej presji. Zwykłe życie, niezwykła forma” – mówią o swojej współpracy.
Projekt „Niemen znany i mniej znany” oraz duet Matylda/Łukasiewicz pojawią się na scenie Klubu Wytwórnia (Łódź, ul. Łąkowa 29) 25 października (piątek) podczas 16. edycji Międzynarodowego Festiwalu Producentów Muzycznych Soundedit.
Łódzkie Stowarzyszenie Muzyczne „Ocalić Od Zapomnienia” serdecznie zaprasza na niezwykłe wydarzenie muzyczne tej jesieni: 12 października 2024 w klubie Wytwórnia odbędzie się pierwsze, od prawie czterdziestu lat, Rockowisko. W ramach naszej działalności pragniemy przywrócić do łódzkiego kalendarza koncertowego tę legendarną imprezę, która przed laty gromadziła tysiące fanów z całej Polski. Tegoroczny koncert będzie formą retrospekcji, a wystąpią w nim legendarni dziś wykonawcy, którzy w latach osiemdziesiątych XX wieku byli niekwestowanymi gwiazdami krajowej sceny rockowej. Dzisiaj wracają w różnych składach personalnych, ale za to w doskonale znanym, przebojowym repertuarze. Gorąco zapraszamy do powrotu do przeszłości przedstawicieli wszystkich pokoleń.
Zespół TURBO gościł na łódzkim Rockowisku trzykrotnie (w latach 1981, 1982 i 1985). Od ponad czterdziestu lat rozgrzewają polską scenę rockową swoimi doskonałymi koncertami. Ostatnia pozycja w dyskografii to „Greatest Hits”, wydana na 40-lecie zespołu. Aktualnie trwają prace nad nowym albumem. Na Rockowisku 2024 zespół zagra swoje największe hity z płyt „Dorosłe Dzieci” i „Smak Ciszy”.
Wojciech Hoffmann
Bogusz Rutkiewicz
Tomasz Struszczyk
Przemysław Niezgódzki
Mariusz Bobkowski
TSA (Michalski, Niekrasz, Kapłon, Wester, Lekki) – to skład, który w wyniku perturbacji personalnych wyłonił się z oryginalnego, legendarnego TSA. Jedyny zespół, który zagrał we wszystkich edycjach „Rockowiska” od 1981 roku. W 2023 roku zespół wydał bardzo dobrze przyjęty na rynku album „Niezwyciężony”. Aktualne koncerty zespołu, to mieszanka starych przebojów TSA, takich jak „Massmedia”, „51”, „Chodzą ludzie”, „Maratończyk” i utworów z nowej płyty.
TSA – MNKWL
Marek Kapłon
Janusz Niekrasz
Damian Michalski
Maciej Wester
Piotr Lekki
Jary Odział Zamknięty to projekt wokalisty legendarnego „Oddziału Zamkniętego”, Krzysztofa Jaryczewskiego. Po powrocie na scenę artysta zaangażował do współpracy swoich przyjaciół i utrzymuje ducha OZ, dając doskonałe koncerty. Oddział Zamknięty wystąpił na Rockowisku dwukrotnie (w roku 1982 i 1983). Koncert, który zagrają w październiku, będzie zawierał wszystkie największe hity, takie jak „Ten Wasz świat”, „Obudź się” czy „Party”. Ten „Oddział jeszcze jest otwarty”.
Krzysztof „Jary” Jaryczewski
Zbigniew Bieniak
Dominik „Nick” Swat
Andrzej „Pierwiastek”
Michał Biernacki
ZBIGNIEW HOŁDYS
Tegoroczne „Rockowisko” otworzy swoim koncertem Zbigniew Hołdys. Legenda polskiej sceny rockowej, twórca zespołu Perfect i autor słynnego projektu I-Ching, zrzeszającego najwybitniejszych polskich muzyków początku lat osiemdziesiątych. Z „Perfectem” Zbyszek zagrał na Rockowisku tylko raz, w 1981 roku. Dlatego na październikowym koncercie możemy się spodziewać ciekawej setlisty.
ALL STARS BAND :
Jerzy Styczyński – Gitarzysta zespołu DŻEM, współpracujący również z Tadeuszem Nalepą i Martyną Jakubowicz. Absolutnie genialny muzyk, mający na koncie udział w nagraniach ponad stu płyt różnych artystów polskiej sceny muzycznej.
Mieczysław Jurecki – basista grupy Budka Suflera, multiinstrumentalista i muzyk uczestniczący w dziesiątkach projektów muzycznych w naszym kraju. Artysta uczestniczył w nagraniach ponad dwustu płyt o bardzo różnych zabarwieniach muzycznych.
Artur Malik – wieloletni perkusista zespołu Lombard. Wykładowca krakowskiej Akademii Jazzu i Muzyki Rozrywkowej. Współpracował również z zespołami: Chłopcy z placu Broni, Pudelsi, Zanderhaus, Pod Budą oraz Jarosławem Śmietaną, Urszulą, Krzysztofem Zalewskim.
Ex MAANAM
Repertuar koncertowy zespołu, to perfekcyjnie wykonane, doskonale znane największe przeboje Maanamu w ich oryginalnym brzmieniu, co niewątpliwie jest zasługą gitarzysty Ryszarda Olesińskiego i perkusisty Pawła Markowskiego – muzyków, którzy wraz z Korą i Markiem Jackowskim uczestniczyli przez prawie ćwierć wieku w największych sukcesach grupy, współtworząc tak legendarne albumy, jak „Nocny Patrol” , „Mental Cut” czy „Derwisz i Anioł”.
Jakub Józef Orliński i Aleksander Dębicz prezentują projekt #LetsBaRock
Muzyka barokowa często kojarzy się z czymś niedostępnym i archaicznym. Wybity polski kontratenor – Jakub Józef Orliński oraz niezwykle utalentowany pianista i kompozytor – Aleksander Dębicz postanowili zmienić ten wizerunek i przełożyć muzykę barokową na język współczesny. Efektów ich współpracy będzie można posłuchać podczas trasy #LetsBaRock, która tej jesieni odwiedzi dziewięć polskich miast.
W projekcie #LetsBaRock Jakub Józef Orliński i Aleksander Dębicz wynoszą muzykę barokową na zupełnie nowy poziom, prezentując jej ponadczasowość. Wspólnie stworzyli „covery” utworów barokowych, osadzając je w kontekście współczesnego popu. Aby jeszcze lepiej podkreślić ten nowoczesny sznyt, Orliński i Dębicz zaprosili do współpracy najlepszych muzyków polskiej sceny rozrywkowej: Marcina Ułanowskiego (perkusja) i Wojciecha Gumińskiego (bas). W tym czteroosobowym składzie, w legendarnych przestrzeniach Church Studios w Londynie, wypracowali niepowtarzalne brzmienie „nowego baroku”. Projekt #LetsBaRock uzupełniają trzy autorskie kompozycje Aleksandra Dębicza.
Tej jesieni trasa #LetsBaRock odwiedzi dziewięć najpiękniejszych sal koncertowych w Polsce. Artyści pojawią się w Poznaniu (27 września, Sala Ziemi), Katowicach (28 września, NOSPR), Krakowie (29 września, ICE Kraków), Wrocławiu (30 września, NFM), Warszawie (1 października, Muzeum Historii Polski), Bielsku-Białej (3 października, Cavatina Hall), Łodzi (5 października, Wytwórnia), Szczecinie (6 października, Filharmonia Szczecińska) i Gdańsku (7 października, Filharmonia Bałtycka). Bilety na wydarzenia dostępne na eBilet.pl.
Materiał ukaże się także na albumie. Data premiery wydawnictwa została zaplanowana na
Niektórych artystów można opisać krótko i w kilku zdaniach. Maciej Maleńczuk zdecydowanie do nich nie należy, a szybki opis jego pracy artystycznej jest absolutnie niemożliwy. Z pewnością można powiedzieć, że to jeden z najważniejszych, najbardziej charyzmatycznych, a przy tym kontrowersyjnych artystów ostatnich czterech dekad. Pieśniarz obdarzony świetnym głosem i darem pisania tekstów pełnych ciekawych obserwacji – nie zawsze miłych.
Klauzula Sumienia nakazuje więcej nie mówić i słuchać.
„Sobremesą istotnie delektuje się jak deserem lub portugalskim winem i krew zaczyna tętnić w rytmie fado. Smutek i melancholia mieszają się z lekkim pulsem wynikającym bezwiednie z piękna Lizbony.” Napisała bezimienna posiadaczka tej płyty dzieląc się swą reakcją na profilu kiedyś największej w kraju księgarni z płytami. I rzeczywiście, Sobremesa to deser po wspaniałym posiłku, ale to także obrus i stół, i gorące, przyjazne rozmowy po tej uczcie, jej podsumowanie i wymiana myśli z przyjaciółmi o wszystkim ważnym i nie tylko. Sobremesa to bodajże najczęściej powracająca w kuluarowych rozmowach na Siesta Festiwalu muzyka, która dla wielu była początkiem, a dla wielu innych zbiorem ścieżek ku miłości do luzofonii.
Sobremesa to zbiór ukochanych piosenek AMJ ze świata kultury portugalskiej, z „Luzofonii” i bez dwóch zdań jedna z piękniejszych i najważniejszych płyt w jej dorobku. To spotkanie z wielkimi postaciami muzyki luzofońskiej. Z Portugalii, Brazylii, Cabo Verde, Angoli…, to lekkość, wdzięk, czar muzyki zmysłowej, plażowej, chwilami nostalgicznej, zawsze pełnej światła. Wraca Yami, wraca lizboński zespół, wraca Anna Maria Jopek. Każde w innym miejscu swego życia, każde z większym bagażem doświadczeń, przemyśleń, nagród i zaszczytów, co tym bardziej wzmaga ciekawość
Anna Maria Jopek – głos Yami – gitara basowa Victor Zamora – fortepian Tiago Oliveira – gitara Vicky Marques – perkusja
20-osobowa orkiestra pod batutą Nikoli Kołodziejczyka przypomni legendarny zespół założony przez Jana Ptaszyna Wróblewskiego w 1968 r. Koncert jest efektem współpracy pomiędzy organizatorami LAJ a Polskim Radiem Dwójką. Po raz pierwszy zespół ten został zaprezentowany podczas serii koncertów Radia pod nazwą „Jazz.PL”. To wyjątkowe przedsięwzięcie zasługuje na kontynuację i wspólnie postanowiliśmy zaprezentować kolejną odsłonę projektu podczas 17 edycji Letniej Akademii Jazzu.
To bezprecedensowe wydarzenie, w ramach którego 20-osobowa orkiestra zagra dawne kompozycje Studia Jazzowego Polskiego Radia, które skupiało najważniejszych muzyków jazzowych takich jak Tomasz Stańko, Michał Urbaniak, Tomasz Szukalski, Zbigniew Namysłowski, Zbigniew Seifert, Adam Makowicz, Wojciech Karolak, czy Andrzej Trzaskowski. Skład ten łączył najwybitniejszych polskich improwizatorów z najlepszymi radiowymi muzykami bigbandowymi. W ramach 17 edycji LAJ pragniemy przypomnieć historię tego niezwykłego składu, którego rola w historii polskiego jazzu jest nieoceniona. Podobnie jak w tamtych latach, PR 2 stworzyło zespół, w którego skład wchodzą najlepsi polscy instrumentaliści, wyróżniający się absolwenci polskich uczelni muzycznych o profilu klasycznym i jazzowym.
Partytury utworów, które złożyły się na repertuar jubileuszowego koncertu, zostały wydobyte z archiwum Polskiego Radia. Zdecydowana większość wybranych na ten wieczór kompozycji nigdy nie została wydana i teraz, po latach, można je będzie usłyszeć na żywo.
Zespół poprowadzi Nikola Kołodziejczyk. Urodzony w 1986 r. w Krakowie. Jest pianistą, kompozytorem i dyrygentem. Gra na fortepianie od 4. roku życia. Miał zaszczyt uczyć się od legendy polskiej pedagogiki fortepianowej prof. Ireny Rolanowskiej. W roku 2005 Nikola rozpoczął naukę na Akademii Muzycznej im. Karola Szymanowskiego w Katowicach w Instytucie Jazzu i Muzyki Rozrywkowej w klasie wybitnego polskiego pianisty dr Wojciecha Niedzieli. Wtedy również rozszerzył swoje poszukiwania kompozytorskie na orkiestry smyczkowe, zespoły mieszane trzeciego nurtu, nietypowe zestawienia instrumentów i postanowił dogłębnie zrozumieć proces powstawania dźwięku studia nagraniowego. Założył zespół mający wykonywać te pomysły i stanowić bazę dla eksperymentów instrumentacyjnych – Nikola Kołodziejczyk Orkiestra. Ciepłe przyjęcie przez publiczność materiału, który przygotowywał i doświadczenia studyjne zdobyte podczas nagrywania płyt tych zespołów wyrobiły w nim pasję prowadzenia, dyrygowania i komponowania dużych składów instrumentalnych, czego uczyć mógł się niebawem pod okiem człowieka o wielkiej renomie, specjalisty muzyki bigbandowej w Europie – ucznia Boba Brookmeyera: Amerykanina prof. Edwarda Anthony’ego Partyki. Otrzymując dyplom z wyróżnieniem na specjalności pianistyka jazzowa Nikola mógł pochwalić się szeregiem nagród dla jego zespołów, jak również pierwszą godzinną suitą na orkiestrę jazzową – „Extreme Conditions” napisaną na rozszerzony big band z koncertującym fortepianem. Nagranie koncertowe suity „Extreme Conditions” było katalizatorem zamówień kompozytorskich z różnych źródeł: Filharmonia Wrocławska i Festiwal Jazztopad, Regensburg Jazz Orchestra – unikalny konglomerat gigantów europejskiej sceny bigbandowej. W tym samym czasie otrzymywał nagrody jako pianista i kompozytor – na festiwalach w Bielsku, Jeleniej Górze, Krakowie, Warszawie. Był półfinalistą Bosendorfer Solo Piano Competition na Montreux Jazz Festival, zdobył Stypendium Berklee College of Music World Scholarship Tour, wyróżnienie na Transatlantyk Instant Composition Competition. Jako pianista został zaproszony do zagrania trasy koncertowej przez berlińską orkiestrę EPJO. Aranżował dla Richarda Bony i Metropole Orkest prowadzonej przez Vince’a Mendozę, dla Tomasza Kukurby i Orchestra of Live Strings Nigela Kennedy’ego, oraz orkiestry L’Autunno.
COALS to młody duet, w którego skład wchodzą Kacha i Lucassi. Zespół szybko zdobył uznanie wśród słuchaczy dzięki domowym nagraniom, które wrzucali na YouTube kilka lat temu. Muzyka Coals często charakteryzuje się różnorodnością gatunków (dream pop, chillwave, cloud rap czy glitch pop…), ale zespół nie lubi ograniczać się do konkretnych szufladek. Zamiast tego, stara się tworzyć eklektyczną muzykę, a sami mówią, że to co robią to „cold pop”.Duet wystąpił na wielu międzynarodowych festiwalach, m.in. na Positivus, Pohoda, Primavera Sound, MENT, Eurosonic, czy Iceland Airwaves. Co ciekawe, podczas pobytu w Reykjaviku, Coalsi nagrali wideosesję dla legendarnego radia KEXP w Kex Hostel. Poza tym, duet miał okazję wystąpić na ważnych, polskich festiwalach, takich jak Open’er (czterokrotnie), OFF (dwukrotnie) oraz Fest.
HUBERT. – artysta młodego pokolenia pochodzący ze Szczecina. W ostatnich latach wydał niezależnie trzy cyfrowe albumy: dzieci śmieci, pttki święty spokój, które również sam w całości wyprodukował. Dzięki krążkowi święty spokój zdobył popularność m.in dokumentując swoje wędrówki od miejskiego zgiełku. Mimo dystansu do nadmiernej ekspozycji, jego niszowa aktywność na TikToku przyciągnęła uwagę wielu słuchaczy.Dotychczasowa twórczość zachwyciła nie tylko słuchaczy, ale również media. Portal newonce docenił go kilkukrotnie, publikując jeden z pierwszych wywiadów z artystą, a także umieszczając album „święty spokój w zestawieniu” TOP 10 najlepszych polskich albumów pierwszego kwartału 2023 roku. Efektem świętego spokoju była trasa koncertowa artysty, gdzie „sold out” stał się częścią nazwy każdego wydarzenia na facebooku.
Umlaut Big Band to jedna z najlepszych francuskich formacji jazzowych, która wystąpi po raz pierwszy w Polsce – podczas 17. Letniej Akademii Jazzu! 14-osobowa orkiestra pod batutą Pierre-Antoine’a Badaroux prezentuje jazz swingujący z przełomu lat 20., 30. i 40. Muzycy wydobywają na światło dzienne zapomniany repertuar kompozytorów i aranżerów jazzowych z XX wieku. Wykorzystują archiwa rękopisów, aby zrekonstruować utracone dźwięki. W swoim dorobku mają 5 płyt i ponad 200 utworów! Orkiestra wspaniale łączy tradycyjne jazzowe dźwięki ze współczesnymi formami tego gatunku.
Koncert Mary’s Idea to projekt, który ma na celu oddanie hołdu oraz ukazanie twórczości Mary Lou Williams – pianistki, aranżerki i kompozytorki, która aranżowała dla Duke’a Ellingtona, Benny’ego Goodmana; była także mentorką i nauczycielką m.in.: Milesa Davisa, Theloniuosa Monka czy Buda Powella. To jedna z pierwszych kobiet, które odniosły sukces w jazzie mimo przeszkód, które napotykała na swojej drodze, jak chociażby rasizm. Mary Lou Williams była bliska młodym muzykom, a całą muzyczną karierę pozostawała w cieniu tych, dla których była mentorem. Po swojej śmierci Artystka pozostawiła jedyne w swoim rodzaju oryginalne rękopisy oraz niepublikowane partytury ukazujące zmieniający się jazz na przestrzeni 50 lat. Organizacja tego koncertu odbywa się we współpracy z Instytutem Francuskim w Polsce.
Tercet tworzą Kamila Drabek, Marcin Konieczkowicz i Kacper Kaźmierski. Grupa to jeden z ciekawszych i najbardziej docenianych młodych zespołów jazzowych w Polsce. Ich muzyka opiera się o piosenki kontrabasistki i liderki Kamili Drabek. Jest pełna śpiewnych, folkowych melodii wykonanych z rockową energią i młodzieńczym wdziękiem. To jazz zagrany „po polsku” z dużą dozą słowiańskiego liryzmu, ale i z poczuciem humoru. Szczerość i pełen profesjonalizm zapewnił im uznanie krytyków i sympatię publiczności.
Pierwszy album pt. „Muzyka Naiwna”, wydany nakładem wydawnictwa Soliton, miał premierę w lipcu 2019 podczas festiwalu Warsaw Summer Jazz Days. W 2020 płyta uzyskała nominację do nagrody muzycznej Fryderyk w kategorii Debiut Roku Jazz. Tercet koncertował podczas wielu festiwali w Polsce i zagranicą, m.in: V4 Jazz Fest (Praga, Samorin, Budapeszt, Kraków), Bielska Zadymka Jazzowa, Jazz Juniors, Polska Jazz Festiwal (Opus Jazz Club, Budapeszt), czy Summer Jazz Festiwal. W 2020 r. w ramach programu Partnerstwo dla Muzyki 2.0. zespół zrealizował również projekt pt. „Tercet Kamili Drabek gra utwory Jerzego Dudusia Matuszkiewicza”.
Marcin Konieczkowicz – krakowski saksofonista altowy oraz barytonowy; absolwent krakowskiej Akademii Muzycznej w klasie saksofonu oraz saksofonu jazzowego; w ciągu ostatnich lat został laureatem głównych nagród najważniejszych polskich konkursów i festiwali jazzowych m.in.: Jazz nad Odrą, Jazz Juniors, Blue Note Poznań Competition, Jazzowy Debiut Fonograficzny, Ogólnopolski Przegląd Młodych Zespołów Jazzowych Bluesowych Gdyńskiego Sax Clubu. Na codzień prowadzi działalność koncertową głównie na deskach krakowskich klubów jazzowych z zespołami: „Kuba Banaszek Quartet”, „Tercet Kamili Drabek”, „Michał Aftyka Quintet” oraz „Orchestra Dedicated” Wojciecha Groborza.
Kacper Kaźmierski – to perkusista i artysta reprezentujący grono muzyków określanych mianem polskiej, młodej sceny jazzowej i improwizowanej. Jest laureatem wielu konkursów, o zasięgu ogólnopolskim jak i międzynarodowym, takich jak: Jazz Juniors, Jazz Drummers Competition, Tarnów Jazz Contest, Blue Note Jazz Competition czy RCK PRO JAZZ. Sukcesy te sprawiły, że Kacper w roku 2020 został laureatem programu ministerialnego dla najwybitniejszych artystów „Młoda Polska”.
Koncertując od wielu lat ma bogate doświadczenie sceniczne, występując zarówno w Polsce jak i na całym świecie.
Kamila Drabek – kontrabasistka i kompozytorka, absolwentka Akademii Muzycznej w Krakowie. Prowadzi autorską formację Tercet Kamili Drabek. Zespół wygrał konkurs na jazzowy debiut fonograficzny 2019 i wydał album „Muzyka Naiwna” (nominacja do nagrody Fryderyk 2020 za najlepszy debiut). Współpracowała m.in. z topowym amerykańskim saksofonistą Gregiem Osbym, kubańską formacją Vistel Brothers czy Maciejem Obarą. Jest laureatką konkursów Blue Note Poznań Jazz Competition, Azoty Tarnów Jazz Contest, Krokus Jazz Festiwal. W 2020 r. wraz z pisarką Anną Malinowską i malarką Polą Dwurnik stworzyły interdyscyplinarne trio na słowo, obraz i kontrabas w projekcie „Unhappy Ending”.
Marcin Masecki – pianista, kompozytor, aranżer, dyrygent, kurator, pedagog. Jego działalność obejmuje szerokie spektrum stylistyczne, a wirtuozowskie łączenie gatunków oraz łamanie granic między sztuką wysoką a rozrywkową to znaki rozpoznawcze. Regularnie koncertuje z repertuarem jazzowym i klasycznym. Jest stałym kuratorem warszawskiego życia muzycznego.
Najnowszy album Marcina Maseckiego „Boleros y mas” to latynoamerykańskie brzmienia w klasycznym stylu. Kultura muzyczna Ameryki Łacińskiej jest ciągle obecna w życiu Artysty. Na najnowszym albumie, w formacie klasycznego tria fortepianowego, Marcin Masecki gra i śpiewa zestaw ulubionych boler meksykańskich, walców wenezuelskich, chorów brazylijskich i tang argentyńskich.
Masecki pisze również muzykę do filmu oraz do teatru. Jest laureatem Orła za muzykę do filmu „Powrót do tamtych dni” Konrada Aksinowicza. Był aranżerem, kompozytorem i konsultantem muzycznym przy filmie „Zimna Wojna” Pawła Pawlikowskiego. Stworzył też ścieżki dźwiękowe do filmów „O zwierzętach i ludziach” Łukasza Czajki, „Fuck for Forrest” Michała Marczaka, oraz „Obce Niebo” Dariusza Gajewskiego.
Czereśnie to zespół dla dzieci inny niż wszystkie. To piosenki opowiadające o sprawach najważniejszych: ochronie przyrody, dbaniu o własne zdrowie, miłości do najbliższych, poszanowaniu różnorodności. Skierowane do najmłodszych, ale unikające infantylizacji. Wykonywane w żywiołowej formie, pełnej wspólnych zabaw i interakcji z publicznością. Występy Czereśni to okazja do poznania całej palety instrumentów i ich brzmień: perkusji, bandżo, mandoliny, gitary basowej, a nawet tuby czy klarnetu. Młody odbiorca ma szansę uczestniczenia w prawdziwym koncercie, wykonywanym przez profesjonalnych muzyków ogranych na scenach od Stanów Zjednoczonych, przez całą Europę, po daleką Australię. Sporo w tym jednak zabawy – dzieciaki (oraz dorośli) wciągane są do wspólnego tańca, tupania czy klaskania.
Andrzej Zagajewski, laureat Paszportu Polityki wraz z zespołem Hańba!, stworzył muzykę, która za cel stawia nie tylko dobrą zabawę, ale również pobudzanie rozwoju każdego człowieka, przede wszystkim tego najmłodszego – jego wrażliwości, kreatywności i zdolności.
Maniucha i Ksawery to duet, który w autorski sposób łączy jazzową improwizację z ginącymi pieśniami ukraińskiego Polesia. W swoich kompozycjach przywołują pieśni wiosenne, żniwne, weselne, miłosne, dziadowskie, kolędy i kołysanki, łącząc je w opowieści odwzorowujące cykle przyrody i ludzkiego życia. Wspólnie snują opowieści przekraczając granice czasu i gatunków muzycznych, czerpiąc z wieloletnich podróży Maniuchy do śpiewaczek z ukraińskich wsi i wspólnej muzycznej wyobraźni. Niejednokrotnie sięgają także do archiwalnych nagrań z polskich wsi tego terenu.
Maniucha Bikont i Ksawery Wójciński występowali m. in w Pardon To Tu, otrzymali pierwsze miejsce na Turnieju Muzyków Prawdziwych, organizowanym przez Filharmonię Szczecińską w kategorii Soliści Wokaliści (2015) oraz Nagrodę Specjalną im. Czesława Niemena na Festiwalu Polskiego Radia Nowa Tradycja (2016).
„Maniucha Bikont to wyjątkowa wokalistka. Aby poznać intonację, sposób śpiewania, zdobnictwo, sięgała aż do źródeł. Śpiewa piosenki z różnych miejsc, m.in. Mazowsza i Południa. Wnika też zawsze głęboko w znaczenie, w kontekst, a to też zdarza się bardzo rzadko. Bardzo się cieszę, że nagroda imienia Czesława Niemena trafiła właśnie do niej. Czesław zawsze przykładał dużą wagę do źródeł, lubił wykonawców, którzy byli bliscy swoim korzeniom. Ten duet idealnie spełnia jego kryteria.”
– Maria Baliszewska, Polskie Radio
„Duet wokalno-basowy to rzadkie połączenie. To bardzo odważne i odważne wymyślić materiał koncertowy w oparciu o tak mały zespół. Ci dwaj muzycy odnieśli sukces dzięki swojej dojrzałości, zdyscyplinowanemu minimalizmowi i niesamowitej precyzji. Mam na myśli nie tylko aspekt zawodowy, ale także odniesienia stylistyczne, szczególną estetykę, jaką tworzą, głęboką znajomość źródeł, świadomość kontekstów, do których się odnoszą, powiązań, jakie przekazują. Ich występ jest pełen niuansów i uwrażliwia. Urzekła mnie tak piękna, tak autentyczna i tak przekonująca propozycja.
Bas tworzy tu autonomiczne środowisko, emocjonalny rozwój muzyki duetu. Ksawery jest basistą jazzowym, ale z mocnym wykształceniem akademickim i doskonale zna się na tym, co robi. Opanował różne techniki i wykorzystuje je świadomie. Pomiędzy głosem a instrumentem toczy się nieustająca „rozmowa”. Bas jest immanentną częścią tego dialogu, który powstaje na żywo na scenie i brzmi w naszych uszach. Rezultat jest niezwykły.”
– Olo Walicki, muzyk
Mitch & Mitch to polski zespół, który istnieje na rynku muzycznym od 2002 roku. Debiutowali podczas Festiwalu Kina Niemego z muzyką do filmu „Zaginiony świat”, występowali i współpracowali ze Zbigniewem Wodeckim, czego owocem był świetnie przyjęty album „1976: A Space Oddysey”. W 2016 roku razem ze Zbigniewem Wodeckim zdobyli dwa Fryderyki: Album roku pop oraz Utwór roku.
Mitch & Mitch dwa lata po wydaniu Frisco Moods EP, cztery lata po brazylijskiej przygodzie z Kassinem i sześć lat po obsypanej nagrodami płycie ze Zbigniewem Wodeckim, zabrali się za kompozycje Ennio Morricone. Dzięki inicjatywie Drugiego Programu Polskiego Radia udało się projekt zawiązać, a dzięki inicjatywie Jazzboy Records – utrwalić na płycie.
Na jej repertuar złożyły się utwory z okresu twórczości Morricone w latach 1969-1971, co znających dotychczasową podróż artystyczną Mitch & Mitch nie powinno specjalnie zaskakiwać.
Mitch & Mitch w tym wydaniu występują jako Mitch & Mitch con il loro Gruppo Etereofonico w składzie:
Anna Baranetti – waltornia
Anna Brachacci – bas
Maddalena Gae’Gizza – wokal, flet poprzeczny
Maddalena K. Penqala – wibrafon, dzwonki, instrumenty perkusyjne
